1. Барокко. Эстетическая концепция, художественные приемы и хронологические рамки стиля. Особенности барочного искусства в различных странах Западной Европы. Барокко. Эстетическая концепция: барокко появилась на фоне кризиса идей ренессанса, и появилось там же, где ренессанс достиг наибольшего расцвета – в Италии. барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию и одновременно — тенденция к автономии отдельных жанров. Основные причины распространения барокко: - хронологически, барокко появилось в XVII веке, в Италии, на фоне кризиса идей ренессанса рождается новый стиль, первая задача которого было создание иллюзии богатства и могущества, возвышение католической церкви и итальянской знати - идеологической основой распространения барокко в Европе стало общее ослабление духовной культуры, раскол церкви – как следствие падение ее авторитета, борьбой учений, которые отражали интересы различных классов. Художественные приемы: Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии Интерьеры требовали много цвета и крупных, богато украшенных деталей. Потолок, украшенный фресками, стены из расписанного мрамора и позолота были как никогда популярны. В интерьере часто использовались контрастные цвета: нередко можно было встретить мраморный пол, напоминающий шахматную доску. Золото было везде, и все, что можно было покрыть позолотой, было позолочено. Ни один уголок дома не оставляли без внимания при декорировании. Мебель была настоящим предметом искусства, и, казалось, предназначалась лишь для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой, богато окрашенной тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами и гигантские шкафы. Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовали южный орех и цейлонское черное дерево. В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, на ней неестественная, вычурная причёска, корсет и искусственно расширенная юбка на каркасе из китового уса. Она на каблуках. Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - творчество Рубенса и Караваджо. Для архитектуры барокко характерны: пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусные. Характерные детали барокко — теламон (атлант), кариатида, маскарон. Хронологические рамки стиля: Хронологические рамки этого стиля в разных странах различны. В Италии реминисценции барокко сохраняются до конца восемнадцатого века, в Словакии – с середины семнадцатого столетия до 1780-х годов, в России – с начала XVII до середины XVIII века. Особенности барочного искусства в различных странах Западной Европы. Французское было олицетворением исключительно политических устремлений. Английское же отражало идеи гражданские и общественные. Это становится наглядным при сравнении архитектурных особенностей трех соборов: собора Святого Петра, о котором уже шла речь, собора Святого Павла в Лондоне и собора Дома инвалидов в Париже. Эти здания построены в один временной период и на одних технологических принципах Парижский архитектор Жюль Ардуэн-Мансар выстроил купол собора Дома инвалидов на двухъярусном барабане, в гордом одиночестве купол возвышается над фасадом, разделенным колоннами на геометрически правильные плоскости. Масса купола и его богатый декор господствуют над совершенным по своей архитектуре основанием, как бы олицетворяя власть суверена, которую поддерживает иерархическая государственная система. Купол собора Святого Павла в Лондоне (архитектор Кристофер Рен). Купол венчает величественное здание, с которым он так мало связан, что для него потребовалось специальное цилиндрическое основание. Возникает впечатление, что одно здание встроено в другое. Этот купол скорее символ, чем образ власти, он выполняет функцию декоративную, в чем можно усмотреть параллель с положением монарха в политической власти Англии конца XVII в. Русское барокко, расцвет которого приходится на первую половину XVIII века, также обладало неповторимыми особенностями. В частности, церкви этого времени благодаря многоярусным колоннам, широким лестницам, различным пристройкам начинают походить на дворцы. Русское барокко характеризуется придворной пышностью - перегруженностью причудливыми деталями, переходящей границы разумного (см.8). В целом, стиль барокко не получает распространения в русской художественной культуре и остается чуждым ей. Это больше заимствованный с Запада архитектурный и литературный стиль, более тесно, чем в Западной Европе, переплетенный с такими явлениями, как классицизм и просвещение. В архитектуре главный представитель - В.В.Растрелли 2. Классицизм. Эстетическая концепция, художественные особенности и хронологические рамки стиля. Две волны европейского классицизма. Основные принципы классицизма 1. Культ разума 2. Культ гражданского долга 3. Обращение к средневековым сюжетам 4. Отвлеченность от изображения быта, от исторического национального своеобразия 5. Подражание античным образцам 6. Композиционная стройность, симметрия, единство художественного произведения 7. Герои являются носителями одной главной черты, даны вне развития 8. Антитеза как основной прием создания художественного произведения В основе классицизма лежат идеи рационализма. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес неизменное — существенные, для классицизма представляет только вечное, в каждом явлении он стремится распознать только типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма Эстетические принципы классицизма за время его существования претерпели значительные изменения. Характерная особенность этого направления – преклонение перед античностью. Искусство Древней Греции и Древнего Рима рассматривалось классицистами в качестве идеальной модели художественного творчества. “Поэтика” Аристотеля и “Искусство поэзии” Горация оказали огромное влияние на формирование эстетических принципов классицизма. Здесь обнаруживается тенденция к созданию возвышенно-героических, идеальных, рационалистически четких и пластически завершенных образов. Как правило, в искусстве классицизма современные политические, нравственные и эстетические идеалы воплощаются в характерах, конфликтах, ситуациях, заимствованных из арсенала античной истории, мифологии или непосредственно из античного искусства. Рационалистический характер эстетики классицизма проявился в отвлеченной типизации образов, строгой регламентации жанров, форм, в интерпретации античного художественного наследия, в обращении искусства к разуму, а не к чувствам, в стремлении подчинить творческий процесс незыблемым нормам, правилам и канонам. Как в Италии наиболее типичное выражение нашли эстетические принципы эпохи Возрождения, так во Франции XVII в. – эстетические принципы классицизма. К XVII в. художественная культура Италии в значительной мере утратила свое былое влияние. Хронологические рамки существования классицизма в разных европейских культурах определяются как вторая половина XVII — первое тридцатилетие XVIII в., при том, что ранние классицистические веяния ощутимы на исходе эпохи Возрождения, на рубеже XVI—XVII вв. В этих хронологических пределах эталонным воплощением метода считается французский классицизм Архитектурный классицизм XVII века развивался двумя главными направлениями: первое основывалось на развитии традиций позднеренессансной классической школы (Англия, Голландия); второе - возрождая классические традиции, в большей мере развивало римские традиции барокко (Франция). Английский классицизм Уже с первой половины XVII в. в архитектуре Англии и Голландии, сравнительно слабо испытывавших влияние барокко, определились новые черты под воздействием палладианского классицизма. Особенно большую роль в становлении нового стиля сыграл английский архитектор Иниго Джонс - первая яркая творческая индивидуальность и первое подлинно новое явление в английском зодчестве XVII века. Куинс-хаус (Queen's House - Дом королевы, 1616—1636 годы) в Гринвиче. В Куинс-хаусе архитектор последовательно развивает палладианские принципы чёткости и классической ясности ордерных членений, видимой конструктивности форм, уравновешенности пропорционального строя. Общие сочетания и отдельные формы здания по-классически геометричны и рациональны. В композиции преобладает спокойная, метрически расчлененная стена, построенная в соответствии с ордером, соразмерным с масштабом человека. Во всем господствуют равновесие и гармония. В плане наблюдается та же четкость членения интерьера на простые уравновешенные пространства помещений. Знаменитый Банкетинг-хаус в Лондоне (Banqueting House - Банкетный зал, 1619— 1622 годы) по внешнему облику значительно ближе к палладианским прототипам. По благородной торжественности и последовательно проведенной во всей композиции ордерной структуре он не имел предшественников в Англии. С именем Иниго Джонса, бывшего с 1618 года членом Королевской строительной комиссии, связывается важнейшее для XVII века градостроительное мероприятие — закладка первой лондонской площади, созданной по регулярному плану. Собор Св. Павла (St Pauls Cathedral) Уилтон-хаус (Wilton House, Wiltshire Палладианская английская вилла Французский классицизм Зарождение французского классицизма в первой половине XVII в. шло на фоне своеобразного преломления в архитектуре ренессансных форм, позднеготических традиций и приемов, заимствованных из нарождающегося итальянского барокко. Этот процесс сопровождался типологическими изменениями: перенесением акцента из внегородского замкового строительства феодальной знати на городское и загородное строительство жилья для чиновного дворянства. Во Франции закладывались основные принципы и идеалы классицизма. Можно сказать, что пошло все со слов двух знаменитых людей, КороляСолнца (т.е. Людовика XIV), изрекшего « – дворец Мезон-Лаффит (Maisons-Laffitte, 1642–1651). Среди других работ Мансара – Отель де Тулуз, Отель Мазарини и парижский собор Валь де Грас (Val-de-Grace), завершенный по его проекту Лемерьсе и Ле Мюэтом. 3. Развитие внестилевой линии в изобразительном искусстве XVII в. Новое видение действительности в живописи выразилось прежде всего в новом богатстве светотеневых и колористических градаций. Для живописцев Возрождения светотень была главным образом средством объемной лепки форм человеческой фигуры и предметов ее окружения, и в сочетании с перспективой — средством передачи трехмерного пространства. Теперь же переходы от света к тени становятся и средством характеристики пространственной среды в целом, светотеневая моделировка фигур и предметов — функцией движения света в пространстве. Гармоническое сочетание простых цветовых контрастов, разработанное Ренессансом, уступило место сложным звучаниям переходных оттенков, — Преобразующим всю живопись — как следствие коренного изменения мировидения — стало изменение концепции света, осуществившееся в живописи Караваджо, последнего художника Ренессанса и первого художника нового века. Найденные им приемы, которыми он пытался преодолеть измельченность маньеристической композиции, поверхностную и часто бессодержательную декоративность, штампованность идеалов красоты, — луч света, пронизывающий затемненное пространство, как бы «обнажающий» его и выхватывающий из мрака будто «случайные» фрагменты, — захватили все искусство Италии (прежде всего Рима и Неаполя) и не только Италии. Влияние караваджистской концепции заметно в искусстве всей Европы. Для Рембрандта, который видел картины «утрехтских караваджистов», главным оказалась таинственная и созидающая, открывающая тайники человеческой души, сила света. В холодном и аскетичном искусстве французского мастера Жоржа де Ла Тура свет — в основном свет свечи, «высекающий» из темноты силуэты, лицо. Вермеер Делфтский воплотил в своих картинах со сценами в интерьерах еще одну удивительную способность света — делать прозрачным воздух, останавливать время. Две основные композиционные системы — классицистическая и барочная. Аналитические установки классицизма привели к формированию композиции, в которой на перспективу нанизаны пространства, узлы движения, колористические группы уравновешиваются, т. е. логически выстраиваются, не оставляя неясного, нечитаемого глазом сразу. Барочная композиция строится на множестве или одной главной, собирающей, динамических линиях, в ней возможны незаконченное развитие темы движения, диссонансы, конфликты форм и цветовых пятен, «недоговоренность» сюжета. Более всего барочность как принцип организации картинного пространства реализовалась в исторической (также мифологической и аллегорической) и портретной живописи. Начиная с Рубенса тип исторической картины и парадного портрета монарха — с трубящими викториями-победами, морскими божествами, амурами, с преувеличенной аффектацией поз, жестов, общей мажорной приподнятостью всего тона картины — займет почти основное место в парадной живописи XVII и XVIII вв. Отношение к идеальному показательнее всего раскрылось в живописи на мифологические сюжеты. У Рубенса мифологичность тотальна — мифологизированы его портреты, исторические картины, пейзажи, ее ключ — аллегория, знак. Его ученик Якоб Йордане, с одной стороны, упрощает миф, делает его натуральным, с другой — как бы современным, т. е. подлинным (его сатиры среди фламандских крестьян). Открытием XVII в. было жанровое многообразие мира — живопись как бы меняла фокусы пристальности в изучении окружающего человека пространства. При этом крупнейшие мастера (Караваджо, Рембрандт, Веласкес, Сурбаран, Пуссен, Вермеер Делфтский), которых традиционно называют мастерами «внестилевой линии», будто суммировали в своем творчестве все жанровое многообразие, сохраняя платформу цельности искусства всего столетия, не дав ему рассыпаться на мелкие «феодальные владения». 4. Искусство Италии XVII в. Центром развития нового искусства барокко на рубеже XVI-XVII вв. был Рим. "Римское барокко" - мощнейший художественный стиль в искусстве Италии второй половины родился прежде всего в архитектуре и идеологически связан с католичеством, с Ватиканом. Архитектура этого города в XVII в. представляется как будто во всем противоположного классицизму Ренессанса и вместе с тем прочно связанного с ним. Не случайно его предтечей выступает, как уже говорилось, Микеланджело. Архитекторы барокко включают в целостный архитектурный ансамбль не только отдельные сооружения и площади, но и улицы. Начало и конец улиц непременно отмечены какими-либо архитектурными (площади) или скульптурными (памятники) акцентами. Представитель раннего барокко архитектор Доменико Фонтана (1543-1607) впервые в истории градостроительства применяет трехлучевую систему улиц, расходящихся от Пьяцца дель Пополо ("Народная площадь"), чем достигается связь главного въезда в город с основными ансамблями Рима. Обелиски и фонтаны, поставленные в точках схода лучевых проспектов и в их концах, создают почти театральный эффект уходящей вдаль перспективы. Принцип Фонтана имел огромное значение для всего последующего европейского градостроительства (вспомним трехлучевую систему хотя бы Петербурга). На смену статуе как началу, организующему площадь, приходит обелиск с его динамичной устремленностью ввысь, а еще чаще - фонтан, обильно украшенный скульптурой. Блестящим примером барочных фонтанов были фонтаны Бернини: "Тритон" (1643) на площади Барберини и фонтан "Четырех рек" (1648-1651) на площади Навона. Вместе с тем в эпоху раннего барокко не столько создавались новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько был усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. Особого размаха достигла архитектура вилл с их богатым садово-парковым ансамблем. Как правило, здесь развились те же принципы осевого построения, что и в градостроительстве: центральная подъездная дорога, парадный зал виллы и главная аллея парка по другую сторону фасада проходят по одной оси. Гроты, балюстрады, скульптуры, фонтаны обильно украшают парк, и декоративный эффект еще больше усиливается расположением всего ансамбля террасами на крутом рельефе местности. Декоративная насыщенность, изощренность игры плоскостей, вторжение овалов и прямоугольников вместо любимых возрожденческими мастерами окружностей и квадратов усиливаются от одного архитектурного творения к другому. В барокко иногда невозможно разделить работу архитектора и скульптора. Художником, который соединял в себе и то и другое дарование, был Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680)."Экстаз Святой Терезы Авильской" [1645-1652] в церкви Санта Мария делла Витториа в Риме. В живописи Италии на рубеже XVI-XVII вв. можно выделить два главных художественных направления: одно связано с творчеством братьев Карраччи и получило наименование "болонского академизма", другое - с искусством одного из самых крупных художников Италии XVII в. Караваджо. Аннибале и Агостино Карраччи и их двоюродный брат Лодовико основали в 1585 г. в Болонье Академию вступивших на истинный путь, в которой художники обучались по определенной программе. Отсюда и название - "болонский академизм". Принципы болонской академии, которая явилась прообразом всех европейских академий будущего, прослеживаются в творчестве самого талантливого из братьев - Аннибале Карраччи (1560-1609). Братья Карраччи - мастера монументально-декоративной живописи. Самое знаменитое их произведение - роспись галереи в Палаццо Фарнезе в Риме на сюжеты овидиевых "Метаморфоз" Микеланджело Меризи (1573-1610), прозванный Караваджо (по месту рождения), - художник, давший наименование мощному реалистическому течению в искусстве, граничащему с натурализмом, - караваджизму, которое обрело последователей во всей Западной Европе. Единственный источник, из которого Караваджо находит достойным черпать темы искусства, окружающая действительность. Реалистические принципы Караваджо делают его наследником Ренессанса, хотя он и ниспровергал классические традиции. Метод Караваджо был антиподом академизму, да и сам художник бунтарски восставал против него, утверждая свои собственные принципы. Отсюда обращение (не без вызова принятым нормам) к необычным персонажам вроде картежников, шулеров, гадалок, разного рода авантюристов, изображениями которых Караваджо положил начало бытовой живописи глубоко реалистического духа, сочетающей наблюдательность нидерландского жанра с ясностью и чеканностью формы итальянской школы. 5. Искусство Франции XVII в. Французский классицизм – стиль монархии. В 17 столетии перед французским народом после периода гражданских войн встали задачи дальнейшего национального развития во всех областях экономической, политической и культурной жизни. В условиях абсолютной монархии — закладывалась и усиливалась система государственной централизации. Во второй половине столетия Франция —самая могущественная абсолютистская держава в Западной Европе. Это и время сложения французской национальной школы в изобразительном искусстве, формирования классицистического направления. Творчество французского народа проявило себя в философии, в литературе и в искусстве. 