Анализ живописного произведения

Описание картин.
Михаил Александрович Врубель (1856-1910)
«Царевна-Лебедь»
Источник своего вдохновения Михаил Александрович Врубель находил в
русском былинном эпосе, национальной фольклорной традиции. Опираясь на
миф, легенду, былину, художник не иллюстрировал их, но создавал свой
собственный поэтический мир, красочный и напряженный, полный
торжествующей красоты и вместе с тем тревожной таинственности, мир
сказочных героев с их земною тоской и человеческим страданием.
Надежда Ивановна Забела, известная певица и муза художника, внесла во
внутренний мир Врубеля не только обаяние женской прелести. В его сердце
еще больше вошла музыка. Искусство Врубеля и творчество Забелы были
нерушимо связаны между собой незримыми, но прочными нитями.
Дарование Забелы формировалось при самом непосредственном участии
Врубеля.
Надежда Ивановна создала незабываемый образ Царевны-Лебеди в опере
Римского-Корсакова "Сказка о царе Салтане". Знаком этого успеха
послужила и открытка, выпущенная после бенефиса, - фотография Забелы в
роли Царевны-Лебеди. Эта открытка, по-видимому, и явилась толчком к
появлению нового произведения Врубеля - картины "Царевна-Лебедь".
Истинная музыкальность - в самой живописи, в том, как мерцают и
переливаются воздушные, невесомые краски на первом плане, в тончайших
градациях серо-розового, в поистине нематериальной живописной материи
полотна, "превращающейся", тающей. Вся томительная, печальная красота
образа выражена в этой особенной живописной материи.
Очарование родной природы, гордая и нежная душевность сказочной
девушки-птицы. Тайные чары все же покоренного злого колдовства.
Верность и твердость истинной любви. Могущество и вечная сила добра. Все
эти черты соединены в чудесный образ, дивный своей немеркнущей
свежестью и той особенной величавой красотою, свойственной народным
сказам.
Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов
«Водоем»
Картина «Водоем» была создана в парке имения княгини ПрозоровойГолицыной Зубриловка в самое счастливое для художника время: Елена
Владимировна Александрова согласилась стать его женой. Художнику
позировали его сестра, Елена Борисова-Мусатова, и невеста, воплотившие
собой
образы
Вечной
женственности.
Несмотря на то, что полотно было написано с натуры - существующего в
действительности парка с водоемом и реальных женщин, все усматривали в
нем нечто не от мира сего. Загадочные полуреальность и вневременность
картины стали самым поэтическим проявлением символистского видения
мира грез. Водоем, чьи очертания в действительности являлись идеальной
окружностью, художник изображает в виде большого овала, выходящего
своими краями за пределы холста. Этой геометрической форме, так любимой
Мусатовым, вторит аналогичная, но меньшая по размеру юбка одной из
героинь, уложенная красивым овалом. Их сочетание сразу же задает
определенный музыкальный ритм всему произведению. Своеобразное
построение композиции - исключение линии горизонта из картины - важный
прием. Используя его, живописец сознательно сближает первый и второй
планы,
делая
полотно
более
плоским.
Героини, расположенные на первом плане, находятся ниже пруда, а сама
водная гладь, безмятежная и чистая, как небо, буквально нависает над ними.
В результате создается иллюзия настоящего зеркала, приподнятого и
поставленного вертикально. Из обычного пейзажа рождается совершенно
иной образ, новая реальность - что было очень свойственно художникамсимволистам.
Картина «Водоём» была написана летом 1902 года в Зубриловке — в
самый счастливый период в жизни художника: критики отметили художника,
его картины пользовались успехом, и девушка, в которую он долгое время
был влюблён, дала ему согласие выйти замуж. Именно свою невесту Елену
Владимировну Александрову (девушка, сидящая на берегу в синем платье), а
также сестру Елену Борисову-Мусатову (стоящая девушка в розовом платье)
художник изобразил на картине. Но при этом Борисов-Мусатов не пытался
написать их портреты, а лишь передать образы двух молодых девушек.
Картина поразила современников своей новизной красок и поэтичностью.
Большое внимание на картине уделено природе: спокойной и безмятежной. В
воде отражаются небо и деревья, и, по сути, весь пейзаж, представленный на
картине, находится именно в отражении в водоёме. Фигуры двух девушек
сдвинуты к правому краю. В них нет той безмятежности, которую художник
отобразил в природе. В самом же сюжете нет повествовательности — нет
никакого конкретного действия.
Филипп Андреевич Малявин (1869 – 1940)
«Вихрь»
Словно «сказочные героини старорусских былин» выступают в танце
крестьянские женщины. В свой хоровод они вовлекают стихии природы.
