МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РФ ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РФ
ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ
ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ
ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ
ВОРОНЕЖСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ
ИНЖЕНЕРНЫХ ТЕХНОЛОГИЙ
Кафедра сервисных технологий
КОНТРОЛЬНАЯ РАБОТА
по дисциплине: «Введение в технологию сферы обслуживания»
для студентов, обучающихся по направлению подготовки
100100 – Сервис
Заочной формы обучения
Воронеж 2012
Контрольные вопросы.
(2). Духовная первобытная культура.
(8). Религия и искусство Древнего Египта.
(20). Античная Греция. Гомеровский (царский) период.
Культура зрелого и позднего Средневековья. Художественные стили
Средневековья.
5. Истоки и условия зарождения русской культуры. Древнерусская (языческая)
культура.
6. Русская культура первой половины XIX в.
1.
2.
3.
4.
1 (2). Духовная первобытная культура.
Памятники палеолитического, мезолитического и охотничьего неолитического
искусства показывают нам, на чем в тот период сосредоточилось внимание людей.
Роспись и гравюры на скалах, скульптуры из камня, глины, дерева, рисунки на сосудах
посвящены исключительно сценам охоты на промысловых животных.
Главной художественной особенностью первобытного искусства была
символическая форма, условный характер изображения. Символами являются как
реалистические изображения, так и условные. Часто произведения первобытного
искусства представляют собой целые системы сложных по своей структуре символов,
несущих большую эстетическую нагрузку, с помощью которых передаются самые
разнообразные понятия или человеческие чувства.
Первоначально не обособленное в специальный вид деятельности и связанное с
охотой и трудовым процессом первобытное искусство отражало постепенное познание
человеком действительности, его первые представления об окружающем мире. Некоторые
искусствоведы выделяют три этапа изобразительной деятельности в эпоху палеолита.
Каждый из них характеризуется качественно новой изобразительной формы. Натуральное
творчество - композиция из звериных туш, костей, натуральный макет. Включает в себя
следующие моменты: обрядовые действия с тушей убитого зверя, а позже с его шкурой,
наброшенной на камень или выступ скалы. В последствии появляется лепная основа для
этой шкуры. Элементарной формой творчества была звериная скульптура. Следующий
второй этап - искусственно-изобразительная форма включает искусственные средства
создания образа, постепенное накопление «творческого» опыта, которое выразилось в
начале в полно объемной скульптуре, а затем в барельефном упрощении.
Для третьего этапа характерно дальнейшее развитие верхнепалеолитического
изобразительного творчества, связанного с появлением выразительных художественных
образов в цвете и объемном изображении. Наиболее характерные образы живописи этого
периода представлены пещерными росписями. Рисунки нанесены охрой и другими
красками, секрет которых не найден и поныне. Палитра каменного века видна, в ней
четыре основные краски: черная, белая, красная и желтая. Две первые употреблялись
довольно редко. Подобные этапы можно проследить и при изучении музыкального пласта
первобытного искусства. Музыкальное начало не было отделено от движения, жестов,
возгласов и мимики.
Музыкальный элемент натуральной пантомимы включал: имитацию звуков
природы - звукоподражательные мотивы. В одном из домов Мизинской стоянки был
обнаружен древнейший музыкальный инструмент, сделанный из костей мамонта. Он
предназначался для воспроизведения шумовых и ритмических звуков.
При всей своей жизненной выразительности и реалистической обобщенности
палеолитическое искусство остается интуитивно спонтанным. Оно состоит из отдельных
конкретных образов, в нем отсутствует фон, нет композиции в современном смысле слова.
Первобытные художники стали зачинателями всех видов изобразительного
искусства: графики, живописи, скульптур. Преуспели они и в декоративном искусстве резьбе по камню и кости, рельефу.
Особая область первобытного искусства - орнамент. Он применялся очень широко
уже в палеолите. Геометрическим узором покрыты браслеты, всевозможные фигурки,
вырезанные из бивня мамонта. Геометрический орнамент - основной элемент Мизинского
искусства. Этот орнамент состоит в основном из множества зигзагообразных линий.
Изучив с помощью увеличительных приборов структуру среза бивней мамонта,
исследователи заметили, что они тоже состоят из зигзагообразных узоров, очень похожих
на зигзагообразные орнаментальные мотивы Мезинских изделий. Таким образом, в основе
мезинского геометрического орнамента оказался узор, нарисованный самой природой. Но
древние художники не только копировали природу, они вносили в первозданный
орнамент, новые комбинации и элементы.
На сосудах каменного века, найденных на стоянках Урала, был богатый орнамент.