17 столетие дало Франции великих в пластических искусствах —зодчий Ардуэн-Мансар, Пьер Патель, Клод Перо(лувр) и живописец Никола Пуссен. В условиях абсолютистского строя с особой остротой должна была обнаружиться зависимость государственной человека регламентации и от общественных сословных барьеров. установлений, от Несовершенству действительности классицизм противопоставляет идеалы разумности и суровой дисциплины личности, с помощью которых должны преодолеваться противоречия реального бытия. Представители классицизма находили воплощение своих общественных идеалов в Древней Греции. Архитектура меняла свои приоритеты и отходила от городов-крепостей к городам-резиденциям. Только в условиях мощной централизованной монархии было возможно в то время создание огромных, выполненных по единому плану городских и дворцовых ансамблей, призванных воплотить идею могущества абсолютного монарха. Полное развитие прогрессивные тенденции в архитектуре получают в грандиозном по масштабам ансамбле Версаля (1668—1689) – строители АрдуэнМансар и мастер садово-паркового искусства Андре Ленотр. Версаль являет собой пример синтеза искусств: архитектуры, скульптуры и садово-паркового искусства Все постройки были оформлены в едином стиле, фасады корпусов поделены на три яруса. Нижний по образцу итальянского дворца-палаццо эпохи Возрождения отделан рустом, средний заполнен высокими арочными окнами, между которыми расположены колонны и пилястры. Верхний ярус укорочен, завершается балюстрадой (ограждением, состоящим из ряда фигурных столбиков, соединённых перилами) и скульптурными группами. Парк ансамбля, спроектированный Андре Ленотром, отличается чёткой планировкой: бассейны геометрической формы, с зеркально гладкой поверхностью. Каждая крупная аллея завершается водоёмом. Характерные черты классицизма в архитектуры: гармония, упорядоченность и простота форм, геометрически правильные объемы; ритм; уравновешенность планировки, четкий и спокойный пропорций; использование элементов ордера античной архитектуры: портики, колоннады, статуи и рельефы на глади стен. Особенностью классицизма в архитектуре разных стран стало сочетание античных и национальных традиций. Промышленность Франции во второй половине 17 в. достигла высокого расцвета. Мебель, зеркала, серебряная посуда, ювелирные изделия, ковры изготовлялись не только для дворца и для потребителей внутри Франции, но и для широкого вывоза за границу. Для этой цели были организованы специальные королевские мануфактуры. Развитие живописи классицизма, основоположник - Никола Пуссен. В живописи классицизма подчеркивается общественное начало, торжество разума над чувством, значение античного искусства как непререкаемого образца. В соответствии с этими задачами была разработана система художественных средств, применявшаяся в изобразительном искусстве классицизма, и строгая регламентация жанров. Ведущим считался жанр так называемой исторической живописи, включавший композиции на исторические, мифологические и библейские сюжеты. Ступенью ниже стояли портрет и пейзаж. Бытовой жанр и натюрморт в живописи классицизма фактически отсутствовали. Творчество Пуссена падает на первую половину века, ознаменованную подъемом общественной и художественной жизни во Франции и активной социальной борьбой. Отсюда общая прогрессивная направленность его искусства, богатство его содержания. Природа, которую Пуссен воспринимал как высшее воплощение разумности и красоты,— это жизненная среда для его героев, арена их действия. Абрагам Боссе (1605–1678), турский гравер— живой изобразитель типов, костюмов и нравов высших сословий Франции, которым он преподносит правдивое, но далеко не угодливое зеркало. 6. Искусство Фландрии XVII в. Семнадцатый век был временем создания национальной художественной школы Фландрии, господствующим направлением здесь стало барокко, в котором получают развитие реалистические черты. Период расцвета национальной культуры и искусства Фландрии охватывает первую половину 17 в., он обусловлен особенностями ранней буржуазной революции конца 16 в. Распространялись светские сюжеты и жанры: исторический и аллегорический, мифологический, портретный и бытовой жанры, пейзаж. Вслед за маньеризмом из Италии проникли академизм болонской реалистической школы традиции и караваджизм. старонидерландской На основе живописи и скрещивания караваджизма развивалось реалистическое направление, достиг расцвета монументальный стиль барокко. Особенности худ. культуры: жажда познания мира, народность, жизнерадостность, праздничность. Главой фламандской школы живописи был Питер Пауль Рубенс (1577— 1640). В его творчестве ярко выражены и мощный реализм, и национальный вариант барокко. Рубенс — создатель барочных патетических композиций, то запечатлевающих апофеоз героя, то исполненных трагизма. Сила пластического воображения, динамичность форм и ритмов, торжество декоративного начала составляют основу его творчества. Эволюция творчества Антониса Ван Дейка (1599—1641) предвосхитила и определила путь развития фламандской школы второй половины 17 в. в направлении аристократизации и светскости. Художник тяготел к драматическому решению тем и сосредоточивал внимание на психологических аспектах жизни отдельных героев. Это определило обращение Ван Дейка к портретной живописи. В ней он создал тип блестящего аристократического портрета, образ утонченного, интеллектуального, благородного человека. В 17 в. натюрморт утвердился как самостоятельный жанр. В нем отразился интерес к материальному миру. Это полотна, крупные по размерам, яркие по колориту, они служили украшением стен просторных дворцов фламандской знати, прославляя красоту и богатство земного бытия. Крупным мастером монументального декоративного натюрморта и «охотничьих сцен» был Франс Снайдерс (1579—1657). Преувеличенные в масштабах предметы кажутся наделенными необычайной жизненной силой, беспокойные линии, их очерчивающие, порождают динамичный бурный ритм Во второй половине 17 в. содержание фламандской живописи мельчает. Проявляются тенденции идеализации и внешней занимательности. Эти черты характеризуют творчество одного из видных живописцев середины 17 в. Давида Тенирса Младшего (1610—1690). Задачи живописи: украшение родовых замков, дворцов, а также католических храмов, способствующее широкому распространению в живописи мощного декоративизма, основанного на колористических эффектах. Своеобразие церковной архитектуры Фландрии связано прежде всего с характером декоративного оформления. Все богатство декора сосредотачивается на главном фасаде, который не являлся отражением внутренней структуры здания и играл самостоятельную роль. На стене почти не оставалось свободной поверхности. Ордерные элементы создавали одно целое со скульптурными формами и фасад кажется очень живописным благодаря сложному рельефу стенной поверхности и соченной пластике форм.церкви Иоанна Эволюция жилой архитектуры XVII века во Фландрии шла главным образом по пути создания созвучных эпохе новых форм архитектурнодекоративного решения фасадов. Строгие линии треугольных или ступенчатых фронтонов сменились более сложными и причудливыми барочными очертаниями, поверхность фасадов обильно украшалась пилястрами, колоннами, кариатидами, статуями, барельефами и орнаментом. 7. Общая характеристика искусства Испании XVII века. Католическая религия, игравшая большую роль в жизни Испании, оказывала сильное влияние на изобразительное искусство, на его тематику. В нем преобладали религиозные сюжеты, которые, однако, истолковывались художниками лишь в аспекте реальной жизни. Самый смелый полет поэтической фантазии претворялся в образах, подсмотренных в повседневной жизни. Испанские художники, такие как Эль Греко, Хусепе Рибера, Франсиско Сурбаран, Диего Веласкес сумели передать такие черты национального характера, как сознание собственного достоинства, гордость, чувство чести, связанное с личными заслугами. Человек показывается большей частью в благородном, строгом и величавом аспекте. Блестящий расцвет испанской живописи начинается с появлением в 1576 году в Испании живописца Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко за его греческое происхожение. Искусство Эль Греко — уникальной фигуры в истории мировой живописи, впитавшее в себя византийские традиции, достижения итальянского Ренессанса и спиритуалистическую эстетику маньеризма, порождено кризисным временем. Тематика произведений Эль Греко обычна для его времени. Это прежде всего религиозные сюжеты, чаще всего алтарные образа. Значительно реже он обращается к античным мифам. Он пишет много портретов и пейзажей, в основном виды Толедо. Самый замечательный художник "золотого испанского века" - Диего Родригес де Сильва Веласкес - с 1623 года придворный живописец Филиппа IV, крупнейший представитель испанского барокко. Живопись Веласкеса отличается смелостью реалистических наблюдений, умением проникнуть в характер модели, обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита. В необычных для испанской традиции картинах на античные сюжеты («Вакх» или «Пьяницы», «Кузница Вулкана»), с их острым чувством житейской достоверности и оттенком иронии, мифологические образы соединены со сценами, приближенными к реальности. Расцвет реалистической живописи, развивающейся в борьбе с идеализирующим придворным направлением, наступает в первой половине XVII века. Главными очагами реализма становятся Севилья и Валенсия. Одним из представителей школы Валенсии был Хусепе Рибера, живописец и график. В творчестве Риберы преобладают религиозные темы с драматическими сюжетами, трактованные с жизненной конкретностью. Он обращается также к мифологическим темам, пишет портреты, воплощая в своих героях яркие индивидуальные образы людей своей родины. В его ранних произведениях преобладают резкие контрасты света и тени («Святой Иероним», «Святой Себастьян»); для творчества 1620-1630-х характерны драматические сцены мученичества, в которых подчёркивается победа воли над физическим страданием, полуфигурные изображения философов древности и святых, трактованных как народные типы. 8. Общая характеристика искусства Голландии XVII века. В XVII в. Голландия стала образцовой капиталистической страной. Она вела обширную колониальную торговлю, у нее был мощный флот, кораблестроение было одной из ведущих отраслей промышленности. Протестантизм (кальвинизм как его наиболее суровая форма), вытеснивший полностью влияние католической церкви, привел к тому, что духовенство в Голландии не имело такого влияния на искусство, как во Фландрии и тем более в Испании или Италии. В Голландии церковь не играла роли заказчика произведений искусства: храмы не украшались алтарными образами, ибо кальвинизм отвергал всякий намек на роскошь; протестантские церкви были просты по архитектуре и никак не украшены внутри. Главное достижение голландского искусства XVIII в. — в станковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Бытовая живопись становится одним из ведущих жанров, создатели которого в истории получили наимено­вание «малых голландцев». Живопись на евангельские и библейские сюжеты представлена также, но далеко не в таком объеме, как в других странах. В Голландии никогда не было связей с Италией и классическое искусство не играло такой роли, как во Фландрии. Овладение реалистическими тенденциями, сложение определенного круга тем, дифференциация жанров как единый процесс находят завершение к 20-м годам XVII в. Историю голландской живописи XVII в. прекрасно демонстрирует эволюция творчества одного из крупнейших портретистов Голландии Франса Халса (около 1580—1666). Искусство Халса имело огромное значение для своего времени, оно оказало воздействие на развитие не только портрета, но и бытового жанра, пейзажа, натюрморта. Блестящего развития достигает натюрморт. Голландский натюр­морт — это в отличие от фламандского скромные по размерам и мотивам картины интимного характера. Питер Клас (около 1597— 1661), Биллем Хеда (1594—1680/82) чаще всего изображали так называемые завтраки: блюда с окороком или пирогом на относи­тельно скромно сервированном столе. «Завтраки» Хеды сменя­ются роскошными «десертами» Калфа. Адриан ван Остаде (1610— 1685) изображает поначалу теневые стороны быта крестьянства («Драка»). Новый этап жанровой живописи начинается в 50-е годы и связан с так называемой делфтской школой, с именем таких художников, как Карель Фабрициус, Эммануэль де Витте и Ян Вермер, известный в истории искусства как Вермер Делфтский (1632—1675). картины Вермера как будто ни в чем не оригинальны. Это те же изображения застылого бюргерского быта: чтение письма, беседующие кавалер и дама, служанки, занятые нехитрым хозяйством. Вершиной голландского реализма, итогом живописных достижений голландской культуры XVII столетия является творчество Рембрандта. Харменс ван Рейн Рембрандт (1606—1669). Язык барокко наиболее близок выражению приподнятого настроения. И Рембрандт в этот период во многом находится под влиянием итальянского барокко.В сложных ракурсах предстают перед нами персонажи картины 1635 г. «Жертвоприношение Авраама». Композиция в высшей степени динамична, построена по всем правилам барокко. 9. Творчество Рубенса. Рубенс Питер Пауль (1577-1640), великий фламандский живописец, один из основоположников искусства барокко, дипломат, коллекционер. Творческое наследие Рубенса насчитывает около 3000 картин, значительная часть которых выполнена в сотрудничестве с учениками и коллегами, крупнейшим из которых был Антонис ван Дейк. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Рубенс специализировался на религиозной живописи (в том числе алтарных образах), писал картины на мифологические и аллегорические сюжеты, портреты (от этого жанра он отказался в последние годы жизни), пейзажи и исторические полотна, делал также эскизы для шпалер и книжных иллюстраций. В 1600-1608 годах молодой художник побывал в Италии, где изучал произведения Микеланджело, живописцев венецианской школы, Караваджо. Вернувшись в Антверпен, Рубенс занял место главного придворного живописца правительницы Фландрии инфанты Изабеллы Австрийской. Созданные им в начале 1610-х годов монументальные религиозные композиции отмечены характерными для живописи барокко театральностью композиции, драматизмом, бурным движением, яркими цветовыми контрастами. К концу 1610-х годов Питер Пауль Рубенс получил широкое признание и известность. В 1612-1620 годах складывается зрелый стиль Рубенса. Обращаясь к темам, почерпнутым из Библии и античной мифологии, художник трактовал их с исключительной смелостью и свободой. Фигуры людей, античных божеств, животных, изображенные на фоне цветущей и плодоносящей природы или величественной фантастической архитектуры сплетаются в картинах Рубенса в сложные композиции, то гармонически уравновешенные, то пронизанные буйной динамикой. В творчестве Рубенса ярко выражены мощный реализм и своеобразный фламандский вариант стиля барокко. Всесторонне одаренный, блестяще образованный, Рубенс рано созрел и выдвинулся как художник огромного творческого размаха. Прирожденный живописец-монументалист, график, архитектор-декоратор, оформитель театральных зрелищ, талантливый дипломат, владевший несколькими языками, ученый-гуманист, он пользовался почетом при княжеских и королевских дворах Мантуи, Мадрида, Парижа, Лондона. 10. Творчество Рембрандта. Рембрандт ван Рейн (1606-1669) писал картины исторические, библейские, мифологические и бытовые, портреты и пейзажи; он был одним из величайших мастеров офорта и рисунка. Но в какой бы технике Рембрандт ни работал, в центре его внимания всегда стоял человек, с его внутренним миром, его переживаниями. Своих героев Рембрандт часто находил среди представителей голландской бедноты, в них раскрывал лучшие черты характеров, неисчерпаемое духовное богатство. Уже к концу 1630-х годов обнаружилось тяготение художника к реалистическим образам в картинах большого масштаба. Отказавшись от внешних эффектов, Рембрандт стремился к психологической выразительности. Богаче стала теплая цветовая гамма, еще большую роль приобрел свет. На протяжении 1640-х в творчестве Рембрандта наступает пора зрелости. На смену эффектным драматическим сценам ранних его картин приходит поэтизация повседневного бытия: преобладающими становятся сюжеты лирического плана, такие, как «Прощание Давида с Ионафаном» (1642), «Святое семейство» Огромное место в поздний период занимают простые но композиции, чаще всего поколенные портреты родных и близких, в которых художник сосредоточивает внимание на раскрытии душевного мира портретируемых. Последнее десятилетие – самая трагическая пора жизни Рембрандта; объявленный несостоятельным должником, он теряет своих лучших друзей и близких. Умирают Хендрикье и сын Титус. Но обрушившиеся на него несчастья не могли остановить развития творческого гения художника. Самые глубокие и прекрасные произведения им были написаны именно в это время. Групповой портрет «Синдики» завершает достижения художника в этом жанре. Его жизненная сила – в глубине и характерности каждого из портретируемых, в естественности композиции, ясной и уравновешенной, в скупости и точности отбора деталей, в гармонии сдержанного цветового решения и вместе с тем в создании цельного образа группы людей. 11.Общая характеристика искусства Западной Европы XVIII в. Восемнадцатый век в Западной Европе был последним этапом длительного перехода от феодализма к капитализму. В середине века завершается процесс первоначального накопления капитала, созревает революционная ситуация, которая позднее приводит к господству классических форм развитого капитализма. На протяжении века совершалась ломка всех государственных устоев и понятий старого общества. В изобразительном искусстве возрастает значение непосредственно реалистического отображения жизни. Искусство становится активным выразителем освободительных идей, наполняется злободневностью, боевым духом, обличает пороки и нелепости не только феодального, но и нарождающегося буржуазного общества. Оно выдвигает и новый положительный идеал человека, свободно развивающего индивидуальные способности и вместе с тем наделенного благородным чувством гражданственности. Основные тенденции социального и идейного развития Западной Европы 18 в. в различных странах проявляли себя неравномерно. Если в Англии промышленный переворот, совершившийся к середине 18 в., закрепляет компромисс буржуазии и дворянства, то во Франции готовится буржуазная революция. Общим для всех стран был кризис феодализма, его идеологии, формирование широкого общественного движения — Просвещения. Восемнадцатый век — век разума, философов, социологов, экономистов; развиваются связанные с техникой точные естественные науки, география, археология, история, материалистическая философия. Во величественный славу человеческих памятник — познаний многотомная и труда возводится Энциклопедия. В предреволюционные годы, когда все общественные вопросы сводились к борьбе с феодализмом и его пережитками, остро вставал вопрос о личности, ее эмансипации, свободе, о политическом равенстве, о взаимосвязи с государством. Судьба отдельного человека, сложность психологии, тончайшие переживания, меткая наблюдательность в показе быта и нравов, коллизии, в которые вступает герой с общественной средой,— главные темы искусства. Наиболее полно они выражены в литературе (Прево, Лесаж, Фильдинг, Гёте) и в музыке (Бах, Моцарт, Глюк). Новые проблемы выдвигаются и в архитектуре. Падает значение церковного строительства и возрастает роль гражданской архитектуры. На первое место ставится планировка городов капиталистического общества. Создается тип жилого дома, возникают городские ансамбли общественных зданий. Вместе -с тем искусство 18 в. утрачивает синтетическое восприятие и полноту охвата жизни предшествующих эпох. Нарушается связь живописи и скульптуры с архитектурой, усиливаются черты станковизма и декоративности. Предметом особого культа становится искусство быта, декоративных форм. Искусство 18 в. проходит два этапа. Первый продолжается до 1740—1760 гг. Он характеризуется завершением поздних форм барокко, видоизменяющегося в декоративный стиль рококо. Своеобразие искусства первой половины 18 в .