Развевающиеся одежды растворяются в потоках красочных мазков,
напоминающих то горячие всполохи пламени, то холодные струи воды, то
обжигающее дыхание ветра, то покрытые цветами луга. Особую
динамичность
картине
придают
размашистые
движения
кисти,
соответствующие ритму вихревого танца. И.Э.Грабарь посоветовал
Малявину писать особыми, долго сохнущими красками. В результате
живопись стала напоминать вулканическую лаву, появился эффект
своеобразной подвижной мозаики. Формы и краски наплывают друг на
друга, создавая внутреннее напряжение. Это усиливает выразительность
картины, построенной на пересечении различных стилевых тенденций –
импрессионизма и модерна. Картина создавалась во время первой русской
революции. В ее сюжете, в полыхающем красном колорите можно увидеть
одновременно и надежду на духовное возрождение и предчувствие разгула
разрушительных сил.
Серов Валентин Александрович (1865 - 1911)
«Девочка с персиками. Портрет В.С.Мамонтовой»
Картина передает атмосферу артистизма царившую в Абрамцеве. В ней
воплотился идеал «отрадного», определивший дальнейший путь русского
импрессионизма. В центре – портретный образ старшей дочери
С.И.Мамонтова Веры. Художника увлекает гармоничный внутренний мир
этой маленькой «музы» Абрамцевского кружка. Вокруг портретного
изображения девочки Серов «собирает» фрагменты интерьера, пейзажа,
натюрморта. Льющийся из окна свет растворяет контуры предметов.
Помещенную против света фигуру модели, Серов написал в теплых тонах –
контрастных холодным тонам пространства. Эти импрессионистические
открытия, а также цветовые рефлексы, дробные мазки наполняют
изображение внутренним движением, организованным вокруг центрального
композиционного
треугольника.
Картина
обладает
особой
притягательностью благодаря «обратной композиции», развернутой на
зрителя. Нетерпеливость позы модели соединяется с задумчивостью,
таящейся в глубине ее черных глаз. Художник достигает равновесия
душевного состояния.
Левитан Исаак Ильич (1860 – 1900)
«Владимирка»
Мотив дороги, характерный для русского искусства XIX века, становится у
Левитана основой подлинно философского пейзажа. При работе над
полотном ему было важно помнить, что Владимирский тракт – путь
каторжан, однако многогранное содержание картины передается художником
чисто живописными средствами. Уходящая в даль дорога с крестомголубцом на обочине уводит взгляд в глубину картины, а облака, как бы
выплывающие нам навстречу, задают возвратное движение, фиксируя
плоскость холста. Повествование о мире переводится в план эмоционального
переживания, предвосхищая поиски мастеров следующих поколений. Этому
же способствуют и тончайшие цветовые переходы в написании земли и неба,
мелкий трепетный мазок, одухотворяющий живописную поверхность.
Движение и покой, краткость жизни и вечная красота мира – вот далеко не
полный круг ассоциаций, которые вызывает картина.
Шишкин Иван Иванович
«Полдень. В окрестностях Москвы»
В истории русского искусства эта картина обойдена вниманием
исследователей. Как обычно, на картинах И.И. Шишкина изображен
конкретно точный пейзаж. Полотно наполнено светом, воздухом,
необъятным простором – тем, что так любил знаменитый пейзажист и так
живописно умел воплощать. Художнику удалось вобрать в своей картине
общепринятое представление о русском пейзаже: поле, тихую речку, кривую,
разбитую проселочную дорогу, бедные избы, сельскую церквушку с
колокольней. Бесхитростная окрестность сельца Братцево стала благодатным
местом для воплощения законченного образа русской природы и русской
земли.
Между тем, пейзаж не характерен для творчества И.И. Шишкина. Большая
часть его работ посвящена лесу. Небо не составляло предмет пристального
внимания художника: в его пейзажах оно по большей части нейтрально. А
здесь оно огромно, необозримо и занимает большую часть композиции. И
написал его И.И. Шишкин прекрасно, наполнив серебристо-пепельными
облаками, сквозь которые просвечивается солнечный свет, несущий, быть
может, радость и надежду на благо. Именно небо, чистое и великое, стало в
«Полдне»
главным
объектом
изображения.
И еще одно, И.И. Шишкин, прирожденный пейзажист, никогда не писал ни
людей, ни животных. У него природа самодостаточна и не нуждается в
присутствии человека. А на этом полотне меж спелой ржи по размытой
дождем дороге идут крестьяне с граблями. Над одной из избушек
подымается дымок. Живые и явные приметы обжитой человеком природы.
Во всей картине видится умиротворенность, устойчивость сельского бытия с
извечно повторяющимся кругом времен года и труда. По своим
изобразительным особенностям картина «Полдень» занимает особое место в
творчестве художника, являясь одним из лучших его произведений.
Картина стала первой, которую приобрел для своей галереи Павел Третьяков.
Она оказалась поворотной в судьбе 39-летнего художника: к нему пришли
успех и общественное признание. Сам П.Третьяков впоследствии на каждой
Передвижной выставке непременно покупал хотя бы один шишкинский
пейзаж.