Чаще всего рисунки выдавливали специальными штампами. Они как правило,
изготавливались из округлых, тщательно отшлифованных плоских галек из желтоватого
или зеленоватого с блестками камнями. По острым краям их наносили прорези, штампы
делались также из кости, дерева, раковин. Если надавить таким штампом на мокрую
глину, наносился рисунок, сходный с оттиском гребенки. Оттиск такого штампа часто
называют гребенчатым, или зубчатым.
Некоторые исследователи верхнепалеолитического искусства считают, что
древнейшие памятники искусства по тем целям, которым они служили, были не только
искусством, они имели религиозно магическое значение, ориентировали человека в
природе.
Более поздние этапы развития первобытной культуры относятся к мезолиту,
неолиту и ко времени распространения первых металлических орудий. От присвоения
готовых продуктов природы первобытный человек постепенно переходит к более
сложным формам труда, наряду с охотой и рыболовством начинает заниматься
земледелием и скотоводством. В новом каменном веке появился первый искусственный
материал, изобретенный человеком, - огнеупорная глина. Прежде люди использовали то,
что давала природа, - камень, дерево, кость. Земледельцы гораздо реже, чем охотники,
изображали животных, зато с увеличением украшали поверхность глиняных сосудов.
Начиная с бронзового века яркие изображения зверей почти исчезают. Всюду
распространяются сухие геометрические схемы. Например, профили горных козлов,
высеченные на утесах гор Азербайджана, Дагестана, Средней и Центральной Азии. Люди
затрачивают на создание петроглифов все меньше усилий, наспех процарапывая на камне
мелкие фигурки. Последний этап в развитии племен бронзового века на Северо-западном
Кавказе
характеризуются
существованием
крупного
очага
металлургии
и
металлообработки. Велась добыча медных руд, выплавлялась медь, было налажено
производство готовых изделий из сплавов.
В поздний период первобытного общества развивались художественные ремесла:
изготавливались изделия из бронзы, золота и серебра.
2 (8). Религия и искусство Древнего Египта.
Цивилизация Древнего Египта насчитывает более 3000 лет. В конце 1У тыс. до
н. э. в Юго- Восточной Африке, в низовьях реки Нил, сформировалось
раннерабовладельческое государство Египет, которое стало одним из самых великих
центров мировой культуры.
Древние египтяне обожествляли природу и земную власть. Звери считались
священными, их держали при храмах, отдавали им шану, а после смерти бальзамировали
и хоронили в саркофагах. Сохранялись целые кладбища баранов, кошек, быков,
крокодилов. На тотемизме базируется и звероликость египетских богов, верховным среди
которых считался бог Солнца Ра, которого часто изображали соколом или же тельцом.
Фараон считался "сыном солнца" с этим связанные и почести, которые ему отдавались, и
соответственное отображение в культуре: фараон изображался величавым,
освобожденным от власти времени и земной реальности. В скульптурах он изображался
спокойно-холодным, неземным.
В Новом Царстве расцвела архитектура храмов. Архитектура заупокойных
храмов в честь богов всесторонне продумывалась. Храмы-святилища особо почитаемого
бога Амона-Ра определяли архитектурный облик Египта в период Среднего и Нового
царств. Наиболее примечателен сложный архитектурный комплекс в Карнаке и Луксоре,
который был возведен по обеим сторонам Нила недалеко от города Фивы - бывшей
столицы Египетского государства. Строительство этого грандиозного ансамбля
осуществлялось на протяжении нескольких столетий. Главным святилищем
монументального ансамбля в Карнаке (середина XVI в. до н. э.) является древний храм
Амона, хорошо сохранившийся до нашего времени. Храм и сегодня поражает своими
размерами. Это самый просторный в мире храм с колоннами. Он состоит из более чем
сотни обширных помещений, огромных дворов, бесчисленных аллей, переходов,
колоссальных размеров статуй богов и фараонов, сфинксов, обелисков. Величественный
поддерживаемый колоннами зал имел длину 102 м и ширину 53 м. Тридцать четыре
колонны 23-метровой высоты гордо бросают вызов векам. Их верхняя часть имеет в
окружности около 1 5 м - там свободно могли бы разместиться 50 человек. Свет попадал
внутрь здания через окна с каменными решетками. Он струился мощными потоками,
отражаясь на поверхностях капителей колонн в виде раскрытых цветов лотоса. В то же
время другие колонны зала, имевшие форму нераскрывшихся бутонов папируса,
оставались в полумраке. Стены одного из помещений, получившего название
«Ботанический сад», расписаны фресками с изображениями экзотических растений и
животных. Дорогу, ведущую от Нила к главному входу в храм, охраняли сфинксы.