— в сочетании остроумного и насмешливого скептицизма и изысканности. Это искусство утонченное, анализирующее нюансы чувств и настроений, устремленное к изящной интимности, сдержанному лиризму, тяготеющее, с другой стороны, к бездумной декоративности и гедонизму, к «философии наслаждения». Одновременно с рококо развивается реалистическое направление, которое у некоторых мастеров приобретает острообличительный характер. Открыто проявляется борьба художественных направлений внутри национальных школ. Второй этап связан с углублением идеологических противоречий, ростом самосознания и политической активности буржуазии и народных масс. Абсолютистское государство пытается использовать идеи просветителей для того, чтобы удержать свой пошатнувшийся авторитет. На рубеже 1760—1770-х гг. Королевская Академия во Франции выступает против искусства рококо и пытается возродить парадный, идеализирующий стиль академического искусства конца 17 в. Мифологический жанр уступает место историческому с сюжетами, заимствованными из римской истории. Они призваны подчеркивать величие монархии в соответствии с реакционным истолкованием идей «просвещенного абсолютизма». Представители передовой мысли также обращаются к античности. В середине 18 в. немецкий историк искусств Винкельман призывает художников вернуться к «благородной простоте и к спокойному величию древнего искусства, несущего в себе отражение свободы греков и римлян эпохи республики». Французский философ Дидро находит в античной истории сюжеты, обличающие тиранов, призывающие к восстанию против них. Возникает классицизм, который противопоставляет вычурной декоративности и пышности рококо естественную простоту, произволу страстей — чувство меры, благородство мысли и поступков. Художники вновь обращаются к культуре античного мира. Провозглашение идеального, гармоничного общества, примат долга над чувством, пафос разума — общие черты классицизма 17 и 18 вв. Но классицизм 17 в., возникший на почве национального объединения, не отрицал дворянского общества. В основе классицизма 18 в. лежит антифеодальная революционная направленность. Он призван объединить прогрессивные силы нации для борьбы с абсолютизмом. За пределами Франции, однако, классицизм не имел того революционного характера, как в первые годы французской революции. Одновременно с классицизмом, испытывая его воздействие, продолжало развиваться реалистическое направление. В нем ясно выступают рационалистические тенденции: художники стремятся обобщить жизненные явления. Они воспитывают в человеке уверенность в торжестве строгой закономерности, добра, разума и справедливости. Во второй половине 18 в. зарождается также сентиментализм и связанное с ним предромантическое направление в искусстве. Оба эти течения утверждали ценность личного мира чувств человека, раскрывали драматизм его конфликтов с окружающей средой. Они прокладывали путь «к познанию человеческого сердца и магическому искусству представлять перед глазами зарождение, развитие и крушение великой страсти» (Лессинг). 12.Эстетическая программа, художественные особенности рококо, хронологические рамки стиля и его развитие в творчестве французских художников XVIII в. В XVIII веке западноевропейское искусство становится едва ли не главным объектом острых дискуссий, точкой столкновения различных мировоззрений, отражающих общую картину смешения и разнообразия форм его существования. Современники спорили об отношении искусства и природы, о роли и назначении художника и зрителя, соотношении правды и вымысла. Характерной особенностью этого времени стал неоспоримый факт не постепенной сменяемости, а одновременного существования барокко, классицизма, рококо и сентиментализма. В 20-е годы XVIII века во Франции сложился новый стиль искусства - рококо (от фр. раковина). Уже само название раскрывало главную, характерную черту этого стиля - пристрастие к изысканным и сложным формам, причудливым линиям, во многом напоминавшим силуэт раковины. Во Франции интерес к стилю рококо ослабел уже к концу 1760-х годов, но в странах Центральной Европы его влияние было ощутимо вплоть до конца XVIII столетия. Искусство рококо формировалось в эпоху духовного кризиса абсолютистской власти во Франции. Отражавшие идеалы и настроения высших слоев французского общества, оно не могло не испытывать на себе влияния аристократических заказчиков. Главная цель искусства рококо совершенно гедонистическая - доставлять чувственное наслаждение. Искусство должно было нравится, трогать и развлекать, превращая жизнь в утонченный маскарад и "сады любви". Сложные любовные интриги, мимолетность увлечений, дерзкие, рискованные, бросающие вызов обществу поступки героев, авантюры и фантазии, галантные развлечения и праздники определяли содержание произведений искусства. Характерными чертами рококо, которые можно выявить в произведениях искусства этого стиля, можно признать следующие: 1. Грациозность и легкость, затейливость, декоративная утонченность и импровизация, пасторальность (пастушеская идиллия), тяга к экзотике. 2. Орнамент в виде стилизованных раковин и завитков, арабесок, цветочных гирлянд, фигурок амуров и т. п. 3. Сочетание пастельных светлых и нежных тонов с большим количеством белых деталей и золота. 4. Культ прекрасной наготы, восходящей к античной традиции, изощренная чувственность, эротичность. 5. Культ малых форм, камерность, миниатюрность (особенно в скульптуре и архитектуре), любовь к мелочам и безделушкам ("прелестным безделицам"), наполняющим быт галантного человека "галантного века". 6. Эстетика нюансов и намеков, интригующая двойственность образов, переданная с помощью легких жестов, полуоборотов, чуть заметных мимических движений, полуулыбки, затуманенного взгляда или влажного блеска в глазах. Наибольшего расцвета стиль рококо достиг в произведениях декоративноприкладного искусства Франции (интерьеров дворцов и костюмах аристократии). В России он проявился прежде всего в архитектурном декоре в виде свитков, щитов и замысловатых раковин - рокайлей (декоративных орнаментов, имитирующих соединение причудливых раковин и диковинных растений), а также маскаронов (лепных или резных масок в виде человеческого лица или головы зверя, размещенных над окнами, дверьми, арками, на фонтанах, вазах и мебели). Стиль рококо достаточно быстро вышел из моды. Но его влияние, например, на импрессионистов не вызывает никаких сомнений. А наиболее наглядным влияние рококо выглядит в творчестве художников и архитекторов стиля модерн как в западной и центральной Европе, так и в России. Идейная основа французского рококо Не случайно любимой аллегорией рококо стал мифический остров Кифера – место, куда устремляются, ищущие чувственных наслаждений паломники. Этот участок суши посреди Эгейского моря действительно существует. Здесь, согласно древнегреческой мифологии, родилась прекрасная Афродита. Здесь же сложился культ богини любви, распространившийся впоследствии по всей Греции. Поклонники Афродиты приезжали на остров, чтобы принести жертвы в святилище, устроенном в ее честь. В эпоху рококо Кифера символизировал рай для влюбленных, которые отправлялись на воображаемый остров к храму Венеры. Там царствовал изощренный эротизм, вечные праздники и безделье. На Кифере женщины молоды и прекрасны, а мужчины исключительно галантны. Из дворца в частную гостиную Тенденция к интимному оформлению интерьера обозначилась уже в начале XVIII в. Аристократические салоны и будуары частных домов, где главную роль играли женщины, стали центрами формирования галантной культуры и соответствующих правил поведения. Целая армия французских ювелиров, мебельщиков, портных, живописцев и декораторов готова была удовлетворить любые запросы капризных заказчиц. Моду рококо в первую очередь диктовала королева Мария Лещинская и фаворитки Людовика XV: графиня Дюбарри и маркиза де Помпадур. Настенные плафоны и панно, а также живописные композиции над проемами окон и дверей были главными видами изобразительного искусства. Теперь, кроме королевского двора и церковных прелатов, декоративные картины для своих гостиных художников заказывала новая аристократия и представители третьего сословия. Жанры и сюжеты Несмотря на новые идеи, рококо в живописи не отвергло полностью традиционные темы, разрабатывавшиеся в прошлом. Например, продолжали использоваться мифологические сюжеты, только теперь из всего античного пантеона в основном рисовали амуров и нимф, а Венера скорее напоминала светскую даму, демонстрирующую прелести обнаженного тела в пикантной обстановке. Со временем появилась пастораль – новый жанр камерной живописи, предназначенный для жилого интерьера. Пасторальные картины в стиле рококо представляли собой идиллические сельские пейзажи, на фоне которых пастушки и пастухи в богатых нарядах играют на свирелях, читают или танцуют. Несмотря на невинные занятия, всю обстановку окутывает легкий флер эротики. Пионер галантного стиля Основоположником рококо в живописи считается Ватто Жан-Антуан. Художник начинал с подражания фламандским живописцам, однако со временем нашел истинно свой стиль, изображая галантные сцены. Для его картин характерна особая художественная глубина, а не просто изображение праздных аристократов, флиртующих на лоне природе. Антуан Ватто написал два полотна на популярный сюжет аллегорического путешествия на остров влюбленных. Одна из них, «Паломничество на остров Киферу», экспонируется в Лувре, а другая, – в Берлине во дворце Шарлоттенбург. Обе они представляют собой яркий образец стиля рококо. Театральность, характерная вообще для искусства XVIII века, в работах Ватто особенно заметна. Например, в построении композиции («Пастушки», «На Елисейских полях»). Здесь всегда есть передний план – своеобразная сценическая площадка, а группы фигур расположены так же, как и в театре. Многогранное творчество Буше Разумеется, Ватто был не единственным художником, работавшем в новом направлении. Франсуа Буше – другой яркий представитель французского рококо, в чьем творчестве наиболее полно отразился откровенно фривольный гедонизм, присущий той эпохе. Он выполнял заказы Людовика XV, маркизы де Помпадур, в частности знаменитый портрет фаворитки. Также Буше создавал декорации для опер, гравюры к книгам Мольера, картоны для гобеленов, эскизы для севрского фарфора, словом, работал в разных направлениях изобразительного искусства. Антуан Ватто, сам того не подозревая, наложил отпечаток на творчество Буше, который в юности копировал его рисунки. Позднее Буше изучал технику барокко в Риме, стал профессором Французской Академии художеств, получил всеевропейскую славу. Его творчество охватывает все темы, характерные для живописи рококо: мифологию, деревенские ярмарки, аллегории, китайские сценки, сюжеты из фешенебельной парижской жизни, пасторали, портреты и пейзажи. Представители рококо в живописи Фрагонар Жан Оноре, один из крупнейших французских художников XVIII в., создавал полотна с игриво-эротическими мотивами. Таковы например: «Качели», «Поцелуй «Одалиска» Его картины, украдкой», «Две девушки», и исполненные чувственной пр. неги, отличаются тонкими светотеневыми эффектами, легкой живописной манерой, декоративностью колорита. Стиль Фрагонара со временем менялся. Если в полотне «Задвижка» прослеживается классическая манера, то в портретах, написанных в 1760-е годы, заметно романтическое влияние. Еще одним видным представителем рокайльной живописи был Николя Ланкре, который многое сделал для распространения в Европе французского вкуса. Его полотна охотно покупали Екатерина II, Фридрих II Прусский, не считая частных коллекционеров – почитателей стиля рококо. Картины известных художников той поры сегодня представлены в экспозициях крупнейших музеев мира. Хотя критики по-разному оценивают эстетику рококо, тем не менее невозможно отрицать самобытную оригинальность этого стиля, не имеющего прототипов в истории. 13.Идеи Просвещения и классицизма в творчестве французских художников XVIII в В середине XVIII века центр нового мышления переместился во Францию. Просвещение явилось завершением мощного революционного всплеска, захватившего ведущие страны Запада. За сто лет -- с 1689 по 1789 год -- мир изменился до неузнаваемости. Эпоха Просвещения явилась важнейшим поворотным пунктом в духовном развитии Европы, повлиявшим практически на все сферы жизни. Просвещение выразило себя в особом умонастроении, интеллектуальных склонностях и предпочтениях. Это, прежде всего, цели и идеалы Просвещения -- свобода, благосостояние и счастье людей, мир, ненасилие, веротерпимость и, а также знаменитое вольнодумство, критическое отношение к авторитетам всякого рода, неприятие догм как политических, так и религиозных. В каждой стране просветительское движение носило отпечаток национальной самобытности. Основным направлением в изобразительном искусстве этой эпохи был классицизм. Обращение к античному наследию как некой форме и идеальному образцу происходило в Европе не единожды. Основываясь на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, классицизм стремился к выражению возвышенных идеалов, к симметрии и строгой организованности, логичным и ясным пропорциям, наконец, к гармонии формы и содержания литературного, живописного или музыкального произведения. В живописи тенденции классицизма намечаются уже во второй половине 16 века в Италии. Однако его расцвет наступил только во французской художественной культуре, где из разрозненных элементов он сложился в целостную стилевую систему. Основой теории классицизма был рационализм, опиравшийся на философскую систему Декарта. Принципы рационализма предопределили взгляд на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственных восприятий. Предметом искусства классицизма провозглашалось только прекрасное и возвышенное. Эстетическим идеалом служила античность. Наиболее ярко классицизм представлен работами французских живописцев Н.Пуссена, К.Лоррена, Ж.-Л.Давида. Основоположником французского классицизма стал Никола Пуссен. Темы пуссеновских полотен разнообразны: мифология, история, Ветхий и Новый Завет. Герои Пуссена-люди сильных характеров и величественных поступков, высокого чувства и долга. Пуссен явился создателем классического идеального пейзажа в его героическом виде. Пейзаж Пуссена-это не реальная природа, а природа «улучшенная», созданная художественным вымыслом живописца. Его картины, холодные, суровые, умозрительные, называли «замерзшими скульптурами». В изображении фигур он держался антиков, через что определил дальнейший путь, по которому пошла после него французская школа живописи. Одним из основоположников европейского классицизма в европейском искусстве 17 века считается Клод Лоррен. Его идеальные пейзажи наполнены лиризмом и мечтательностью. Лоррен стремился не столько к точной детальной передаче природы, сколько к выражению возбуждаемого ею поэтического чувства, старался произвести впечатление красотой линий, уравновешенностью изображаемых масс, ясной градацией тонов в близких и дальних планах, эффектным контрастом света и тени, но без нарушения существенных условий правды. Через сто лет к холодным и возвышенным идеалам античного искусства вернется другой знаменитый живописец Давид. Возвращение классицизма получило название неоклассицизма. Для него характерен строгий изобразительный стиль, основанный на тщательном изучении классической скульптуры. В «Клятве Горациев» строгая героическая интерпретация сюжета, взятого из римской истории, подчеркивает ее эстетическую направленность. Давид завершает век старый и начинает новый 19 век. 14. Архитектура и скульптура Франции 18 века В первой половине XVIII в. в архитектуре и скульптуре Франции господствует рококо, во второй – неоклассицизм. Архитектура рококо гораздо сильнее, чем барокко, стремилась к динамичности и декоративности, но без его торжественности. Архитектура неоклассицизма воплощала идеи Просвещения и отталкивалась от античности. Архитектура рококо. Рококо связано с правлением короля Людовика XIV, но не было придворным искусством. Большинство построек в стиле рококо – богатые городские особняки («отели») и загородные дворцы. Частная жизнь владельцев особняка обычно пряталась за высокой оградой. Комнаты располагались асимметрично, они были небольшими и с более низкими потолками. Окна же были очень большими, почти от самого пола. Интерьеры построек рококо оформлялись тщательно и изысканно: украшались скульптурами, живописью, зеркалами. Отель Субиз (Париж) был построен для принца де Субиза в 1705-1709 гг. по проекту Пьера Алексиса Деламера. Он отгорожен от прилегающих к нему улиц высокой стеной с роскошными въездными воротами. В интерьере отеля Субиз особенно интересен Овальный салон в стиле рококо, созданный архитектором, скульптором и декоратором Жерменом Боффраном (16671754). В Овальном зале нет ни одной прямой линии, все углы закруглены, стены украшены резными панелями с позолоченными орнаментами и зеркалами, которые расширяют пространство, но в то же время делают его размеры неопределёнными. Ансамбль трех площадей в городе Нанси построен в 1752-1755 гг. по заказу Станислава I, герцога Лотарингского. Автор этого проекта – ученик Боффрана Эмманюэль Эре де Корни. По всему периметру площади тянется колоннада, которая включает в себя и портик Дворца. Площадь Ла Карьер перед Дворцом завершается триумфальной аркой. Арка открывает вход на главную площадь ансамбля – прямоугольную Площадь Станислава. Площадь Станислава В центре площади возвышается конный монумент герцога Станислава I. Третья площадь ансамбля – Площадь альянса. Ансамбль в Нанси хронологически завершает эпоху рококо. Архитектура неоклассицизма. Неоклассицизм – это движение в архитектуре, дизайне и искусстве, оно возникло как реакция на легкомыслие и чрезмерный орнамент стилей барокко и рококо. В архитектуре были представлены трезвость, прямые линии и формы, такие как фронтон и колоннада, основанные на древнегреческих и римских моделях. Он начался в конце царствования Людовика XV, стал доминирующим под Людовиком XVI Жак Анж Габриель – французский архитектор, президент Академии архитектуры. Один из основоположников архитектурного классицизма XVIII в. В творчестве Габриеля нашли отражение новые веяния неоклассицизма. Он создал проект Военной школы в Париже. Военная школа была учреждена в XVIII в. для небогатых дворян. Между Военной школой и Сеной находится Марсово поле, Габриель преобразовал городскую окраину в поле для маневров и парадов воспитанников Военной школы. В настоящее время в здании Военной школы размещается Военная академия. В Версале Габриель создал ряд зданий: роскошное и богато украшенное помещение Оперы, Французский павильон и шедевр архитектуры XVIII в. – Малый Трианон. Наиболее значительным произведением Габриеля в Париже стала Площадь Людовика XV, где была установлена конная статуя короля Людовика XV скульптора Э. Бушардона (ныне площадь Согласия). Творчество Габриеля повлияло на все французского последующее развитие неоклассицизма. А начало эпохе неоклассицизма положил проект фасада церкви Сен-Сюльпис в Париже архитектора Джованни Никколо Сервандони. Это здание иезуитского стиля с незавершённым классическим фасадом. В этом проекте впервые в XVIII в. появляются строгие колоннады и арки. Центром неоклассицизма во Франции был Париж. Здесь работали все крупнейшие мастера того времени, создавшие свои лучшие постройки. Одна из них - церковь св. Женевьевы(Пантеон) в Париже архитектора Жака Жермена Суффло. Архитектор Суффло взял за образец римский Пантеон. Театр Одеон (Париж). Архитекторы Шарль де Вайи и Мари Жозеф Пейр Здание Одеона в Париже первоначально предназначалось для театра французской комедии, затем здесь устраивались не только спектакли, но и концерты и балы. Пирамидальная крыша и мощный портик с 8 колоннами украшают главный фасад. В Париже построено множество интересных зданий в стиле неоклассицизма: Рынок зерна с куполом (архитектор Никола Лекамю де Мезьер); огромных размеров Монетный двор (архитектор Жак Дени Антуан) с фасадом более 300 м; отель Сальм (архитектор Пьер Руссо), ныне дворец Почетного Легиона и др. Самым знаменитым сооружением Парижа конца XVIII в. после церкви св. Женевьевы стала Школа хирургии (архитектор Жак Гондуэн). В здании интересен анатомический театр (помещение для препарирования трупов).