***** 1 - Художественная школа

•
•
•
•
•
•
•
•
Акварель в художественной школе
Стихия воды и краски
Несмотря на доступность и распространенность, техника акварели остается загадочной и
непостижимой для многих, как любителей, так и профессиональных художников. При кажущейся
легкости этот материал, по рождению связанный с водой, своей непокорностью и стихийностью
создает немало проблем для тех, кто пренебрегает необходимостью его терпеливого изучения.
Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В
XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии.
Предшественницей акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска),
позволявшая получать сходные эффекты. Расцвет акварели в Великобритании в конце 18 века нередко
связывают с самим зарождением этой техники. Однако художники уже на протяжении нескольких
столетий использовали водорастворимые связующие с пигментами. Еще в конце 15 века великой
немецкий мастер Альберт Дюрер (1471-1538) создал замечательную серию натурных пейзажей,
работая водными красками. В качестве основы Дюрер использовал пигмент и бумагу, сгущая цвет
наложением дополнительных слоев краски и используя белизну бумаги для светлых участков.
Художник Ренессанса Дюрер оставил в акварели значительный след, чей «Заяц» стал хрестоматийной
работой.
В графике 17 века можно часто встретить монохромные рисунки, выполненные пером и чернилами,
к которым добавлена размывка, а бывало, художники работали просто кистью и размывкой как,
например, Никола Пуссен (1594-1665) и Клод Лоррен (1600-1682). Преимущественно так выполнялись
эскизы и наброски.
Формально их нельзя отнести к акварели, однако свободной техникой построения форм они во
многом предвосхищают произведения последующих мастеров акварели.
Под знойным солнцем Италии сформировалась живописная манера, называемая теперь
"итальянской акварелью". Если мы не можем справиться с акварелью, с ее текучей природой, то
стараемся избавить ее от "лишней" воды. Так появилась необходимость пользоваться небольшими
лессировками и маленькими мазками, чтобы путем сложения, наслоения "слепить" изображение посухому. В классическом понимании, работа в этой манере ведется акварелью по сухой бумаге: кистью
наносится контурный рисунок и потом ею же разрабатываются тени. Из такого способа работы
сформировалась мозаичная манера письма, по преимуществу корпусными, то есть непрозрачными,
укрывистыми акварельными красками, и манера письма прозрачными лессировочными красками,
которую принято называть техникой многослойной живописи. Итальянская манера письма стала
основной традицией в акварельной технике для российской академической школы XIX–XX веков.
До XVII века акварель применялась в основном для украшения церковных книг, ею выполнялись
орнаменты, миниатюры и заглавные буквы. Акварель использовали мастера эпохи Возрождения для
разработки эскизов к фрескам и картинам, это были рисунки ("картоны"), часто очень больших
размеров, оттушеванные карандашом и раскрашенные прозрачными
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
красками. Поэтому в акварелях старых мастеров сквозь краску всегда проступают штрихи карандаша или пера.
Академические художники более позднего времени также использовали акварель при разработке эскизов малых
размеров к холстам и росписям. Соединение легкого, прозрачного слоя акварели с рисунком карандашом или пером
имеет название "акварелированный рисунок".
На пути к реализму
В середине и конце 18 века появились несколько художников, выбравших акварель в качестве основной своей
техники.
Пол Сэндби (1725-1809) был одним из первых британских художников, осознавших неисчерпаемые выразительные
возможности акварели. В его работах сочетаются и работа прозрачными слоями, и приемы кроющего письма. Его брат
Томас (1723-1798), став архитектором, одновременно создавал и прекрасные акварельные работы, показывающие
владение разными приемами этой техники.
Впереди своего времени
Главным первопроходцем в освоении всех возможностей акварели стал Тернер, владевший этой техникой так, как ни
один художник до него и редко кто позже.