Великолепен и грандиозен храм Амона-Ра в Луксоре, главным украшением
которого была колоннада. Она имеет 260 м в длину. Здание храма, казалось, превращено в
строгий строй гигантских папирусов. Перед его фасадом стояли два обелиска и шесть
огромных статуй фараона. Многое не сохранилось: один из обелисков ныне украшает
площадь Согласия в Париже. Храмы Амона-Ра в Карнаке и Луксоре соединены между
собой дорогой, охраняемой сфинксами. Здесь во время религиозных шествий проносили
божественную ладью, в которой, как считали египтяне, бог солнца Амон-Ра совершает
свой вечный путь по небу.
На левом берегу Нила, в горах за Фивами, простираются долины, самая знаменитая
из которых - Долина царей, где находятся сорок гробниц царей и их потомков.
Последнему великому фараону Египта Рамсесу II (XIII в. до н. э.) принесло подлинную
славу и бессмертие строительство храмового комплекса в Абу-Симбеле, в верхнем
течении Нила. Два высеченных в скалах храма, малый и большой, действительно
необычны по своей архитектуре. Большой храм посвящен богу Амону-Ра, богу Птаху покровителю города Мемфиса и ремесел, богу Гору в виде сокола и самому Рамсесу. Вот
почему его фасад украшают высеченные из скалы четыре двадцатиметровые статуи
фараона, сидящего в церемониальных одеждах на троне в традиционной позе с лежащими
на коленях руками. Между ступнями огромных статуй, превышающих высоту
пятиэтажного дома, стоят небольшие, в человеческий рост скульптуры жены Рамсеса
Нефертари. Над входом в храм в нише высечено изображение бога Гора в виде сокола.
Это торжественное сооружение выстроено на месте Древнего пещерного святилища. Храм
точно ориентирован с востока на запад, причем таким образом, что два раза в год, в день
равноденствия, лучи восходящего солнца проникают в глубину храма на 63 м и освещают
стены святилища.
Малый храм находится в сотне метров к северу от большого. Он посвящен жене
Рамсеса Нефертари и богине неба Хатор, которая изображалась в виде женщины с
головой коровы. В Египте ни одна супруга фараона никогда не изображалась на фасаде
храма, только жена Рамсеса II была удостоена такой чести. Фасад малого храма
формируют шесть десятиметровых статуй, стоящих в нишах, по три статуи с каждой
стороны от входа. Это статуи фараона и его супруги.
Величественное впечатление производит скульптура Древнего
Египта, имевшая ритуальное назначение и связанная с культом мертвых. Представления
египтян о вечной жизни предполагали существование не только бессмертной души, но и
нетленного тела. Это привело к появлению обряда мумификации и к созданию статуй,
которые фараон заказывал для погребения еще при жизни. Характерной особенностью
египетской пластики стало изображение человека в идеальном возрасте, то есть
достигшим расцвета.
Существовала и традиционная окраска статуй: мужские фигуры окрашивались в
темно-коричневый цвет, женские - в желтый. Волосы всегда были черными, одежда белой. Одежда мужчин состояла из короткой набедренной повязки, женщин - длинного,
облегающего тело прямого платья на широких лямках. Материалом для статуй служили
дерево различных пород или камень: гранит, базальт, песчаник, известняк. Скульпторы
Египта умели сочетать в одном изображении части тела человека и животного. Особенно
ярко их мастерство воплотилось в Большом сфинксе - знаменитом страже пирамид в Гизе
с лицом фараона Хефрена и телом льва.
Исключительного совершенства древнеегипетские мастера достигли и в
деревянной скульптуре. Портретное сходство с оригиналом в них удивительно ярко и
наглядно.
Большое место в искусстве Древнего Египта занимали рельефные и фресковые
композиции, с помощью которых декорированы внутренние и внешние стены
заупокойных храмов, обелиски и стелы.
Прежде всего это сцены загробной жизни, бальзамирование и оплакивание умерших,
обряды, совершаемые над покойником при погребении. Четкими ритмичными рядами
шествуют вереницы слуг, несущих дары покойному. С царственной важностью они ведут
быков, их движения размеренны и непринужденны. Одни наклоняются, другие
оборачиваются назад, третьи заботливо поглаживают по спине быков.