Он имеет форму античного амфитеатра с куполом и полукруглым окном вверху. Скульптура. В первой половине 18 века французские скульпторы решали в целом те же, преимущественно декоративные задачи, что и в 17 столетии. Особенное распространение получают, как и в живописи, мифологические и аллегорические сюжеты, дающие скульпторам возможность изображать обнаженное, главным образом женское и детское тело. Эта тематика преобладает и в мелкой пластике.. Художественное решение определяется стремлением к грации, изяществу, легкости форм. Даже королевские статуи теряют былую торжественность и величие, становятся более легкими и динамичными. Поиски утонченности и динамики лежат в основе композиционного решения почти всех скульптур. Моделировка становится мягкой, с рафинированным мастерством передаются тончайшие переходы светотени. Все это приводит к тому, что многие скульптуры этого времени теряют монументальность, приобретают более камерный характер. Скульптурный портрет в этот период получает значительное развитие. В придворных портретах преобладают внешние декоративные искания, и характеристика лиц теряет свою остроту. Гийом Кусту. Одним из наиболее крупных французских скульпторов первой половины 18 века был Гийом Кусту . Изваянная им фигура королевы Марии Лещинской в виде Юноны говорит о новом направлении в искусстве. В чертах лица передано портретное сходство, одежды свободно развеваются, обнажая ногу до половины Вторым мастером, имя которого следует упомянуть, был Жан Батист Лемуан (1704—1776). Он создал большое количество памятников, групп и бюстов. Из них пользовались особой известностью памятники Людовику XV. В работах Лемуана искания монументальности и торжественного величия, характерные для скульптуры 17 века, сменяются стремлением к легкости, изяществу, динамике форм, а в обработке материала сказываются живописные тенденции. Он принимал участие в декорировании овального салона отеля Субиз. В середине 18 века в развитии французской скульптуры проявляются новые тенденции. В творчестве многих скульпторов можно отметить поиски более ясных и простых решений. Все большее значение приобретает изучение античных памятников, стремление использовать достижения классического искусства. В то же время в творчестве ряда крупных мастеров французской пластики усиливаются реалистические искания, элементы живого наблюдения натуры. Жан Батист Пигалъ. ученик Лемуана. Непосредственность восприятия натуры и желание передать неприкрашенную действительность создали Пигалю популярность в кругу энциклопедистов. Статуя Меркурия (Лувр). В изображение бога внесен жанровый мотив: Меркурий задержался на минуту в своем полете, чтобы завязать сандалию. Его фигура монументальна, и вместе с тем ей свойственны живость и естественность. В ее трактовке сказываются внимательное изучение натуры, прекрасное знание анатомии, точное мастерство в передаче сложного движения. В некоторых других работах Пигаля, в частности в гробнице Морица Саксонского в Страсбурге, ведущее значение приобретают декоративные тенденции. Пигаль создает пышную барочную композицию, не лишенную театральных эффектов. Проще и строже решена гробница д'Аркура (1770-е гг., собор Парижской богоматери), в ней сказывается усиление классицистических черт, характерных для французской скульптуры второй половины 18 века. Реалистические черты особенно сильны в портретах Пигаля — автопортрете и в изображении нагого Вольтера (1776, Париж, Французский институт), отличающемся беспощадной правдивостью. Следует отметить, что Пигаль был учителем ряда русских скульпторов, в частности Федота Шубина. Этъен Морис Фалъконе. К тому же поколению принадлежит Этьен Морис Фальконе, ученик Лемуана «Грозящий амур» (1755—1757, Эрмитаж) и «Купальщица» (1757, Лувр). Очертания фигуры купальщицы плавны и текучи, мягко моделированы формы гибкого женского тела. Ее юное личико обрамлено простой прической, перед нами не античная статуя, а несколько идеализированная изящная парижанка 18 века. Большой известностью пользовалась также группа Фальконе, изображавшая Пигмалиона у ног его ожившей статуи. По рекомендации Дидро, он получил приглашение приехать в Россию, чтобы создать конную статую Петра I. Двенадцать лет он пробыл в России, работая над этим монументом . Здесь он сумел отказаться от камерного решения художественных задач и поднялся до создания подлинно монументального произведения. Огюстен Пажу. Одной из его лучших работ является «Покинутая Психея» (1785—1791, Лувр). Текучий контур, мягко моделированные формы тела характеризуют эту фигуру. Пажу принадлежала модель для фарфоровой группы, изображающая королеву Марию-Антуанетту почти обнаженной. Он исполнил и ряд портретных бюстов, в частности бюст фаворитки Людовика XV — мадам Дюбарри (1733, Лувр). Пажу изобразил мадам Дюбарри в фантастическом костюме, с прической, модной при дворе в конце царствования Людовика XV. Клодион. Клодион работал главным образом в области мелкой пластики и охотно употреблял глину как материал. Он любил изображать женское тело, выполненные им обнаженные фигурки носят название то нимф, то вакханок.. Эти женщины миниатюрны, изящны, юны, круглые лица далеки от классического типа красоты. В работах Клодиона своеобразно сочетаются непосредственность и кокетливая грация, живость и утонченность. Жан Антуан Гудон. Крупнейшим мастером реалистического направления во французской скульптуре второй половины 18 века был Жан Антуан Гудон. На формирование Гудона оказал большое влияние Пигаль. В Италии он изучает античную скульптуру, увлекается работами Лоренцо Бернини, однако уже в работах римского периода проявляется стремление художника следовать не образцам старых мастеров, а прежде всего натуре. С особенной настойчивостью занимается он в эти годы изучением пластической анатомии. Результатом этого изучения была сделанная им в 1767 году фигура с обнаженными мускулами, по которой учились впоследствии многие поколения художников. Исполненная им в Риме статуя св. Бруно для церкви Сайта Мария дельи Анджели (1766) обратила на себя внимание критики своей простотой и правдивостью, яркостью индивидуальной характеристики. Он исполняет разнообразные монументальные и декоративные работы. Среди них особенно интересна статуя Дианы. Несмотря на совершенство форм, фигура Дианы не повторяет классические образцы, она поражает жизненностью трактовки и совершенно лишена академической холодности и сухости. Гудон посвящает себя портрету, в котором он достиг самых больших высот. Он изображает людей всех возрастов, типов, характеров, умеет передать общественное положение человека, склад его ума. Вместе с тем он прекрасно улавливает в портрете мгновенное выражение, улыбку, беглый взгляд. Для того чтобы передать живость взгляда, он прибегает в своих поздних работах к особой трактовке глаза: сильно углубляя зрачок, он оставляет в его верхней части кусочек мрамора, создающий впечатление блика, сверкающего на темной поверхности зрачка. К числу прославленных портретов Гудона принадлежат портреты Дидро (1771, Лувр), Мирабо (1800, Версаль), Бюффона (1782, Эрмитаж), портрет жены (1780-е гг., Лувр), многочисленные портреты Вольтера. Ряд работ был исполнен им по заказу Екатерины II, в частности мраморная статуя Вольтера (1781, Санкт-Петербург, Эрмитаж; оригинальная модель в Национальной библиотеке во Франции, Париж). В ряде поздних портретов Гудона появляется известная идеализация, они уже не отличаются той правдивостью и силой выражения, которые присущи лучшим его работам, созданным в годы революционного подъема. Последние годы жизни Гудон посвятил преподаванию в Академии художеств. 15. Творчество А. Ватто. Жан Антуан Ватто, французский живописец и рисовальщик. Около 1702 приехал в Париж, работал как копиист. Учение у живописцев Клода Жилло (1703–1707/08) и Клода Одрана (1708–1709) способствовало пробуждению интереса Ватто к театру и декоративному искусству. В начале своего творчества молодой художник писал батальные сцены, но для него, видимо, столь же привычной была и жанровая живопись рубенсовской традиции, широко открытая чувственной стороне жизни. Антуан Ватто испытал сильное влияние творчества Питера Пауля Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце в Париже. В 1717 году живописцу было присвоено звание академика. На рубеже 1720-х годов художник посетил Великобританию. Обращаясь к мотивам, почерпнутым из современной ему жизни (“Бивак”, 1710, Музей изобразительных искусств, Москва; “Савояр с сурком”, 1716, Государственный Эрмитаж, СанктПетербург), французский живописец вносил в них особую интимность и лирическую взволнованность. В зрелый период творчества Антуан Ватто разрабатывает новый тип сюжетов – театральные сцены и “галантные празднества” (картины “Праздник любви”, “Общество в парке”, около 1720, – обе в дрезденской картинной галерее), в которых за галантной игрой постоянно повторяющихся персонажей, под маской актера кроется бесконечное разнообразие оттенков поэтического чувства, целый мир тончайших душевных состояний, нередко окрашенных иронией и горечью, порожденной столкновением мира мечты с реальностью. Богатство эмоциональных оттенков в этих картинах и работах Антуана Ватто (“Затруднительное предложение”, около 1716, “Капризница”, около 1718 – обе в Государственном Эрмитаже, Санкт-Петербург; “Меццетен”, 1719, в музее Метрополитен, Нью-Йорк; “Паломничество на остров Киферу”, 17171718, “Жиль в костюме Пьеро” – обе в Лувре, Париж) подчеркивается пейзажем, окрашенным тонким лирическим чувством, изящной выразительностью поз и жестов, изысканностью нежных цветовых сочетаний, трепетной игрой красочных нюансов и как бы вибрирующих мазков. Глубокие размышления французского художника о сущности подлинно высокого искусства, которое он противопоставляет искусству ложно-значительному, парадно-официальному, отразились в картине “Вывеска лавки Э.Ф. Жерсена” (1720, Картинная галерея, Берлин-Далем). Не привыкший выслушивать похвалы своим картинам, художник Антуан Ватто был очень скромен, допуская, что некоторые из его рисунков все же могли бы понравиться публике. Рисунки французский живописец делал исключительно для себя, получая от этого живейшее наслаждение, и хранил их в альбомах. Все удачное в картинах Ватто – содержательность и красота мотива, жестов и поз – извлечено из этих набросков. Столь трепетное отношение к рисункам может показаться нарциссизмом, но за этим проглядывает собственная жизнь художника – и горькая, и счастливая, слишком короткая и озарявшаяся временами тем, что врачи называют pes phthisica – внезапным подъемом сил у больных чахоткой, объяснимым иллюзорной надеждой. Это – жизнь, проведенная в созерцании приятелейактеров, одетых в переливающиеся атласные костюмы, флиртующих или музицирующих, жизнь, наполненная страстью и отчаянием, и еще самым главным для Ватто – возможностью рисовать. Наверное, Ватто часто рассматривал рубенсовские картины в Люксембургском дворце и густонаселенные венецианские действа под величественными колоннадами в полотнах Веронезе. Жаль, что король Людовик XV слабо интересовался живописью – он познал бы много радостей, посещая мастерскую художника в нижнем этаже под Большой галереей. При общем невнимании к творчеству выдающегося французского живописца периода рококо многие картины художника были увезены из страны – в Пруссию в XVIII веке, а в XIX столетии в Англию в коллекцию Уоллес. Генерал-директор Лувра Виван-Денон мог бы восполнить этот пробел, когда наполеоновские армии маршировали на Восток, но он этого не сделал. Любопытно, что он не повесил в Музее Наполеона (так переименовали Лувр) даже “Паломничество на остров Киферу” – картину, которая была конфискована в числе прочих почетных произведений упраздненной Королевской Академии. Для Виван-Денона Ватто был художником, к которому он питал сугубо личное отношение. В его собственном собрании имелось несколько картин французского живописца, в том числе и картина “Жиль в костюме Пьеро”. Многие голландские картины, подвергшиеся конфискации и переданные в Музей Наполеона, были отнюдь не героического содержания. Но француз Ватто воспринимался как нечто недостойное славы Франции. Таким образом, искусство художника, с самого начала не имевшее непосредственных продолжателей, не оказало существенного влияния на более позднюю живопись Франции. Поэтическое очарование отличает и рисунки Ватто выполненные обычно сангиной либо в три цвета (мел, сангина, итальянский карандаш) и запечатлевшие разнообразные типы французского общества начала XVIII века; легкие штрихи и волнистые линии воссоздают в них нюансы пластической формы, движение света, Декоративная изысканность произведений эффекты Ватто воздушной среды. послужила основой сложения рококо как стилевого направления (хотя в целом творчество художника далеко выходит за его рамки), а его поэтические открытия были подхвачены уже после смерти художника французскими живописцами середины – второй половины XVIII века. (Шарден, Ланкре, Патер, Буше, Фрагонар и др.). Английское искусство очень многим обязано Ватто. Тернер называл его своим любимым художником и подражал ему в фантазии, названной “Как Вам угодно”. В другой своей картине Уильям Тернер представил мастерскую Ватто вместе с художником, работающим (как гласит название) “по правилам Шарля Дюфренуа”. 16. Искусство Англии 18в. Общая характеристика и творчество У. Хогарта, Д.Рейнолдса, Т. Гейнсборо. В Англии в XVIII веке развиваются искусство, литература, наука, философия. Для этого государства наступает золотая эпоха Просвещения. В искусстве ведущее место занимает — живопись (Гейнсборо, Рейнольдс, Хогарт). Но религия в Англии препятствовала развитию искусства. Господствующим стилем в архитектуре становится классицизм. На раннем этапе он обозначался влиянием ренессансного и римского строительства, на позднем — древнегреческого зодчества. Творчество Кристофера Рена (1632 — 1723 ГГ.) Определила характер архитектуры первой половины XVIII века. Построение собора св. Павла в Лондоне (одно из крупнейших сооружений в мире), связана с именем Вторая половина 17 века и 18 век — это период, к которому относятся формирование и выдающиеся успехи национальной английской художественной школы. Уже к концу 17 столетия к значительным достижениям приходит английская архитектура; 18 век отмечен ярким расцветом английской живописи. Движущей силой английской революции были городские плебейские слои и крестьянские массы, восставшие против притеснений и жестокостей — захвата лендлордами крестьянских наделов. Народным движением воспользовались буржуазия и новое дворянство. В английской литературе 18 в. очень характерна в этом смысле фигура такого поборника буржуазной этики и морали, как Сэмюэль Ричардсон. Именно в первую очередь к дворянству обращался он с проповедью буржуазных добродетелей, с призывом следовать этим добродетелям в своих романах «Памела», «Кларисса Гарло», «Грандисон». В области живописи отметим, например, развитие в Англии на протяжении всего 18 в. картин особого рода, представляющих собой небольшие групповые портреты, где фигуры изображаются в интерьере или на фоне пейзажа и в которые введен определенный сюжетный мотив — занятия музыкой, танцами, охота, прогулка, а чаще всего семейные беседы. В этих своеобразных композициях, отражающих специфические особенности быта высших слоев английского общества того времени, совмещаются черты, свойственные буржуазному бытовому жанру голландцев, а с другой стороны — галантным сценам французского рококо. Во второй половине 18 в. много примеров такого сближения дворянских и буржуазных вкусов дают архитектура и декоративно-прикладное искусство. В Англии было популярным парковое строительство, в его основе лежала идея единства природы и человека. Становление пейзажной живописи в Англии связано с искусством паркостроительства. В это время расцвет переживают бытовой и портретный жанры. Представления о значительном и прекрасном, воплощенные Рейнольдсом в его лучших портретах или Гейнсборо в его полных лиризма портретных и пейзажных полотнах, в сущности, также идут вразрез и с ограниченным буржуазным здравым смыслом, мещанской моралью и с кастовыми аристократическими предрассудками. Так в 18 в. в самых ярких явлениях английской литературы и искусства наметились две передовые художественные концепции, которые разовьются в 19 в. в искусстве многих стран,— критический реализм и прогрессивный романтизм. Один из самых значительных художников Англии 18 века - Уильям Хогарт (1697-1794). Как представитель национальной школы живописи, всегда сохраняющей интерес к человеку и окружающей природе. Художественный язык Хогарта полон полунамеков, нюансов, оттенков, и в этом он близок к искусству рококо. Вместе с тем художник был склонен выискивать в жизни нечто нравственно уродливое и сатирически изображать его. Подобные образы встречались и в произведениях французского рококо, однако Хогарт придает им усиленно паломническое звучание, стремясь обличать и клеймить пороки. Он обращается уже не к чувствительности зрителя, а к его разуму, воле. При этом говорит не один на один, а взывает к толпе, большому собранию народа. Творческое наследие Хогарта состоит их нескольких серий картин, выполненных маслом, которые затем были тиражированы в гравюрных вариантах с литературными пояснениями ("Карьера распутника", "Модный брак"). Напечатанные гравюры принесли Хогарту широкую известность. Большое место занимает портреты и в творческом наследии Хогарта ("Семейство Уолластон", "Семейство Чомли", "Капитан Корэма", "Мисс Солтер"). Интересны автопортреты художника и типы людей из народа, например, знаменитая "Девушка с креветками" - изображение молодой задорной рыбачки. Одними из значительных портретистов был Джошуа Рейнольдс (17231792), создавший галерея образов своих современников - писателей, ученых, артистов, представителей знати. Сильные стороны его живописи проявились там, где он следовал натуре, изображал портретируемых в кругу семьи, за работой (Портрет сестер Уолдгрейв"). Кроме этого, художник писал парадные и аллегорические портреты в "большом статуарном стиле" (по его собственному выражению), например "Портрет Сары Сиддонс в образе музы Трагедии". К лучшим работам Рейнольдса можно отнести образы офицеров, запечатленных на полях сражений ("Портрет адмирала лорда Дж. О. Хитчфтльда"). Творчество художника сочетает в себе традицию барочного аристократического портрета, классические тенденции и черты просветительского гуманизма (« Амур, развзяз. Пояс Венеры», «Охраники Гренадера», « Портрет леди Джонс в детстве»). Младшим современником Рейнольдса был крупнейшим английский художник Томас Гейнсборо (1727-1788). Он главным образом работал в области портрета, но писал также замечательные пейзажи. В лучших произведениях Гейнсборо был реалистом, остро чувствующим характеры моделей. Он создал особый тип композиции - изображал людей отдыхающими или прогуливающимися на фоне пейзажа. В этих полотнах окружающая человека природа становится идеальной средой, гармонически созвучной настроению портретируемого. переливающиеся оттенки Художник холодных использует голубовато-серых, сочетания и жемчужных, оливковых и серебристых тонов. Ощущения изменчивости и воздушности мастер добивается с помощью тонкой игры светотени, динамичных мазков, сливающихся на расстоянии в одно целое. Особенности живописной манеры Гейнсборо можно проследить на примере портретов герцогини де Бофор ("Портрет дамы в голубом") и Сары Сиддонс, передыхающих пленительные, благородные и утонченные образы молодых красавиц. Гейнсборо писал портреты в полный рост, поясные, подгрудные, парные и групповые, сближающиеся с жанровыми сценами. Зрелый стиль художника сложился под влиянием А. Ван Дейка и А. Ватто.