Уйдя от практики простого закрашивания линейного рисунка, он постоянно экспериментировал с цветом, вводя новые
пигменты и новые виды бумаги. Тернер обращался с цветом очень свободно, первым стал работать «по-сырому»,
смывал, промокал губкой или соскребал уже положенную краску.
У Тернера было много «конкурентов» и в Англии и во Франции. Они также внесли значительный вклад в развитие
искусства акварели.
Открытия 19 века
В середине и конце 19 века в Англии стали работать в технике акварели несколько интересных художников: это
прежде всего Самуэл Палмер (1805-1881) и Альфред Уильям Хант (1830-1896). Во Франции выдвинулись Камиль
Писсарро (1830-1903), Поль Сезан (1839-1906) и Поль Гоген (1848-1903). Сезан написал более 400 акварелей: он
широко экспериментировал с приемами нанесения полупрозрачных мазков на белую бумагу и в жанре портрета и в
пейзажной акварели, последовательно изучая взаимодействие света и цвета.
20 век
Одним из самых ярких мастеров акварели в 20 веке стал немецкий художник Эмиль Нольде (1867-1956). Как
столетием ранее Тернер, он сумел расширить и переосмыслить уже ставшие привычными средства и – шире –
выразительные возможности акварельной живописи, обогатив ее новым строем чувств.
В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность в США.
К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие
новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными,
быстро выцветающими.
•
•
•
•
•
•
•
•
•
Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст в
США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.
Акварель в России
Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с
императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге. Первое имя в летописи
русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов
(1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.
Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852). Свою оригинальную дань искусству
акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов
(1865—1911).
Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста
(1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955).
Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими
произведениями.
Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов»,
возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную
выставочную деятельность, проведя за период с 1896г. по 1918 г. тридцать восемь выставок.
В ХХ веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом
интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в
VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников.
Такова история развития русской акварели. Ее особенность состоит в том, что в России не было обособленной
подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил
положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы акварели Сергея Андрияки.
Техники
Свое название акварельные краски получили от латинского слова – вода. Однако вода в акварели, как и в
живописи гуашью или темперой, служит только разбавителем. От этих и других живописных техник акварель
отличается прозрачностью красочного слоя, способного пропускать, а не задерживать свет. Акварель наносится на
бумагу не густым слоем, а жидко разбавленная водой. В акварели очень важно сохранить цвет чистым, а красочный
слой тонким, прозрачным и прочным. Многократные переписки одного и того же места, густые, толстые наслоения
краски ведут к потери достоинств акварели: теряется светоносность бумаги, акварель становится «глухой»,
тяжеловесной или попросту грязной. В местах, где должны быть блики, бумага остается чистой или слегка лессируется,
если это необходимо, нужным оттенком. Акварель обладает широкими возможностями в передаче тончайших
тонально-цветовых оттенков натуры, особенно атмосферных явлений, передачи пространственности планов,
трепетности воздушной среды, состояния освещенности, материальности предметов и т.п. По сравнению с другими
живописными техниками диапазон тональных возможностей акварели несколько меньше. Но в акварели не
обязательно ставить задачу приблизиться к силе и плотности тона и цвета натуры. В целом этюд может быть решен в
более светлом общем тоне, чем выглядит в натуре.
•
•
•
•
•
Подвижность акварельных красок, ограниченные возможности для исправления ошибок обязывают внимательно
относиться к рисунку. Вот почему в учебной работе, особенно для этюдов длительного характера, вначале выполняется
хорошо проработанный рисунок на отдельном листе бумаги. В нем находится общее композиционное решение,
конструктивное строение, пропорции, характер предметов, постановка их на плоскости. Не следует пренебрегать и
более подробным рисунком: на изображениях предметов наметить характерные границы бликов, света, полутонов,
теней, рефлексов, деталей формы. После того как рисунок готов, его переводят на чистый лист бумаги. Но все таки
следует учиться писать этюды без предварительного карандашного рисунка и строить форму предмета кистью
цветовыми акварельными средствами. При таком методе работы полнее проявляются специфические свойства
материала; этюд получается более органичным и цельным.