Стенопись царских гробниц напоминала яркий развернутым свиток папируса, где
священные тексты сопровождались иллюстрациями, выполненными с тонким
художественным вкусом и мастерством. Иногда в рельефах и фресках представлены
сцены повседневной трудовой жизни египтян: охота в нильских зарослях, рыбная ловля,
трапеза, работа в поле, в саду. Очень интересны росписи гробниц у Фивах, которые
впечатляют своей пластикой, художественной оригинальностью. Древние египтяне ввели
традицию изображения фигур таким способом: голова и ноги - в профиль, а торс развернутым. Только в УП в до н э в египетском искусстве исчезает традиция такого
изображения.
Расцвет древнеегипетской цивилизации неразрывно связан с развитием музыки,
театра и поэзии. Ученые считают, что есть все основания говорить о значительных
достижениях египтян и в этих областях художественного творчества. Время не сохранило
образцов древнеегипетской музыки и, возможно, мы ничего не узнали бы о ней, если бы
не произведения других видов искусства. Настенные изображения в гробницах фараонов,
бесценные строки поэтических произведений раскрывают интереснейшие подробности
музыкальной жизни Древнего Египта. И воссоздают картины музыкального быта этой
страны. Великолепно сохранившиеся фрески позволяют судить и о наиболее популярных
музыкальных инструментах Древнего Египта. Самое почетное место среди них занимает
арфа. Первые изображения этого музыкального инструмента относятся еще к эпохе
Древнего царства, когда он по форме больше напоминал простой лук.
Собранный тысячелетиями опыт древнеегипетской культуры через Грецию и Рим
обогатил и Западноевропейскую и мировую цивилизацию.
3 (20). Гомеровский (царский) период.
В истории культуры древней Греции исследователи выделяют
следующие периоды:
1. эгейский или крито-микенский (Ш-П тыс. до н.э.),
2. героический или гомеровский (XI - IX в до н.э.),
3. архаический (VIII-VI вв. до н.э.),
4. классический (V-IV до н.э.),
5. эллинистический (период от начала похода Александра Македонского на Восток до
завоевания Римом Египта последняя треть IV-I вв. до н.э.).
Архаический период. В истории Древней Греции 8-6 в. до н.э.
характеризуются большими переменами в хозяйственной деятельности, социальной
жизни, культуре. Одним из наибольших приобретений культуры Архаического периода
есть произведения Гомера "Илиада" и "Одиссея". В 7-6 вв. до н.э. возникла греческая
лирика, одним из первых лирических поэтов считается Архилох. В первой половине 6 в.
до н.э. на острове Лесбос творила Сапфо, творчество которой было вершиной лирики
Древней Греции. В 8-6 в. в Древней Греции происходил подъем образов творческого
искусства. В 7 в. до н.э. появляются постройки из камня. Главным образом это храмы. В
процессе
формирования
арактеры
возникают
3
основных
направления:
дорическое(применяли в основном на Пелопоннесе, отличается простотой и суровостью
форм), ионический (легкость, стройность, декоративность), коринфский(утонченность).
Храмы архаического периода: Аполлона в Коринфе и Геры в Пестуме.
В скульптуре архаического периода основное место занимает изображение
человека. Греческие художники пытаются овладеть правильным построением тела
человека, научиться передавать движение. Живопись, главным образом, известна нам с
вазовых росписей. В 6 в. господствует чернофигурная роспись, на желтой поверхности
черным лаком изображены фигуры. В конце 6 века возникает краснофигурная роспись,
когда фигуры остаются в цвете глины, а фон черно-лаковый. Обобщение знаний об
окружающем мире были основой для развития философии. Основателем милетской
философской школы был Фалес, считавший, что первоосновой мира есть вода, из которой
все возникает и в которую все превращается. За первооснову также считали "апейрон" ,
неопределенную, вечную материю, воздух, огонь. Древнегр. философ и математик
Пифагор основал философскую школу в Южной Италии. По его философии мир состоит
из количественных закономерностей, которые можно вычислить. Заслугой пифагорейцев
были разработки теорем, теории музыки, построенной на числовых соотношениях,
установления ряда количественных закономерностей в мире.
Идеалистическая линия в философии, основанная пифагорейцами, была
продолжена элейской философской школой. Победа над Персией дала Греции полную
власть в Средиземноморье. Военная добыча, торговля, использование рабского труда
способствовали развитию всех отраслей культуры.
4(28). Культура зрелого и позднего Средневековья. Художественные
стили Средневековья.
Средние века в истории европейской культуры охватывают временной период
продолжительностью более тысячелетия — с V по XVI в. В истории культуры Средних
веков обычно выделяют этапы раннего (V—X в.), зрелого, или классического (XI—ХШ
в.), и позднего (XIV—XVI в.) Средневековья.
Каждый народ прожил этот период по-своему, неравномерно и сложно, в огромном
разнообразии исторических вариантов. Это разнообразие нашло отражение в многоликой
художественной культуре средних веков.