( « Беседа в парке», «Голубой мальчик», «Дочери художника с котом») 17. Общая характеристика искусства Италии и Германии 18 века. Италия: В 18 веке завершается классический период развития итальянского искусства. Профессиональный уровень мастерства художников был все еще очень высоким, их приглашали правители различных европейских стран. Однако творческие искания даже самых видных художников были, по существу, ограниченными, и большинство из них не выходило за рамки барочного искусства. Отсутствие материальных средств и крупных заказов сужало возможности работы на родине. Разрозненные войнами, истощенные экономически, итальянские государства большей частью находились под ярмом различных иноземных завоевателей. Лишь Папская область с Римом и Венецианская республика сохранили государственную независимость, а их искусство сыграло значительную роль в художественной жизни Европы 18 столетия. Архитектура. В римской архитектуре получают дальнейшее развитие принципы живописной пространственной композиции, найденной барочными зодчими предшествующего периода. Примененные впервые в городском ансамбле, они находят наиболее яркое воплощение в Испанской лестнице (1721 – 1726), объединяющей площадь Испании с расположенной на верху холма строгой церковью Санта-Тринита деи Монти. В Риме завершается строительство ряда обширных раннехристианских базилик, получивших новые внушительные фасады в духе пышной барочной архитектуры, таких, как Сан-Джованни ин Латерано (1736) и Санта-Мария Маджоре (1734–1750). Среди декоративных сооружений, возведенных в это время, выделяется сложностью и эффектностью динамичной, но несколько перегруженной композиции фонтан Треви (1732–1762), созданный Пикколо Сальви. Живопись. В связи с проведенными раскопками засыпанных при извержении Везувия в I веке античных городов Помпей и Геркуланума вновь нарастает интерес к античной культуре. Рим становится одним из центров не только итальянской, но и европейской художественной жизни. Поездка в Рим – «Римская премия» стала наградой многих европейских Академий художеств. В Риме создавал свои труды по античной культуре И. Винкельман. Его «История искусства древности» (1764) давала возможность познакомиться с характером развития греческого искусства и оказала большое воздействие на формирование классицизма 18 столетия. Особое место в итальянском искусстве 18 века заняла венецианская школа живописи, выдвинувшая ряд крупнейших художников, которые продолжали традиции высокого мастерства декораторов барокко и отчасти Возрождения. Германия. Уже в первой половине 18 в. развертывается деятельность ряда выдающихся немецких архитекторов. В это время со всей очевидностью складывается вариант архитектуры позднего барокко, в своих общих особенностях отличного и от итальянского барокко, и от французского классицизма 17 века и рококо. Немецкая скульптура 18 вв. в основном тесно связана с пышными дворцовыми сооружениями и церквами, в интерьере которых ей принадлежало видное место. Декоративная скульптура широко применялась в оформлении фасадов зданий и в садово-парковом убранстве. К этой области относится большинство работ Андреаса Шлютера, самого крупного немецкого монументалиста того времени. Ему принадлежит отделка большого тронного, рыцарского и других залов Берлинского дворца, городского дворца в Потсдаме, скульптурное убранство здания берлинского арсенала. Ведущее место в первой половине 18 в. занимали декоративная живопись и парадный портрет. Многочисленные декораторы вместе со скульпторами оформляли пышные барочные сооружения, расписывали стены и потолки дворцов и церквей, создавали алтарные образы. Росписи венецианских художников (Тьеполо — дворец в Вюрцбурге) и других, работавших в Германии, служили образцами для подражания. Особенно широко декоративная живопись была распространена в южной Германии. Типичными представителями южнонемецкого барокко были братья Азам, работавшие как живописцы, скульпторы и архитекторы. Космас Дамиан Азам (1686—1739) был преимущественно живописцем, Эгид Квирин Азам (1692—1750)— скульптором, оба они учились в Риме. Они работали в Баварии (внутренняя отделка собора во Фрейзинге, монастырской церкви в Вельтенбурге), Австрии (церковь св. Иакова в Иннсбруке), Швейцарии и Чехии. 18. Творчество Ф. Гойи. Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес — великий испанский художник и гравёр. Один из самых ярких мастеров романтического направления и искусстве. Диапазон мастерства Франсиско Гойи огромен – как по тематике (он рисовал портреты, жанровые и батальные сцены), так и по использованным техническим приемам. По словам испанского философа и публициста Хосе возможным темам Ортеги-и-Гассета, – религиозным художник и «обращался светским, ко всем дьявольским и фантасмагорическим. Гойя не обошел стороной ни один жанр, будь то религиозно-культовая живопись, аллегория, композиция в перспективе, сатирическая гравюра или карикатура. Не в этом ли универсальном, всеохватывающем характере творчества Гойи кроется одна из причин того, что ни один из искусствоведов не смог определить органической целостности всего искусства художника?». Известные картины Франсиско Гойи: «Обнажённая Маха», «Король Испании Карл IV и его семья», «Расстрел повстанцев 3 мая 1808 года в Мадриде», «Похороны сардинки», «Сатурн, пожирающий своих детей», «Молочница из Бордо»,«Обнажённая Маха». Он создал примерно 500 картин, 300 гравюр и тысячу рисунков Франсиско Гойя родился 30 марта 1746 года в небольшой деревне Фуэнтетодос, в Испании. Первые навыки рисования он приобрел в мастерской Хосе Лусана, который придерживался академических канонов в живописи. После нескольких неудачных попыток продолжить образование в Академии Изящных Искусств в Мадриде, примерно с 1769 по 1771 год он путешествовал по Италии. Во время этого путешествия он получил вторую премию на конкурсе живописи, организованном Академией Искусств города Пармы. Вернувшись на родину, художник выполнил фрески для бокового нефа церкви Нуэстра Сеньора дель Пилар в Сарагосе, отмеченные сильным влиянием итальянского барокко. В 1773 году он приехал в Мадрид, и в последующие годы выполнил около 60 картонов для ковров, выпускаемых королевской мануфактурой. Насыщенные по цвету и простые по композиции, они изображали людей, занятых повседневными делами. Среди этих работ особо выделяются - «Зонтик», «Игра в пелоту», «Игра в жмурки». Работа Гойи над этими картонами стала одним из самых плодотворных этапов в начале карьеры художника в Мадриде. Известность пришла к нему в начале 1780-х годов благодаря портретам, написанным в изысканной цветовой гамме, создающей легкую дымку («Семья герцога Осуна», «Портрет Исабель Кобос де Порсель»). Гойя брался за портреты в том числе и для того, чтобы заработать себе на жизнь. Так, в 1783 году он написал «Портрет графа Флоридабланка», а на следующий год – «Проповедь Святого Бернарда Сиенского». В 1780 году Франсиско Гойя стал членом мадридской Академии художеств, в 1785 - вице-директором, в 1795 году - директором ее живописного отделения. В 1786 году он получил звание придворного живописца, что обеспечило ему значительное ежегодное жалование и позволило писать не только портреты на заказ, но и работать над собственными художественными проектами, к которым относится, например, картина «Ярмарка на лугу Сан-Исидро». Произведениям Гойи, созданным в 1786-1792 годах свойственны жемчужные переливы, отголоски французского рококо. На протяжении шести лет художнику удалось добиться творческого и общественного признания. В 1789 году король Карл IV назначил его на должность главного придворного живописца. В это время Гойя создает картоны «Игра в жмурки» и «Сельская свадьба». В 1792 году художника постигло несчастье, которое отразилось на его творчестве. Во время поездки в город Кадис художник тяжело заболел и навсегда потерял слух. От этого удара судьбы он не смог полностью оправиться до конца жизни. Как считают многие критики, после болезни творчество художника обрело свой собственный неподражаемый стиль, характерной чертой которого стало глубоко пессимистическое видение мира. Из письма Франсиско Гойи к его другу, писателю и дипломату Бернардо де Ириарте, от 4 января 1794 года: «Чтобы занять воображение, мучимое думами о моих бедах… я написал серию небольших картин, в которых смог отразить то, что обычно не находит места в работах, сделанных на заказ, где нет простора капризам и выдумке». К этому периоду творчества Гойи относятся картины «Сумасшедший дом», «Похороны сардинки», «Коррида», «Процессия самобичующихся» и другие. В 1798 году художником были созданы великолепные фрески храма СанАнтонио де ла Флорида, а затем – знаменитая серия офортов «Капричос». В 1801 году Гойя завершил один из самых известных своих шедевров – картину «Семья короля Карла IV». В творчестве художника нашла отражение и война за независимости Испании от наполеоновской Франции. Он написал серию офортов «Ужасы войны» и картины «Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде: битва с мамелюками» и «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года а Мадриде, на холме Принсипе Пио». В 1817-1819 годах Гойя работал над своим «Автопортретом», ставшим впоследствии знаменитым. В чертах своего лица художник отобразил следы драматических событий прожитой жизни. Он добился особой экспрессивности посредством контраста света, падающего на лицо, и затемненного фона картины. В 1823 году, после свержения конституционного строя в Испании, либерал Гойя был вынужден уехать сначала в Париж, а затем в Бордо. Там он продолжил создавать картины и гравюры – серия «Бордосские быки». Последними работами мастера стали «Молочница из Бордо» и «Портрет Хосе Пио де Молина», который он так и не успел завершить. Франсиско Гойя умер в ночь с 15 на 16 апреля 1828 года. 19. Творчество Ж.-Л. Давида и основные представители его «школы». Давид Жак Луи (30 августа 1748, Париж — 29 декабря 1825, Брюссель), французский художник, крупнейший мастер европейского классицизма 1750 — начала 19 в. В своих исторических полотнах он отразил события различных этапов политической жизни Франции: эпохи Людовика XVI, Революции, Консульства, Империи, Реставрации. Они исполнены в строгом классицистическом стиле и передают (особенно портреты) острое видение художником натуры и следование античным идеалам. Начало творческого пути Жак-Луи Давид родился в семье богатого парижского буржуа. После смерти мужа и в связи с отъездом в другой город, мать оставила Давида на воспитание брату, который был архитектором. Эта семья была связана родством с художником Франсуа Буше. В детстве у Давида обнаружилась склонность к рисованию. В парижской Академии Святого Луки он посещает уроки рисунка. Затем, по совету Буше, начал заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Вьена. Весь ранний дореволюционный период творчества художника был тесно связан с парижской Академией, мимо которой не мог пройти ни один из художников XVIII века. Опыт, который Давид получил в Академии, оказал значительное влияние на формирование его творческого метода. Академия была не единственным источником влияний на Давида. Творчество некоторых художников итальянской, фламандской или голландской школ впоследствии стали основой французской школы живописи XVIII века. Именно они оказали наиболее сильное влияние на формирование живописного метода Давида и их произведения всю жизнь служили для него опорой в живописи. Славу Давиду принесла картина "Клятва Горациев" (1784 г.), изображающая трёх братьев-близнецов, которые, по преданию, победили в поединке с тремя братьями-близнецами Куриациями в споре о могуществе Рима. Картина вызвала огромный успех. «Весь Рим» собрался, чтобы посмотреть «Клятву Горациев», которую посчитали величайшей данью уважения Вечному Городу. В Риме он принят везде, всюду на него показывают пальцем. Итальянцы, англичане, немцы, русские, шведы и я не знаю, кто ещё, - все нации завидуют счастью Франции, которой принадлежит этот человек. Картина выставлена для всеобщего обозрения. Автор изобразил момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Благородная простота и совершенство живописного решения произвели настоящую революцию, определившую дальнейшее развитие всего изобразительного искусства первой половины 19 века. Жак Луи Давид соединил культ античности с политическими идеями, захватившими в ту пору французское общество. В те годы всё громче и отчётливее проявлялось недовольство правлением короля. Многими картина Давида воспринималась как символ борьбы за правое дело. Творчество Давида в истории тесно связано с хронологией Великой Французской революции, её духовными предвестиями. По своим политическим взглядам художник был анархистом, с радостью воспринял начавшуюся революцию. Однако последние годы жизни мастер провёл в изгнании, так как стал живописцем Наполеона и человеком, разделяющим его взгляды и идеи. Итог оказался печальным. Последние десять лет жизни основоположник классицизма провёл в изгнании. Жака Луи после смерти погребли в Брюсселе. Похоронить его на родине власти не разрешили. Давид явился создателем огромной школы учеников. По собственным подсчётам мастера, только прямых учеников у него было около пятисот Из его мастерской вышли Франсуа Жерар, Анн Луи Жироде, Антуан-жан Гро и, наконец, великий художник Энгр (1780— 1867). Именно Энгру предстало превратить давидовский классицизм в академическое искусство, с которым вступили в противоборство романтики. Энгр намеренно отказался от революционности давидовского классицизма, отрицая современность, и выражал своим творчеством единственное желание — уйти от жизни в мир идеального. Достижением Жака Луи Давида можно считать то, что ему удалось передать в своих работах самую суть этических идеалов Древней Греции и Рима - добродетель, героизм, самопожертвование. Чтобы выделить мысль, художник отказывался от сложных ракурсов и различных трюков с перспективой, от избытка архитектурных деталей, мебели. Постепенно Давид свел к минимуму число фигур в своих композициях, отказался от живописного фона. Происходящее на картине он заключал в подобие театральной коробки, а персонажей будто выводил к рампе. 20. Исторические корни, эстетическая программа и художественные особенности романтизма. Представители французского романтизма. Романтизм – это идейное и художественное направление, возникшее в европейской и американской культуре конца 18 века - первой половины 19 века, как реакция на эстетику классицизма. Первоначально сложился (1790-е гг.) в философии и поэзии в Германии, а позднее распространился в Англии, Франции и других странах. Он предопределил последнее развитие искусства, даже те его направления, которые выступали против него. Новыми критериями в искусстве стали свобода самовыражения, повышенное внимание к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественность, искренность и раскованность, пришедшие на смену подражанию классическим образцам 18 века. Романтики отвергали рационализм и практицизм просвещения как механистичный, безличностный и искусственный. Вместо этого они во главу угла ставили эмоциональность выражения, вдохновение. Романтическому искусству свойственны: отвращение к буржуазной действительности, решительный отказ от рационалистических принципов буржуазного просвещения и классицизма, недоверие к культу разума, который был характерен для просветителей и писателей нового классицизма. Нравственно-эстетический пафос романтизма связан прежде всего с утверждением достоинства человеческой личности, самоценности ее духовнотворческой жизни. Это нашло выражение в образах героев романтического искусства, которому свойственны изображение незаурядных характеров и сильных страстей, устремленность к безграничной свободе. Революция провозгласила свободу личности, но та же революция породила дух стяжательства и эгоизма. Эти две стороны личности (пафос свободы и индивидуализм) весьма сложно проявились в романтической концепции мира и человека. Романтики отрицали необходимость и возможность объективного отражения действительности. Поэтому они провозгласили основой искусства субъективный произвол творческого воображения. Сюжетами для романтических произведений избирались исключительные события и необычайная обстановка, в которой действовали герои. Зародившись в Германии, где были заложены основы романтического мировоззрения и романтической эстетики, романтизм стремительно распространяется по всей Европе. Он охватил все сферы духовной культуры: литературу, музыку, театр, гуманитарные науки, пластические искусства. В первой половине XIX в. в Европе существовала романтическая философия: Иоганн Готлиб Фихте, Фридрих Вильгельм Шеллинг, Артур Шопенгауэр и Серен Кьёркегор. Но вместе с тем романтизм уже не был универсальным стилем, каким был классицизм, и не затронул существенным образом архитектуру, повлияв в основном на садово-парковое искусство, зодчество малых форм. Отличительная черта Романтизма: стремление художника возвысить реальную жизнь, приукрасить. Основные черты романтизма: Необычность в изображении событий, людей, природы. Стремление к идеалу, совершенству. Близость к устному народному творчеству по сюжету, сказочным образам. Изображение главного героя в исключительных обстоятельствах. Очень яркий, красочный язык, использование разнообразных выразительных и изобразительных средств языка. Расцвет портретного жанра был связан с интересом романтиков к яркой человеческой индивидуальности, красоте и богатству ее духовного мира. Жизнь человеческого духа преобладает в романтическом портрете над интересом к физической красоте, к чувственной пластике образа. Пейзаж мыслится романтиками как воплощение души мироздания; природа, как и душа человека, предстает в динамике, постоянной изменчивости. Характерные для классицизма упорядоченные и облагороженные ландшафты сменились образами стихийной, непокорной, могучей, вечно меняющейся природы, соответствовавшие смятению чувств романтических героев. Романтики особенно любили писать бури, грозы, извержения вулканов, землетрясения, кораблекрушения, способные оказать сильное эмоциональное воздействие на зрителя (Жерико, Фридрих, Тёрнер). Романтизм оказал влияние на культурную жизнь Франции всего XIX века. Париж стал романтической столицей Европы. Главное своеобразие французского романтизма – в глубинной связи с событиями Великой французской революции, которая создала новую культурную модель мира и человека, свое понимание истории. Философской основой романтизма явился руссоизм: культ природы, культ чувств и страстей естественного человека, негативное отношение к современной цивилизации. Все эти идеи Жан-Жака Руссо (1712-1778) Его «Исповедь» (1766-1769) оказала были созвучны влияние на романтикам. становление психологического романа во Франции. В «Рассуждениях о науках и искусствах» (1750) он впервые сформулировал главную тему своей социальной философии – конфликт между современным обществом и человеческой природой. После наполеоновских войн Французкая республика вновь стала монархией. Это привело к огромному толчку романтизма, которое до сих пор сдерживалось доминированием неоклассиков. Французкие художники эпохи романтизма не ограничивали себя пейзажным жанром, они работали в жанре портретного искусства. Наиболее яркие представители стиля – Эжен Делакруа французский живописец и график, предводитель романтического направления в европейской живописи.( «Ладья Данте», «Резню на Хиосе», «Свобода, ведущая народ») . Теодор жерико французский живопис ец, крупнейший представитель европейской живописи эпохи романтизма. Его картины, в том числе «Плот „Медузы“» и «Скачки в Эпсоме», стали новым словом в живописи 21. Особенности английского романтизма. Представители раннего и позднего романтизма. Разочарование в современности порождало у романтиков особый интерес к прошлому: к добуржуазным общественным формациям, к патриархальной старине. Романтизм продвинул продвижение нового времени от классицизма до сентиментализма, который показывает внутреннюю жизнь человека в гармонии с огромным миром. А романтизм противопоставляет внутреннему миру гармонию. Именно с романтизма начинает появляться настоящий психологизм. Основной задачей романтизма было изображение внутреннего мира, душевной жизни, а это можно было делать и на материале историй, мистики и т.