Начальными упражнениями по освоению методов работы акварельными красками, по изучению свойств и
особенностей изобразительных материалов, закономерностей светотени в художественной школе являются отмывка
тоном и гризайль. В технике отмывок различные оттенки светотени предметов, общий тон изображения достигаются
путем повторных наложений одного тона на другой раствором одной концентрации. Каждое последующее нанесение
краски делается по просохшему красочному слою. Для отмывки надо развести в стакане слабый раствор акварельной
краски и дать ему отстояться. Затем осторожно, чтобы не взболтать осадок, слить раствор в другой стакан и начинать
отмывку. Принцип отмывки – это выполнение работы от светлого к темному.
Гризайль (от франц. – серый) – одноцветная живопись в нейтральных тонах. В этой технике нужные тональные
градации достигаются наложением краски сразу в полную и нужную силу. Для каждой поверхности рисунка или даже
для каждого мазка, накладываемого в целях лепки формы или усиления тона, составляется свой раствор краски.
Красочная смесь готовится на палитре. Работу в технике гризайль лучше вести от темного к светлому. Теневую часть
предметов желательно взять сразу в полную силу тона, чтобы красочный слой был тонким и воздушным.
Способ многослойного нанесения акварельных красок (лессировка) широко используется при
длительной многосеансовой работе с детальной проработкой формы изображаемых предметов. Этот метод ведения
живописного процесса является ведущим в обучении акварели на первоначальном этапе. Способ лессировочного
письма часто употребляется в живописи теневых мест, затемненных интерьеров, удаленных планов. Если однослойная
краска зрительно выдвигает предмет на передний план, то многослойная лессировка тонкими прозрачными красками
удаляет предмет в воздушную среду или погружает его в тень. Сущность приема лессировочного письма заключается в
последовательном нанесении прозрачных слоев краски один на другой. В результате таких перекрытий можно
получить самые разнообразные цветовые оттенки. Иногда цвета этих слоев сливаются в один красочный тон; иногда
нижние слои, просвечивая сквозь верхний, дают более интенсивный и сложный по своим характеристикам цветовой
оттенок. Однако чтобы цвет не потерял своей интенсивности, краски нельзя наносить очень бледными. Одно место
желательно перекрывать не более трех раз. Последующие прописки обычно преследуют цель лепки объемной формы,
определение полутонов, наиболее густых теней, рефлексов, передачи деталей, приведения изображения к целостности
и единству.
Рассмотрим способ а-ля-прима, т.е. по-сырому. Если вас не пугает "водное пространство" и возникает
желание подчиниться водной стихии цвета, тогда работу можно вести в состоянии живого движения воды. Для такой
живописи несомненно потребуются определенная смелость, изобретательность и проворность. Так получаются
эффектные работы по-мокрому. Способ
•
•
•
•
•
•
•
•
многослойного наложения одного прозрачного красочного слоя на другой не всегда применим. Чтобы ускорить работу,
можно сразу наносить в один слой раствор краски нужной силы тона и цвета. При таком методе работы для каждой
поверхности рисунка, а иногда и для каждого мазка составляются отдельные оттенки цвета. Если нужно какое - либо
место ослабить или усилить в цвете и тоне, то поправки вносятся по еще не просохшему красочному слою. Этот метод
работы акварелью часто применяется художниками при выполнении кратковременных этюдов с натуры, эскизов в
целях поиска композиционного цветового решения и т.д. Нередко этюды и зарисовки в цвете делаются без
предварительного рисунка карандашом. Начинать работу на бумаге целесообразнее с нанесения наиболее
интенсивных цветов натурной постановки в нужную силу, установив предварительно, что в ней самое насыщенное по
цвету по отношению к другим предметам. Эта первая цветовая прописка интенсивно окрашенных предметов должна
служить отправным моментом в цветовом построении этюда, в определении тонально цветовых отношений.