д. Нужно было иррациональность. показать В своем парадокс этой воображении внутренней романтики жизни, ее преображали неприглядную действительность или же уходили в мир своих переживаний. Разрыв между мечтой и действительностью, противопоставление прекрасного вымысла объективной реальности лежали в основе всего романтического движения. Крупнейшими представителями романтического пейзажа в Англии были Дж. Констебл и Дж. М. У. Тёрнер. Джон Констебл. Творчество знаменитого английского пейзажиста оказало большое влияние на формирование художественно-изобразительного метода импрессионистов и мастеров барбизонской школы, которые так же, как и Констебл, стремились отразить на полотне изменчивость состояний природы. Хотя живопись Констебла реалистична и правдива, исследователи причисляют художника к романтикам, настолько в его творчестве ярко выражено стремление искренне передать свои чувства и впечатления от увиденного, а также желание показать духовно свободного человека, составляющего единое целое с миром природы. Большой интерес вызывают созданные в период до 1829 г. полотна «Собор в Солсбери из сада епископа» (1823), «Хлебное поле» (1826), «Хижина среди хлебного поля» (исследователи относят время его написания к 1832 г.), «Вид на Хайгет с Хэмпстедских холмов» (ок. 1834). Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер. Пейзажи занимают главное место в творчестве Тёрнера. Они же становятся своеобразным фоном для картин, основанных на мифологических и библейских легендах. Картины природы становятся действующими персонажами. Они помогают зрителю понять смысл общей композиции, раскрывают творческий замысел художника. Наибольший интерес среди подобных картин представляют «Ганнибал, пересекающий Альпы в метель» (1819) и «Улисс и Полифем» (1828-1829). В первом произведении автор проводит параллель между бушующей стихией и столь же бурно развивающейся историей человечества. В «Улиссе и Полифеме» художник, показывая восход солнца, выражает мысль о победе света над сумраком, добра над злом. Творчество знаменитого английского мастера во многом противоречиво. Среди написанных им работ большинство представляет истинную ценность, отражает мастерство художника, стремившегося реалистично и в то же время романтически возвышенно отобразить окружающий его мир. Искусство Тёрнера до сих пор является предметом спора многих исследователей, часть которых считает художника основоположником некоторых современных направлений в европейской живописи. 22. Особенности немецкого романтизма. Творчество Ф. О. Рунге и К. Д. Фридриха Романтизм в Германии зародился в самом конце восемнадцатого столетия и доминировал на поприще литературы вплоть до 30-х годов девятнадцатого века. Принято разделять немецкий романтизм на ранний и поздний. Романтическая эпоха с ее поклонением человеческой личности оказалась невероятно благоприятной для эволюции поэзии. Романтизм – это период бурного расцвета лирики и время великих поэтов. Цель романтизма как самостоятельного течения заключается в освобождении личности от «цепей» человеческих условностей и общепринятой морали. Писатели романтики в своих творениях обращаются больше к внутреннему миру человека, нежели к внешнему. Они восхищаются и поощряют сильные страсти, которые обладают разрушительной силой, а именно: ревность, ненависть, презрение, отчаяние и прочее. Немецкий романтизм – это невероятно сложное явление, которое развивалось и трансформировалось со временем. Особо плотно он внедрился в литературу. Писатели и поэты-романтики возвышали личность, ее порывы за горизонты будней, субъективные переживания и т.д. Обыденность и окружающий мир навевали исключительно неудовлетворенность. Романтики для написания тоску и острую своих произведений вдохновлялись тем, что считалось ими фантастическим, великим, ужасным и чудесным. Движение романтизма полностью отстранилось от следования канонам в художественном искусстве. Ф. О. Рунге Творческий путь художника начинался, как обычно, с обучения живописи в гамбургской школе. Талант, подпитанный уроками живописи великого Йенса Юля, заставил мастера углубиться в проблему цветопередачи. В последствие на свет был рожден трактат «Световой круг» или «Световая сфера» (1810г.), в которой художник градирует цветообразование и классифицирует цвета. Трактат положен в основу современной школы живописи. Расколов цветовой спектр на составляющие, Филипп Отто Рунге овладел безошибочной свето - и цветопередачей. Зацикленный на творчестве Гете и Людвига Тика, живописец создавал полотна фантастические с сюжетами, наполненными воздухом и пространством: «Большое утро» (1808г.), и совершенная противоположность, ранее созданная, работа в монохромном исполнении сепии - «Утро» (1807г.). Его мастерство аналитика и наблюдателя легли в основу создания серии картин, повествующих о его близких, в том числе о себе самом. Так, картины с изображением жены художника с ребенком » (1807г.), его родителей (1806г.), автопортреты 1801-го и 1803-го годов - выложены на холосты в теплых тонах, с точной передачей тени и полутени, глубины красок и со светлыми мазками света . К. Д. Фридрих Каспар Давид Фридрих представлял собой художника-пейзажиста романтического направления. В его работах часто встречаются мотивы кладбищ, крестов, придорожных распятий, далеких городов и стоящих далеко в море парусников. Эта тема одиночества и отрешенности от бурных радостей жизни в целом характерна для романтической живописи той эпохи, но у этого художника работы приобрели специфическую окраску, что сделало их легко узнаваемыми. Некоторые произведения мастера кажутся очень современными и иногда с трудом ассоциируются с живописью, созданной в начале XIX века. Например, полотно «Северный Ледовитый океан», которое раньше носило название «Крушение надежды», выглядит абсолютно современным и даже авангардным в свободном обращении художника с цветом и передачей форм и динамики ледяных глыб. Своеобразным программным произведением художника принято считать картину «Этапы жизни». На ней изображены трое взрослых и двое детей – представители разных возрастов, возможно, представители нескольких поколений одной семьи. Особенностью полотна является мастерская передача ярких красок заката над морем. Они очень сочные и насыщенные, что делает картину современной и выразительно звучащей даже в наши дни. Художник создал много полотен, отражающих реальные или выдуманные объекты, например, плавающие в воздухе храмы или ангельские фигуры. Некоторые из картин мастера сближаются по эстетике и стилю выполнения с произведения в типично немецком стиле бидермайер. 23. Искусство бидермейера Художественный стиль, направление в немецком и австрийском искусстве, распространённый в 1815-1848 годах. Стиль получил свое название по псевдониму «Готлиб Бидермейер», который взял себе немецкий поэт Л. Эйхродт. Слово Bieder переводится как «простодушный, обывательский». В целом псевдоним означает «простодушный господин Майер». Для бидермейера характерна переработка форм ампира (главным образом в интерьере и декоративно прикладном искусстве) в духе интимности и домашнего уюта. В живописи бидермейера, носящей отголоски романтизма, сказалось влияние мелкобуржуазного либерально-демократического движения. Возрос интерес к простому человеку, маленьким радостям мелкого буржуа, обыденной жизни бюргеров и крестьян, к окружающей природе, благодаря чему произведения мастеров бидермейера иногда относят к "раннему реализму". Для живописи бидермейера характерны небольшой формат, тщательное письмо, интерес к бытовой среде, дневному или искусственному освещению, любовь к деталям, стремление к интимности и задушевности. Вместе с тем на искусстве бидермейера лежит печать тематической узости, созерцательности, идеализации безмятежного, главным образом семейного быта (жанровые портреты Г. Ф. Керстинга, бытовые идиллические сцены на фоне пейзажа Л. Рихтера, эпизоды из жизни чудаков К. Шпицвега, интимные жанровые картины И. П. Хазенклевера, зарисовки уличных сцен Ф. Крюгера). Типичными мастерами бидермейера были австрийские живописцы М. фон Швинд и Ф. Г. Вальдмюллер, писавшие наряду с жанровыми портретами, бытовыми сценами и пейзажами произведения на литературные и сказочные сюжеты. Близко к бидермейеру творчество датских художников К. В. Эккерсберга и К. Кёбке, отмеченное непосредственностью наблюдения и отказом от идеализации. 24. Реалистическое искусство во Франции середины XIX века. Как могучее художественное движение реализм складывается в середине XIX столетия. Конечно, Гомер и Шекспир, Сервантес и Гёте, Микеланджело, Рембрандт или Рубенс были величайшими реалистами. Говоря о реализме середины XIX в., имеют в виду определенную художественную систему. Во Франции реализм связывается прежде всего с именем Курбе, который, правда, отказывался от наименования реалиста. Реализм в искусстве, несомненно, связан с победой прагматизма в общественном сознании, преобладанием материалистических взглядов, господствующей ролью науки. Обращение к современности во всех ее проявлениях с опорой, как провозглашал Эмиль Золя, на точную науку стало основным требованием этого художественного течения. Реалисты заговорили четким, ясным языком, который пришел на смену «музыкальному», но зыбкому и смутному языку романтиков. Революция 1848 г. развеяла все романтические иллюзии французской интеллигенции и в этом смысле явилась очень важным этапом в развитии не только Франции, но и всей Европы. События 1848 г. имели прямое воздействие на искусство. Прежде всего искусство стало шире использоваться как средство агитации и пропаганды. Отсюда развитие самого мобильного вида искусства — графики станковой и иллюстративно-журнальной, графики как основного элемента сатирической печати. Жизнь выдвигает нового героя, которому в скором времени предстоит стать и главным героем искусства,—трудового человека. В искусстве начинаются поиски обобщенного, монументального его образа, а не анекдотически-жанрового, как это имело место до сих пор. Быт, жизнь, труд этого нового героя станут новой темой в искусстве. Новый герой и новые темы породят и критическое отношение к существующим порядкам, в искусстве будет положено начало тому, что уже в литературе сформировалось как критический реализм. Наконец, с реализмом в искусстве находят свое отражение и волнующие весь мир национально-освободительные идеи, интерес к которым был проявлен еще романтиками во главе с Делакруа. Во французской живописи реализм заявил о себе ранее всего в пейзаже, на первый взгляд наиболее отдаленном от общественных бурь и тенденциозной направленности жанра. Реализм в пейзаже начинается с так называемой барбизонской школы, с художников, получивших в истории искусства такое название по имени деревушки Барбизон недалеко от Парижа. Собственно, барбизонцы — это понятие не столько географическое, сколько историко-художественное. Это была группа молодых живописцев — Теодор Руссо, Диаз делла Пенья, Жюль Дюпре, Констан Тройон и др.—которые приехали в Барбизон писать этюды с натуры. Всех их объединяло желание внимательно изучать природу и правдиво ее изображать, однако это не мешало каждому из них сохранять свою творческую индивидуальность. Завершая обзор искусства середины столетия, следует сказать, что рядом с высоким искусством реалистического направления продолжает существовать салонная живопись (от названия одного из залов Лувра—квадратного салона, где с 1667 г. устраивались выставки), формирование которой началось еще в годы Июльской монархии и которая переживает расцвет в период Второй империи. Именно салонная живопись и покупалась государством, украшая стены Люксембургского музея и прочие государственные собрания в противовес полотнам Делакруа, Курбе или Эдуарда Мане, а ее творцы становились профессорами Школы и членами Института. 25. Эстетическая импрессионизма, французского программа хронологические импрессионизма. и рамки живописная и Импрессионизм круг - система художников художественное направление, возникшее во Франции в последней трети XIX в. Эстетические установки этого направления характеризовало желание соединить познавательные задачи с поиском новых форм выражения неповторимого субъективного мира художника, передать свои мимолетные восприятия, запечатлеть реальный мир во всей его изменчивости и подвижности. Его история сравнительно кратковременна - всего двенадцать лет (от первой выставки картин 1874 г. до восьмой в 1886 г.).Импрессионизм представлен в творчестве таких художников, как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Камиль Писсарро, Альфред Сислей и других, объединившихся импрессионистов для борьбы были за обновление коллективным искусства. вызовом Выставки официальному академическому искусству, Салону, критике и консервативно настроенной публике. Теория импрессионизма родилась позднее самого течения. Импрессионисты стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Их "метод" основывался на передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов на поверхности предметов раздельными мазками чистых красок. Это позволяло зрительно растворить форму в окружающей свето-воздушной среде. С исчерпывающей полнотой суть импрессионизма раскрылась в жанре пейзажа.Импрессионисты подвели черты под пленэристическими исканиями своих предшественников - они приравняли этюд к картине, провозгласили своим творческим методом живопись на открытом воздухе. Продолжая традиции барбизонцев (живописцев-пейзажистов) и Курбе, они писали природу своей родины, выбирая непримечательные уголки. Изображая природу, импрессионисты непросто бесстрастно фиксировали виденное, они вносили в пейзаж сопереживание, настроение, а обращение импрессионистов к жизни улиц, вокзалов, кафе, баров, образам современников разных сословий и профессий, к городскому пейзажу расширило рамки реалистического искусства. За столиками кафе в спорах о творчестве, новом художественном видении мира и принципах живописи рождалось движение импрессионистов. Одним из первых, в 1860-1880-х гг. традицию поисков новых путей в искусстве продолжил Эдуард Мане (1832-1883). Оказав сильное влияние на своих современников-импрессионистов, Мане сам не остался безучастен к их поискам и открытиям. Постепенно характер картин менялся: его начали привлекать не события, ограниченные рамками завершенного сюжета, а как бы фрагменты жизни, выхваченные из бесконечного потока бытия. В картинах "В лодке" (1874), "У папаши Латюиля" (1879), и других работах 1870-1880-х гг. мастер стремился передать свежесть непосредственного впечатления, создать у зрителя ощущение, что он свидетель происходящего; каждое мгновение жизни наполнялось поэзией и обретало художественную ценность. Одним из важнейших правил импрессионистов стала работа на пленэре. Выйдя на улицу навстречу свету и воздуху, художник попадает в совершенно другую атмосферу, полностью отличающуюся от условий мастерской. Здесь исчезают чёткие контуры, цвет постоянно меняется. Следовательно, можно изобразить лишь мгновенно возникшее впечатление о цвете и форме предмета. В полотнах импрессионистов природа предстает в прекрасном одухотворенном единстве. Работая на открытом воздухе, художники видели, что окраска предметов постоянно меняется, в зависимости от изменчивого освещения, влажности воздуха, состояния атмосферы, соседства других предметов, отбрасывающих цветные рефлексы, и стремились запечатлеть эти мгновенные перемены; они обнаружили, что тени имеют цветную окраску, и писали их не условным серым или коричневым, а тем цветом, который они видели, - все это делало их картины звучными и свежими по колориту. Нужный тон достигался оптическим смешением красок во время созерцания картины. Пытаясь уловить вечно меняющийся облик природы, художники часто писали один и тот же пейзажный мотив в разное время дня, при разной погоде, создавая серии: таковы картины Моне "Стога" (ок. 1886), "Руанский собор" (ок. 1894), парижские пейзажи Писсарро (ок.1898). Импрессионизм можно рассматривать и гораздо шире - как стиль, в котором отсутствует четко отрывочных, мгновенно заданная фиксирующих форма, предмет запечатлен каждое обнаруживающих, однако, скрытое единство и связь. мгновение в штрихах, Влияние импрессионизма прослеживается писателей, художников, композиторов, в творчестве многих представляющих различные творческие методы, в частности, братьев Гонкур, К.Гамсуна, Р.М.Рильке, Э.Золя, Ги де Мопассана. С 1880-х гг. импрессионизм стал проявлять себя в музыке. Подтверждением тому служит творчество К. Дебюсси. М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмита, Ж. Роже-Дюкаса и других французских композиторов, стремившихся зафиксировать едва уловимые психологические состояния, вызванные созерцанием внешнего мира. В их творчестве были предприняты попытки приблизить язык музыки к языку изобразительного искусства, создавать живописные музыкальные образы.В этом, более широком смысле, импрессионизм проявился также в скульптуре, прежде всего в творчестве Огюста Родена. 26 . Развитие архитектуры в европейском искусстве XIX в Первая половина XIX в. проходит как период позднего расцвета неоклассицизма. В середине XIX века архитекторы находятся в поисках стиля, в связи с чем пытаются возродить в обновленном виде различные стили прошлого: необарокко, неоренессанс, неоготика. Именно в первой половине XIX в. европейские столицы обрели свой архитектурный облик. Начало революции во Франции было ознаменовано не постройкой (строили мало и здания были временными), а разрушением здания Бастилии, королевской тюрьмы, олицетворявшей ненавистный «старый порядок». Революционная эпоха выбрала неоклассицизм своим официальным стилем . Была образована Комиссия художников, планировавшая изменения в облике города. Неоклассицизм сохранился и в наполеоновскую эпоху и получил название ампир (от франц. «империя»). Этот стиль выражал величие империи созданной Наполеоном. Предпринимается реконструкция Парижа и обновление планировки столицы. Проектировщики вдохновлялись древнеримскими памятниками, прославляя военные победы Бонапарта. Так поступил Жан Франсуа Шангрен, сооружая Триумфальную арку на площади Звезды (1806—1807 гг.). Арка стала памятником воинской доблести, не случайно и сама площадь была переименована в 1970 г. в площадь генерала де Голля, политического деятеля, возглавившего в годы Второй мировой войны французское Сопротивление, а затем ставшего президентом Французской республики. Если Франция избрала неоклассицизм, то в Англии, свободной от революционных потрясений, утвердилась неоготика. Ее примером является здание парламента в Лондоне. Архитектором был Сэр Чарлз Бэрри (1795— 1860). Здание напоминает памятники английской готики XVI века, оно отличается четкостью планировки и особой роскошью. В Германии архитектурным центром была столица — Берлин. Берлинские постройки чаще всего были вариациями на тему различных исторических стилей (преимущественно древнегреческого зодчества или эпохи Возрождения). Примером может служит Старый музей в Берлине (архитектор Карл Фридрих Шинкель (1781-1841). В скульптуре господствующим стилем также оставался неоклассицизм, поддерживавшийся живейшим интересом к античным шедеврам. Романтизм способствовал проявлению интереса к личности, что отразилось в появлении многочисленных памятников великим людям прошлого. В середине века облик многих европейских столиц изменился, города росли и перестраивались: шли процессы индустриализации и урбанизации. Наиболее удачно перестройки были осуществлены в Париже и Вене. Символом Парижа стала знаменитая Эйфелева башня, построенная в 1889 г. к открытию Всемирной выставки. Эйфелева башня продемонстрировала технические возможности нового материала — металла. Однако оригинальное художественное решение было признано далеко не сразу, башню призывали снести, называли чудовищной. Время расставило все по местам. Теперь башня — это символ Парижа. В европейской архитектуре появляется эклектизм (от греч. эклектиос — выбирающий). Эклектизм соединяет элементы различных стилей как в одной постройке, так и в ансамблях. Примером эклектичного архитектурного ансамбля стал венский Ринг, примером отдельного здания — театр «ГрандОпера» Шарля Гарнье (1825—1898), церковь Сакре-Кер в Париже, построенная Полем Абади. Завешает вереницу архитектурных стилей XIX в. стиль модерн, своеобразие которого проявилось в освобождении от влияния античного ордера и в удивительном разнообразии декоративного оформления зданий. Модерн развивался в разных вариантах, поскольку главным для архитекторов стал принцип импровизации. Если в Америке модерн связан с сооружением первых небоскребов (высотных деловых зданий), то в Европе это были абсолютно непривычные здания, архитекторы которых работали в несхожих манерах. Модерн завершил поиски XIX в. и стал основанием для развития архитектуры в XX в. Среди архитекторов модерна можно назвать имя Антонио Гауди (1852—1926). Его здания поражают богатством конструктивных решений и разнообразием в украшении интерьеров. Среди них жилые и доходные дома (Дом Висенса и дворец Гуэль в Барселоне). Там же был построен по его проекту уникальный храм, похожий на готический собор: церковь Саграда Фамилия («Святое семейство»). Бельгийский скульптор Виктор Орта (1861—1947) подобно графикам и живописцам стремился освободиться от стилевых ограничений. Для его творений характерна любовь к орнаментам и комфортабельности жилища, что делает интерьеры модерна немного похожими на интерьеры рококо. В Брюсселе им были построены особняки: Отель ван Этевельде, Дом Тасселя, дом Сольве. В оформлении интерьеров в стиле модерн художники проявляли бесконечную фантазию, могли причудливо сочетать различные исторические стили и эпохи. Появились импульсивные нервные линии, орнамент, изогнутые лестницы, колонны уподобляются деревьям. Орнаменты вызывают в памяти то растения, то морские волны. Окна принимают самую необычную форму. В элементах интерьера и декоративного убранства часто угадываются фантастические существа. Использовались витражи и мозаика, линии лепнины могли напоминать улиток и морские звезды. 27. Феномен постимпрессионизма: определение термина, хронологические рамки и круг художников. Эстетические концепции и художественные задачи постимрессионизма. Постимпрессионизм (от фр. postimpressionisme – после импрессионизма) — совокупность разрозненных течений изобразительного искусства, возникших во Франции во второй половине 80-х годов XIX века как реакция на разложение импрессионизма и попытка на его основе осуществить собственные эстетические искания С помощью постимпрессионизма художники выражали стремление преодолеть догмы импрессионизма и реализма, запечатлеть на холсте не только ускользающее зрительное впечатление (impression) действительности, но и само сущностное начало предмета, раскрыть в форме и цвете вечные символы, зафиксировать длительные состояния прекрасного — как материальные, так и духовные. Художников постимпрессионизма следует считать прямыми предшественниками таких направлений живописи, как символизм (О. Редон), кубизм (П. Сезанн), модерн (А. Де Тулуз-Лотрек), немецкий экспрессионизм (В. Ван-Гог). Художники считали, что цвета должны смешиваться не на палитре, как повелось в живописи еще со времен Зевксида, а непосредственно в глазу зрителя картины. Математически выверенные, соотнесенные между собой чистые цвета следовало наносить на холст точечным мазками (фр. рointiller — писать точками.) Однако, точечное письмо в пуантилизме — простой технический прием. Главное — это само разделение (division), под которым, по мнению П. Синьяка необходимо понимать сложную систему гармонии — не только общей, но и «духовной гармонии, о которой импрессионисты не заботились». Понимание гармонии у дивизионистов максимально сближено с некоторыми восточными духовными традициями, увлекавшими в то время многие европейские умы. Несомненно являются ярчайшими представителями французского постимпрессионизма художники таких разных стилей и техник, как П. Сезанн, В. Ван-Гог, А. де Тулуз-Лотрек. Поль Сезанн (1839-1906), подобно большинству постимпрессионистов, начинал как импрессионист. Прожив относительно долгую жизнь, он застал все те страсти, которые бушевали во Франции в связи с зарождением и становлением нового, не академического искусства, столь блистательно описанные Эмилем Золя. Однако, опираясь на отдельные завоевания импрессионистов, Сезанн намеренно отходит от них, сознавая острую необходимость поисков нового изобразительного языка постимпрессионизма. Глубоко самобытным выразителем тенденций постимпрессионизма во французском искусстве был выходец из Голландии Винсент Ван-Гог (1853-1890). Взяв многое от пуантилизма дивизионистов, синтетизма Гогена, а также классиков импрессионизма и их предшественников, Ван-Гог создает собственную, ни с чем не сравнимую манеру письма, в которой сочетаются декоративность, многосмысленность модерна с грубостью нарочито пастозной техники, когда густые динамичные мазки создают на полотне хорошо заметную игру рельефов. невозможность Основной примирения мотив с творчества окружающей Ван-Гога беспокойство, действительностью, полной противоречий и несправедливости. Реальный мир на его полотнах причудливо трансформируется, не порывая окончательно с реальностью, но и не превращаясь в иллюзию. Картины Ван-Гога как бы застыли где-то посередине, на границе двух миров в тревожном тягостном безмолвии. На картине «Кафе вечером» густо-насыщенная синева неба, несмотря на сияющие в нем большие яркие звезды оставляет впечатление какой-то зловещей мрачности. Удушливо желтым светом наполнено кафе. В нем сидят посетители, по улице идут прохожие, но все здесь пронизано ощущением пустынности, нестерпимого одиночества. Еще одним из замечательнейших представителей постимпрессионизма является А. де Тулуз-Лотрек, человек удивительной судьбы, как впрочем и большинство художников его времени. Отпрыск аристократического рода, он порвал со своим семейством ради искусства, став завсегдатаем притонов и борделей, и окончив жизнь в нищете. В его картинах и рисунках из жизни парижской богемы (актеров, циркачей, завсегдатаев кафе, проституток) язвительная ирония подчеркнута выразительной остротой композиции, утонченностью штриха, точностью цветового пятна. 28 «Научный импрессионизм» Ж. Сера и П. Синьяка «Пуантилизм» — «научный импрессионизм», неоимпресси- онизм Ж- Сера и П. Синьяка. Условность художественных при- емов. Стремление к конструктивной целостности картины. В 80-х годах XIX века импрессионизм начал заходить в тупик,и молодые художники старались придумывать новые техники,переосмысливать популярный стиль. Их назвали неоимпрессионистами. Пуантилизм, или дивизионизм — живопись точками. Точки стоят близко друг другу,они могут быть круглыми, квадратными (отпечаток плоской кисти), или слегка вытянутыми. Если отойти от холста на расстояние, они сольются в сплошную картину. Творческий метод изобрел француз Жорж Сёра, главный «раскольник» общества импрессионистов. Нередко слова неоимпрессионизм и пуантилизм используют как синонимы. Цвета на таких полотнах обычно яркие, чистые, воздушные. Пуантилисты использовали цветовую гамму и сюжеты импрессионистов, но мазки использовали другие, точечные — в этом и есть главное различие между течениями. Причем рядом всегда соседствовали контрастные, согласно колористическому кругу, тона. Красный накладывался рядом с зеленым, желтый – с голубым и т. д. Это давало возможность глазу воспринимать живое ощущение воздуха и света. При восприятии картины человеческий глаз сам производил смешение красок, и получалось многоцветное произведение. Техника пуантилизма очень сложна и кропотлива. Она сходна по своей декоративности и трудоемкости с мозаикой. Но художников не пугал такой объем работы, так как он позволял решить поставленную художественную задачу . В 1884-86 годах он пишет огромное полотно, ставшее впоследствии очень знаменитым – «Воскресный день на острове Гранд-Жат». Ее размер – два на три метра, был рассчитан на восприятие на расстоянии. Работа стала классикой пуантилизма. К сожалению Сера не успел полностью развить свою теорию и воплотить ее в работах, он умер в молодом возрасте, и в дальнейшем направление связано с именем его ученика, бывшего импрессиониста Поля Синьяка Именно Синьяк довел теорию до абсолюта и рассказал миру о том, что такое пуантилизм в живописи. Картинки-репродукции его работ появлялись в журналах и на открытках, так как были очень декоративными и необычными. Синьяк не только писал и в своих полотнах доводил пуантилизм до совершенства, но и создал серьезную теоретическую работу «От Эжена Делакруа до неоимпрессионизма», которая стала своеобразным учебником для художников этого направления. Художник преимущественно занимался написанием пейзажей, и точечная техника позволяет ему достичь невероятной атмосферности и воздушности. Также Синьяк экспериментировал в графике и в черно-белой живописи. Успех и необычный эффект работ в стиле пуантилизма привлек внимание и других выдающихся живописцев. В точечной технике работал в конце жизни Камиль Писсарро, пробовал свои силы в этой технике В. Ван Гог. 29. П. Сезанн и его живописная система. Влияние его творчества на последующее развитие европейского искусства. Сезаннизм - один из стилей постимпрессионизма. Назван так по имени своего создателя Поля Сезанна. Художники, которые были впечатлены техникой живописи этого знаменитого творца, стали перенимать манеру его письма, создавая картины в этой очень красивой, выразительной и своеобразной форме постимпрессионизма. Так появился на свет сезаннизм. Чем же характерен данный стиль и что в нём особенного? Картины в манере сезаннизма легко определить и выделить из числа других стилей и жанров. Здесь бросается в глаза чёткий и однозначный контраст, который выделяет все объекты на картине. Для того, чтобы выделить формы и сделать их устойчивыми, Сезанн применял даже жирный чёрный контур и заметную разноплановость в цветах и формах. Каждая форма на картине является одновременно и частью общего, сливаясь с другими объектами, написанными в той же характерной манере и обособленным элементом, самостоятельным и полностью отличным от всего, что его окружает. Сезаннизм - это характерное проявление для постимпрессионизма, которое пыталось выразить сущность окружающего мира, основные составляющие элементы. Сезаннизм пытается найти в природе геометрию: структуру, вес, объем, устойчивые черты. Основа живописи Сезанна — это цвет, форма и контраст. Также художник специально искажал перспективу, чтобы добиться большей выразительности. Сезанн любил использовать обратную и сферическую перспективу, изогнутые линии пространственного плана. Однако его картины являются максимально лаконичными, содержат много информации и выстроенную философию вещей. Все это характерно и для художниковсезаннистов, к которым в разные периоды творчества относились Пабло Пикассо («Синяя комната»), Поль Гоген, Петр Кончаловский («Полотер», «Наташа на стуле», «Сирень в корзине»), Аристарх Лентулов («Сельский домик»), Илья Машков («Фрукты на стуле»), Александр Куприн («Натюрморт»), Роберт Фальк и художники объединения «Бубновый валет», о которых мы рассказывали раньше. 30. А. де Тулуз-Лотрек и его роль в становлении искусства плаката. Для своих современников Лотрек прежде всего знаменит, как творец театральных афиш и психологических портретов. Чтобы открыть зрителю внутренний мир своих произведений, художник использует расплывчивость, абстрактный фон. Лотрек не интересовался тем, как воздействует свет на поверхность изображаемых предметов, в результате чего палитра цветов его произведений светлела, а взаимодействие нескольких цветов, в основном зелёного и фиолетового, стало преобладающим в его творчестве и многие считают это визитной карточкой француза. В своих работах художник сочетал технику Ван Гога и способ Раффаэлли. Суть этого способа заключается в том, что на картон наносилась краска, обильно разбавленная растворителем, в результате чего картон приобретал матовую поверхность. Лотрек в живописи использовал кисть, что привносило работам острую характерность. Лотрек в своих работах опирался на течение импрессионистов, но, в отличие от их творчества, пейзаж его произведений содержал в себе больше фоновую функцию, чем ролевую, как у первых. К концу 1880-х годов живописная манера Лотрека претерпела заметные изменения. Он перестал показывать игру света на фигурах, зато работы обрели глубокий психологизм. Человек как личность выступает не как однозначное явление, а как сложное, нередко противоречивое явление духовной жизни. Художик получает доступ к пониманию всех оттенков эмоционального и интеллектуального строя модели, глубокое понимание её внутреннего состояния, тревог, переживаний, отличительных особенностей. Лотрек в полной мере овладел выразительными возможностями цвета, и рекламная живопись его стала не менее оригинальной, чем графика. Своеобразие его живописного стиля - в синтезе линейного рисунка и цвета. Лотрек пишет легкими, длинными мазками, цветными, будто шевелящимися штрихами, то «обегающими» форму экспрессивным контуром, то распадающимися на мелкие пятнышки, так что возникает впечатление дематериализации объема и вибрации поверхности плаката или афиши. Достигаются подобные эффекты самой техникой живописи. Лотрек обычно работал сильно разбавленными масляными красками, обретающими чуть ли не консистенцию гуаши. Отсюда свобода и быстрота движения кисти, стремительный темп «танцующих» линий-мазков, тонкий красочный слой, через который часто просвечивает цвет основы. Переняв технологические усовершенствования, осуществленные Шере в области литографии, Лотрек создал свой стиль - броский, строящийся на эффекте внезапности: на неожиданности сопоставлений предельно обобщенных плоских силуэтов, изящных и грубых форм. Визуально резкими были и контрастные скачки в масштабных соотношениях, ритмический рисунок, непривычная фрагментарность композиции. Экспрессия четких контуров - то круглящихся, то напряженно-угловатых - сочеталась с остротой цветовых сочетаний. Это искусство многое предвосхитило в нынешнем веке: повлияло на становление творчества раннего Пикассо, на сложение образного языка кинематографии. Недаром Федерико Феллини признается, что Лотрек мог бы быть ему "братом и другом". И хотелось бы надеяться, что и читатель, закрывая эту книгу, ощутит духовную симпатию к главному герою драматичного повествования Анри Перрюшо и осознает, сколь непросты и тернисты пути художественного осмысления истины в стремлении воплотить подлинное лицо своего времени. 31. Стремление к синтетическому искусству и утверждение его автономности по отношению к реальности в творчестве П. Гогена. Влияние эстетической концепции П. Гогена на художников группы «Наби». Работы Гогена позднего периода его творчества — нечто среднее между абстрактной живописью и натурализмом. Гоген всегда охотно писал с натуры, но очень сильно в нем было развито стремление к созданию стилизованных декоративных и даже абстрактных форм и образов. В этом заключается еще одна особенность творчества Гогена. Формированию этой особенности способствовало то, что в свое время Гоген сильно увлекся японской графикой. Плавность линий, цвет и форма, воспринимаемые почти как музыкальные звуки, — характерные черты японских графических изображений. Картины Гогена, где имеется изображение воды, лучше всего иллюстрируют это увлечение художников художника. «наби». Влияние Наби– эстетической группа концепции французских П.Гогена художников- постимпрессионистов, возникшая в Париже в 1888 г. и просуществовавшая приблизительно до 1905 г. Молодые художники познакомились будучи еще студентами в Академии Жюлиана. Группа Наби возникла на волне общего увлечения живописью Гогена, театром, новой литературой, восточной и христианской философией. Организатором группы можно считать Поля Серюзье, который был старшиной одного из отделений Академии и раньше всех познакомился с Полем Гогеном. В своих картинах, художники группы “Наби” опирались на работы прерафаэлитов, символистов, японскую цветную гравюру, восточную эзотерику и литературу, но главное – на творчество П.Гогена и его символический синтетизм. 32.Искусство примитивизма в творчестве А. Руссо. Примитивизм. Наивное искусство. (От лат. primitivus - первый, самый ранний) - общее название творчества непрофессиональных художников конца XIX-XX в., не знакомых с художественной грамотой и сознательно культивировавших определенную "неправильность" своих произведений. Речь идет не просто о непрофессиональном искусстве, но о художниках, вовлеченных в общий художественный процесс того времени, оказавших некоторое воздействие на современное им профессиональное творчество. К художникам-примитивистам относятся получившие всемирную известность А. Руссо, К. Бомбуа, Л. Серафин, Н. Пиросмани и др. Искусство Руссо отличает ничем не скованная смелость замыслов, яркость цветовых решений, своего рода монументальность образов: он не делит изображаемое на более или менее важное, равно внимателен к любой детали (что вообще характерно для примитивного искусства). Некоторые ученые замечают, что для ребенка все, что он видит вокруг себя, — равноценно и равно интересно. И поэтому, как бы он ни детализировал изображение, оно не теряет из-за этого своей цельности. Ребенок не разделяет преднамеренно картину мира на главное и второстепенное, на «фигуру и фон». Что относится и ко многим примитивным художникам. Например, на картине А.Руссо, где гепард и лошадь выглядят, как какое-то яркое насекомое, копошащееся среди крупных стеблей и цветов первого плана. Там нет разделения на главное и второстепенное. Многим детям и примитивам присуще какое-то отстраненно положительное и непротиворечивое отношение к тому, что они изображают. Например, Брейгель, как и наш Панков, писал широкие картины природы и человеческого труда и быта, бодрые на первый взгляд, — но, присмотревшись поближе к людям, их действиям, мы почувствуем некую мрачноватую двусмысленность авторского отношения, которого совершенно нет у простодушного человека. Примитивное искусство как бы вне времени — подобно детскому искусству, а в определенном смысле и самому детству. Как и творчество детей, оно, вероятно, в тех или иных формах, существовало всегда. И в то же время это — характернейшее явление культуры XX века. Как и детское, примитивное искусство могло быть замечено и возведено в ранг высокой художественной ценности не раньше XX века. Картины Руссо в примитивизме:Сноведение, Джингли на экваторе, Малакоф. 33.