У художника–акварелиста будущее тонально–цветовое решение этюда складывается заранее, до начала работы на
бумаге цветом. В технике а-ля-прима основное правило таково: чтобы краска ложилась равномерно и хорошо
впитывалась, перед началом работы поверхность бумаги следует слегка смочить водой. Этюд пишется свободными
широкими мазками-заливками. Цветовая прокладка осуществляется в один слой, без повторных перекрытий. Форма
предмета лепится без излишней детализации, несколько обобщенно.
Прекрасными образцами такой акварельной живописи могут служить работы современного немецкого художника
Герберта Вандерера.
Мы рассмотрели некоторые способы и приемы работы с акварелью, которыми должны овладеть учащиеся на
первоначальном этапе обучения акварельной живописи. Каждый из этих способов может иметь самостоятельное
значение. В практике, однако, чаще всего они используются в тех или иных сочетаниях.
Сравнивая различные традиции в технике живописи акварелью, нетрудно заметить, что разнообразие манер и
приемов во многом определяется различием материалов, используемых в работе. Наибольшую важность имеет выбор
бумаги, красок и кистей. Бумага, с момента ее изобретения в Китае во II веке нашей эры, так же, как и краски,
создаваемые с древнейших времен из пигментов, полученных главным образом в процессе измельчения редких
цветных земель и минералов, были очень дорогими и ценными. И мастера прошлого вряд ли могли позволить себе
тратить лист за листом, переводить драгоценные материалы в творческих поисках. Неспешность, сосредоточенность и
тщательность характеризуют произведения пионеров этого вида искусства. Но с началом технической революции, с
появлением промышленных способов изготовления материалов возникли и более широкие возможности для
творческих экспериментов и популяризации акварельной живописи.
Итак, если мастер недооценивает качество материалов в своей работе, то это неизбежно отражается на ее результате.
Профессиональные материалы – первое важнейшее условие, чтобы творение художника имело шанс стать
"немеркнущим" шедевром во всех значениях этого эпитета.
Но что же ценится в самой технике акварельной живописи, и как оценить уровень мастерства живописца?
На эти вопросы хорошо отвечает в своей книге "Техника акварельной живописи" архитектор П.П. Ревякин. Книга
издана в 1959 году и систематизирует сложившиеся к середине прошлого века научные, технические и художественные
знания.
•
•
"Итак, самое драгоценное свойство красок – их прозрачность, – пишет автор. – Все приемы старых
мастеров опираются на прозрачность красок и яркость просвечивающего основания; эти приемы
используют закономерности восприятия красок на просвет. Прозрачность красок – ядро живописной
техники. Понять это – значит многое понять в технике живописи. Наиболее важным для акварельной
живописи качеством бумаги является ее белизна. Первой заботой акварелиста должна быть забота о
сохранении белизны и свежести бумаги. Белизна бумаги служит источником света для видимости
акварельного слоя на просвет, и поэтому акварель кончается там, где теряется ощущение бумаги под
красочным слоем". Еще одно важное назидание дает автор в этой книге: "Следует помнить, что до
первого прикосновения кисти бумага должна быть совершенно чистой и достаточно влажной, а
акварелист должен приступить к работе с безукоризненно чистыми руками, красками и кистями".
Иллюзия простоты и легкости владения техникой вызывает желание имитировать ее. Но
поверхностный подход, не подкрепленный истинным владением материалом и эстетическим
чувством художника, приводит к появлению пустых и бессмысленных работ.
Рекомендуемая литература: А.П. Яшухин, С.П, Ломов «Живопись». Москва«Агар»,1999г.
Ф.С. Мальцева «Ф.А. Васильев». Ленинград «Художник РСФСР», 1986г.
«Сергей Андрияка. Пейзаж. Москва. Изд-во Московской школы акварели СергеяАндрияки.2005г.
Интернет-информация