Становление новых концепций станковой живописи в творчестве В. Ван Гога. Полотна Винсента Ван Гога резкие и несдержанные, каким и был сам художник. Его живопись пугала современников. За свою недолгую жизнь Ван Гог смог продать всего лишь несколько картин. Он был в отчаянии. Однако он не переставал усердно работать и развивать свой стиль. Сегодня он один из самых популярных художников в мире. Ван Гог — методичный и серьезный живописец. Хотя ходит миф, что он был одержимым и невменяемым человеком, который бездумно наносил краски на холст. Однако Ван Гог прекрасно разбирался в материалах и инструментах для живописи, знал, как ими пользоваться, и основательно продумывал свои композиции. Он был целеустремленной личностью. У него был постепенный переход от анатомически точных работ в раннем периоде к более эксцентричным произведениям зрелых лет. Многие художники до сих пор продолжают использовать его любимые приемы, такие как рисование импасто и по памяти. Он торопится создать как можно больше за отведенное ему время, отчего постоянно испытывает стресс. Художник известен своими густыми драматичными мазками, которые так ярко выражают эмоции и придают картинам ощущение движения. Ван Гог — самоучка. Ван Гог начинает рисовать лет в 30. Прежде он учится создавать черно-белые изображения. Он читает книги по рисованию, постигает основы построения фигур и пейзажей, копирует великих мастеров. Когда Ван Гог достигает нужного уровня, он начинает добавлять цвет. Со временем его смелая палитра становится одной из главных характерных особенностей его работ. Ван Гог создает много рисунков, которые, как он считает, позволяют ему повзрослеть в художественном плане и изучить форму и движение. А благодаря наброскам художник быстрее может уловить эмоции и освещение, поэтому часто он пользуется карандашом, прежде чем взяться за краски. Кроме того, рисование помогает ему справляться с депрессией. Картины Ван Гога часто содержат первоначально наброски картин. Его палитра меняется на протяжении всей его жизни. В начале своей карьеры Ван Гог использует темные и землистые цвета, художник предпочитает писать портреты крестьян и работников шахт и рудников. Поэтому мрачная палитра необходима, чтобы подчеркнуть бедность и безысходность. Особенно это заметно на картине «Едоки картофеля», где бедная семья рабочих собирается за скудным ужином при слабом свете лампы. Когда Ван Гог переезжает в Париж. Здесь он вдохновляется работами импрессионистов и его палитра быстро приобретает яркие краски. Художник меняет меланхоличные цвета на яркие. Начинаются эксперименты с импрессионистскими прерывистыми мазками. В какой-то момент Ван Гог даже пробует технику пуантилизма, которую так облюбовали неоимпрессионисты: на поверхность холста наносятся четкие мазки в виде точек, используются только чистые цвета, что создает эффект свечения. Пример: «Автопортрет в серой фетровой шляпе» Но больше всего Ван Гог известен своими густыми мазками. Техника импасто. Художник наносит толстый слой краски на холст, мазки становятся более заметными, что добавляет картине особую фактуру. Он любит наносить густой, не разведенный цвет кистью или мастихином. Иногда Винсент пишет свои цветные завитки, размазывая пальцем краску, наложенную на холст. Работы Ван Гога обладают рельефной, почти трехмерной поверхностью. Они выглядят по-разному, в зависимости от источника освещения. Например, богатство фактуры «Звездной ночи» создано благодаря толстому слою краски, наложенной смелыми и энергичными мазками кисти. Фактура поверхности картины становится не менее важным элементом, чем колорит, композиция или сюжет. В Париже Ван Гог знакомится с японской гравюрой, которая оставляет глубокий след в его технике. Он обводит объекты темными контурами, заполняя их сплошным цветом. Выбор цвета зависит от его настроения, временами он ограничивает свою палитру, как, например, в «Подсолнухах», почти полностью выполненных в желтых оттенках. Когда Ван Гог покидает Париж и переезжает в Арль. Вдохновленный цветами весеннего Прованса, он стремится запечатлеть всё богаство природы. Художник работает на пленэре и продолжает экспериментировать со стилем и техникой. В то же время живописцу приходится постоянно экономить. Чтобы сократить расходы, он оставляет кисть и берется за перо из тростника. Под влиянием Гогена художник начинает писать по памяти. В результате полотна живописца становятся более привлекательными и менее реалистичными. Ван Гог передает свою эмоциональную реакцию на окружающую действительность при помощи цвета и мазка. Краски он выбирает для того, чтобы уловить настроение, а не для отображения реальности. 34. Развитие югендстиля в европейском искусстве. Стилистические особенности, хронологические рамки, область распространения. Архитектура югендстиля. Югендстиль был немецкой и скандинавской разновидностью модерна, доминировавшего в искусстве в 1890-х. Этот стиль тесно ассоциируется с венским Сецессионом и Венскими мастерскими, названием он обязан журналу о декоративных искусствах Jugend («Юность»). Журнал был основан в Мюнхене в 1896г., и издатели определили его как «периодическое издание об искусстве и жизни». Архитекторы Югендстиля считали использование природных форм в архитектуре зданий способом реформирования не только городского пространства, но и социума. Архитектурные произведения занимали приоритетное место - использовались традиционные этнические мотивы, работы отличались простотой форм и современностью. Югендстиль распространился позже, чем ар-нуво, так как многие немецкие архитекторы всё ещё были увлечены возрождением классицизма. Однако к 1890-м гг. они были готовы воспринять свежие альтернативы историческим стилям. Как и в рамках движения «Искусств и ремёсел», по всей Германии открывались мастерские прикладных искусств, где предметы домашнего обихода изготавливались с помощью традиционных технологий. Анри ван де Вельде был убеждён в том, что художественное просвещение способно улучшить качество жизни и даже экономику, поэтому именно ему в 1902г. Правительство заказало проект Школы прикладных искусств в Веймаре, директором которой он являлся вплоть до 1914г. 36 Вопрос Развитие скульптуры в европейском искусстве XIX в. Европейская скульптура в начале XIX века пережила краткий период расцвета. Но уже в 20-х гг. он сменился упадком и застоем. Господствующим и наиболее плодотворным стилем оставался неоклассицизм. Интерес к искусству Древней Греции и Древнего Рима был повсеместным, обладание прославленными античными шедеврами стало важным вопросом международной политики того времени. Романтизм привнёс в скульптуру интерес к личности; о его влиянии свидетельствуют многочисленные памятники великим людям прошлого, воздвигнутые в различных европейских городах в 20—30-е гг. XIX в. В целом же скульптура с её обобщённым художественным языком не могла вместить всего многообразия впечатлений от жизни, которая менялась буквально на глазах. Главным искусством XIX столетия стала живопись, а скульптуре предстояло ещё долго идти по пути мелочного и унылого натурализма, до тех пор, пока в 80-е гг. французский мастер Огюст Роден не вернул её высокое предназначение. Одно из самых значительных мест в истории европейского искусства XVIII — начала XIX вв. занимает имя Антонио Кановы — итальянского скульптора, крупнейшего представителя неоклассицизма. Уже первые работы молодого мастера - «Дедал и Икар» стали знаковыми и прославили его имя. Канова работал в различных жанрах. Основоположник неоклассицистического надгробия в итальянском искусстве, он создал целый ряд блестящих мемориальных памятников - надгробие эрцгерцогини Марии Кристины Австрийской (2). В портретных бюстах современников воплотил свои представления о гражданственности, нравственных идеалах, возвышенной красоте человеческого духа. В духе романтических идеалов эпохи обращался к религиозным сюжетам - «Кающаяся Мария Магдалина» (3). Создавал статуи-аллегории, исторические монументы. Подлинной классикой мировой скульптуры стали мифологические статуи и скульптурные группы Кановы, отличающиеся необыкновенной легкостью движения фигур, грациозностью жестов, ясностью и изяществом пластической формы - «Амур и Психея» (4). Канова показал Амура в момент, когда он, спускаясь с небес, только что коснулся земли. Его крылья, как бы поддерживая бога в воздухе, венчают композицию. Наряду с Кановой крупнейшим представителем неоклассицизма в европейском искусстве Торвальдсен(1768/1770—1844). был датский Торвальдсен скульптор был одним Бертель из самых плодовитых ваятелей в истории искусства. Получив золотую медаль Академии художеств Копенгагена, Торвальдсен уехал стажироваться в Рим. Открытие мира античного искусства полностью перевернуло его жизнь. Скульптор прожил в Вечном городе свыше сорока лет, вернувшись на родину незадолго до своей кончины. Лучшие творения Торвальдсена (гл. обр., на мифологические сюжеты) отличаются строгой гармонией композиции, пластической завершенностью, ясной и отчетливой красотой скульптурной формы «Ганимед, кормящий Зевсова орла» (5), «Меркурий» (6).Торвальдсен много и плодотворно работал в рельефе, создав целый ряд выдающихся произведений неоклассицизма - «Гименей и Амур» (7). Торвальдсен создал большое количество портретных бюстов, увековечив в мраморе монархов и многочисленных представителей аристократии целого ряда государств. В конце третьего десятилетия 19 века во французской скульптуре зарождается романтическое направление. Элементы классицизма и романтизма сочетаются в несколько компромиссном по своему характеру творчестве ПЬЕРА ЖАНА ДАВИДА ИЗ АНЖЕРА (1788—1856). Он начинал свою деятельность со статуй в строгом стиле Луи Давида, к которому примыкал как якобинец и как классицист. Черты классицизма сохраняются в статуе «Раненый Филопомен»(8). Однако портреты работы Давида отличаются подчеркнуто смелой индивидуальной характеристикой и ярко выраженной эмоциональностью, которая придает им романтический характер (бюст Паганини (9), Гюго). Крупнейшим мастером, творчество которого составляет вершину французской романтической скульптуры, был ФРАНСУА РЮД(1784— 1855). Мраморная статуя «Неаполитанский мальчик-рыбак» (10) - жизненная реальность соединена еще здесь с некоторой примесью сентиментальности. Однако безупречное ритмическое построение масс и виртуозная свобода исполнения в материале превосходят все, что в то время создавали французские скульпторы. Вслед затем был создан шедевр Рюда и всей романтической скульптуры, горельеф «Песнь отправления в поход», или «Марсельеза» (11,12), для арки Победы на площади Звезды. В этом произведении скульптор нашел синтез всего лучшего, что было свойственно классической и романтической пластике того времени. АНТУАН ЛУИ БАРИ (1795—1875). Бари постоянно использует анималистические мотивы, решаемые в романтическом плане. Изображая животных в скульптуре, он постоянно подчеркивает напряжение и стальную силу мышц зверей. Его произведениям свойственны необычайно бурный ритм движения и повышенный драматизм выражения. Главными его работами являются бронзовая группа «Кентавр и Лапиф» (13), «Тигр и крокодил» (14) и «Лев, раздавливающий змею» (15) в Тюильрийском саду в Париже 37. Искусство символизма. Идейная программа, художественные особенности и хронологические рамки стиля. Основные представители этого направления. Символизм – движение в искусстве конца 19 – начала 20 столетия. В живописи это движение называют постимпрессионистским. На всей территории Европы в период между 1886 и 1900 годами символизм доминировал практически во всех областях искусства. Для России начала 20 столетия наибольшим влиянием пользовалось творчество Врубеля. Стиль имеет прочные связи с романтизмом. Символизм в живописи был в значительной степени реакцией против натурализма и реализма, тесно связан с мифологической тематикой в живописи всех жанров. Символисты искали глубинный смысл в фантазии, мечтах, сознании, эмоциях, там, где реалисты и натуралисты стремились воспроизвести действительность в ее объективности, их идеи были сосредоточены на передаче идеального образа. Известные художники-символисты 19 – 20 столетия: Густав Моро (1826 — 1898) Арнольд Беклин (1827 -1901) Ходлер (1853 — 1918) Макс Клингер (1857 — 1920) Поль Гоген (1848 — 1903) Энсор (1860 — 1949) Эдвард Мунк (1863 — 1944) Одилон Редон (1840 — 1916). Развитие стиля не было долговечным, но имело сильное влияние на немецкое искусство 19 столетия и развитие творчества в России. Символизм сыграл свою роль в творчестве Джорджо де Кирико, Хуана Миро, Пауля Клее, Фриды Кало и Марка Шагала. В течение 1990-х годов, ряд китайских художников использовали символистские мотивы для выражения политических и социальных неопределенностей, существовавших стране, особенно, после разгона демонстраций на площади Тяньаньмэнь. Выделяются характерные черты стиля: новаторство, стремление к экспериментам, таинственность, неоднозначность, недосказанность. Региональные особенности развития символизма: Французская школа символизма отличается тягой к синтетизму и декадансу. Представители направления: Пюви де Шаванн, Гюстав Моро, Одилон Редон, Поль Гоген, Эмиль Бернар, Эдгар Максенс. Известные картины: «Осень», «Сон» (Пюви де Шаванн), «Саломея», «Фаэтон» (Г. Моро), «Циклоп» (О. Редон), «Снежная королева» (Э. Максенс). Бельгийский символизм развивался по линии декаданса. Картины Ксавье Меллери, Джеймса Энсора, Жана Дельвиля в стиле символизм отличаются особым восприятием и передачей образов. В Британии ощущалось влияние прерафаэлитов, их средневековый стиль и возврат к идеалам Возрождения дал толчок истории местного символизма. Художники: Уильям Холман Хант (1827 — 1910), Данте Габриэль Россетти (1828 – 1882), Джон Эверетт Милле (1829 – 1896), Эдвард Берн-Джонс (1833 — 1898). Символизм в России отставал от своего движения в Западной Европе. Период представлен творчеством Врубеля, Нестерова, Сомова, Рериха, Гущина. В развитии русской живописи этот период связан с представителями Серебряного периода в начале 20 столетия, совпавшего с появлением модерна в культуре. Культурное становление русской философии и поэзии этого периода происходило в сложный период развития государственности. Представители Серебряного века переключились с политических и социальных проблем на мистические, философские. Это ярко проявилось в работах Врубеля. Русский символизм наиболее выразительно представлен поэтами Серебряного века. Название зародилось позже, чем получили популярность работы поэтов и художников – в эмиграции, по аналогии с Золотым веком русской поэзии 19 столетия. Сущность российской версии символизма – богоискательство, эмоциональность, декадентство. Окончание Серебряного века связано со становлением советской власти. Одним из наиболее ярких представителей этого периода в русской живописи является Михаил Врубель. Живописец работал в разных жанрах искусства – графика, театр, живопись, скульптура. Влияние Врубеля на живопись Серебряного периода исключительно. Одной из главных работ Врубеля, репрезентативных для характеристики периода, можно назвать полотно «Демон сидящий». Картины представителей периода были представлена на двух тематических выставках – «Алая роза» и «Голубая роза». Первая прошла в Саратове в 1904 году. Организаторами были представители одноименного объединения, созданного в конце 19 века. В 1907 году ядро Алой розы сформировало новое объединение – «Голубая роза». 38. Общая характеристика искусства Франции XIX – начала XX вв Двигаемся дальше. Поговорим кратко об искусстве Франции XIX столетия. Жизнь государства этого времени характеризуется очередным витком роста недовольства народа и выраженными революционными настроениями после реставрации французской монархии. Тема борьбы и героизма стала одной из ведущих в изобразительном искусстве. Она отражалась и в новых направлениях живописи - историзме и романтизме. А вот с академизмом в изобразительном искусстве этого периода идет борьба. Изучение фактора цвета в живописи приводит к активному развитию пейзажного жанра и к пересмотру всех систем французской живописи. Особое развитие получает в этот период декоративноприкладное искусство как наиболее отражающее чаяния народа. Очень популярным становится лубок, позволяющий в простейшей технике при использовании сатирических образов вскрывать пороки и проблемы общества. Фактически документальным историческим источником эпохи становится офорт. По офортам можно изучать историю Франции XIX столетия. Постимпрессионизм, как направление сосредоточенное на выражении собственного субъективного опыта, возникло в конце 19-го века с французских художников Сезанна, Гогена, Сена и Ван Гога. При чем каждый из них творил в своем собственном стиле. Сера известен как пионер пуантилизма - это сложные изображения, сделанные из крошечных точек. Гоген и его яркие картины таитянской жизни становятся символом, который отбрасывает научные проблемы искусства и передает лишь индивидуальный эмоциональный опыт и ощущения художника. Художник - самоучка Анри Руссо написал свои смелые полотна экзотических пейзажей, например "Сон" - единственную работу, в которой сюжет осознано не реален и является полностью воображением автора. Вдохновленный палитрой и стилем Сезанна, а также других постимпрессионистов, фовизм стал одним из самых ранних форм современного искусства. В переводе с французского "фовизм" означает "дикий", именно такие ассоциации возникли у одного французского критика при взгляде на живописные работы, представленные в осеннем салоне 1905 года. Фовистам свойственна динамичность мазка, стихийность его нанесения, стремление к эмоциональной силе и страсти. Ясность художественного восприятия создает яркий колорит, контраст, чистоту и резкость цветов. Ритмичность композиции всегда остра и резка. Яркими представителями и лидерами этого художественного направления стали Анри Матисс и Андре Дерен. Особенно хочется отметить "Испанку с бубном" кисти Анри Матисса. Эта композиция - яркий представитель фовистских картин. Фигура девушки прописана динамичным цветным контуром и добавляет контраст и глубину пространства. Это по-новаторски необычно и довольно экспрессивно. Творчество Матисса и Дерена добавили огня модернизму и французское искусство стало развиваться сразу в нескольких направлениях. Основными стали авангард и кубизм - это концептуальный геометрический взгляд на реальность, идейным вдохновителем которого стал Пабло Пикассо и Жорж Брак. Основоположником авангардизма стал Марсель Дюшан, известный своими новаторскими реди-мэйдами. Он преуспел в кубизме, дадаизме - новом авангардистском течении и сюрреализме. Художник Жан Дюбуффе в 1944 году проводит свою первую персональную выставку в парижской галерее Р.Друэна. Чуть позже сближается с сюрреалистами и становится отцом такого направления в живописи как ар брют — «грубого» и«сырого» искусства, очень близкого к любительской живописи детей, самоучек, душевнобольных. Здесь отсутствуют общепринятые эстетические нормы и используются любые подручные материалы. В Европе реакцией на популярность абстрактного экспрессионизма стало искусство информализма, которое представляли французские живописцы Пьер Сулаж и Жорж Матье. А в 60-х зародился новый реализм, как художественный стиль с элементами американского поп-арта и неодадаизма. В архитектуре знаковыми постройками были: КОНСТРУКТИВИЗМ Значительных успехов в 20 – 30-х годов 20 века достигла архитектура. Бурный рост городов, промышленности, развитие транспорта приходят в резкое противоречие с не соответствующей новым требованиям планировкой старых городов, с их узкими извилистыми улицами. Необходимость разрешить осложнившуюся нормальные проблему санитарные градостроительные и проекты транспортного жилищные и новые обслуживания условия формы и обеспечить населению, порождают расселения людей. Они характеризуются стремлением смягчить в городах социальные контрасты и устранить чрезмерную концентрацию населения. Вокруг больших городов в некоторых странах возникают города-сады с индивидуальными жилыми домами, промышленные города, рабочие поселки и т. д. со строго функциональным расчленением территории. Внимание архитекторов привлекли задачи не только промышленного, но и массового жилищного строительства, разработка жилых комплексов с экономными типовыми квартирами, рассчитанными на среднюю и низкооплачиваемую проектированию категорию районов, людей. Больше архитектурному внимания оформлению уделяется ландшафтов. Разрабатываются универсальная классификация улиц и принципы их сочетания, создаются сети городских магистралей, независимых от переходных улиц и рассекающих город на ряд обособленных пространств. В проектировании городов нового типа и крупных промышленных предприятий все более утверждаются принципы функционально-конструктивной системы, зародившейся на рубеже 19-20 веков. Этот стиль в архитектуре получил название конструктивизма. Провозвестником нового этапа в развитии архитектуры стала Эйфелева башня (высота 312 м), возведенная из сборных стальных частей к Всемирной парижской выставке 1889 года по проекту инженера Густава Эйфеля в знак вступления в новую эру машинного века. Лишенная утилитарного значения, ажурная башня легко и плавно взлетает к небу, воплощая мощь техники. Ее динамичная вертикаль играет важную роль в силуэте города. Грандиозная арка основания башни как бы объединяет виднеющиеся сквозь нее далекие перспективы городского ландшафта. Это сооружение стимулирующее воздействие на дальнейшее развитие архитектуры. оказало