Орнаментально-декоративные формы искусства этого времени отличались
чрезвычайным богатством. Особенно высоко стояла техника художественной обработки
металлов, в частности ювелирное дело.
На последнем этапе «абстрактной звериной орнаментики», в так называемом
«стиле викингов», распространенном на Скандинавском полуострове и в Дании (10—11
вв.), главное место занимает фигура зверя, обычно льва, обвитого змеей, причем его
конечности, хвост, а иногда и часть туловища превращены в орнаментальный узор
(например, большая каменная плита из Иелиинга в Дании, рунический камень в Лондоне
и др. На высоком уровне стояла в 8 — 10 вв. и ювелирная пластика. Драгоценность
материала (золота и серебра) привела впоследствии к массовому уничтожению таких
изделий. Дошедшие до нас отдельные произведения безоговорочно могут быть
причислены по своим художественным качествам к шедеврам. Таково знаменитое
исполнение неким Вольвиниусом и датированное 835 г. «Палиото» базилики Сант
Амброджо в Милане. Это облицовка четырех сторон Главного алтаря, украшенная
многочисленными (более 40) рельефами из золота и позолоченного серебра. Передняя
стенка алтаря сделана целиком из золота, за исключением узкой ленты внизу и акантового
бордюра наверху. Драгоценные камни, античные камеи, цветные эмали, украшающие
«Палиото», использованы с большим вкусом и ни в какой мере не нарушают гармонии
целого. Рельефы, изображающие отдельные фигуры или целые сцены (евангельские
сюжеты, эпизоды из жизни св. Амвросия и т. п.), исполнены очень тонко, пропорции
фигур разнообразны. В 12—13 вв. серебряные и золотые изделия стали сравнительно
редкими. Конечно, следует учитывать, что драгоценные вещи в позднейшее время
подвергались переделке и зачастую переливались в монеты. Но совершенно очевидно, что
растущая потребность в металлических изделиях намного превышала наличие
благородных металлов. Поэтому многие вещи, богато орнаментированные и украшенные
самоцветными камнями и эмалью, выполняли из бронзы и латуни. Среди них выделяются
разнообразием вариантов и вместе с тем традиционностью основных форм сосуды для
омовения рук, так называемые акваманилы или водолеи-рукомойники — небольшие
полые фигурки львов, леопардов и всадников с ручкой и отверстием для струйки воды.
Акваманилы отливались из бронзы с потерей восковой модели, так что каждый кувшин
является уникальным. Поэтому особенно знаменательна устойчивость основных
традиционных форм сосудов. Именно недостаток благородных металлов послужил
причиной возникновения в 12 в. новой техники декоративной скульптуры, сделанной из
тонкого листа золота или позолоченного серебра, набитого на деревянную резную основу.
В этой технике выполнялись реликварии в виде рук, голов и целых фигур. Таков,
например, выдающийся по художественной ценности реликварии в виде дьякона,
держащего в руках икону (Гос. Эрмитаж). «Диакон» — типичная романская скульптура с
коротким
столбообразным
корпусом,
орнаментальной
трактовкой
складок,
непропорционально большой головой и ладонями. Вместе с тем необычна
индивидуализированная характеристика лица.
В 12—13 вв. мирового значения достигло во Франции производство выемчатых
многоцветных эмалей. Эмальерное искусство пришло в Европу с Востока, но здесь было
несколько упрощено. В романский период самыми распространенными были выемчатые
эмали на меди. Любовь к красочности, к насыщенной, яркой цветовой гамме пронизывала
все прикладное искусство средневековья. Лиможские же эмальеры умели добиваться
особенно чистых и ярких красок; в их изделиях преобладали ярко- и бледно-голубые тона
в изысканном сочетании с тонким белым орнаментом, напоминающим усики виноградной
лозы. Как правило, основные краски дополнялись желтым и красным цветом, тоже
чистого яркого тона. Мастерство лиможских эмальеров в обработке и украшении эмалью
больших досок было так высоко, что им удавались и вещи очень значительного размера.
Такова, например, надгробная доска Готфрида Плантагенета, находящаяся в Лиможском
соборе. На ней изображен Готфрид Плантагенет в плаще, с мечом и щитом. Вся плоскость
доски орнаментирована, фигура короля помещена на фоне мелкого спокойного узорачешуйки, заполняющего условно намеченную арку. По изысканности деталей доска
напоминает современную ей миниатюру, но широкая статичная орнаментальная рама
выполнена в крупных декоративных, красочных пятнах, что придает ей монументальный
характер. Во времена Христианства частью свадебного обряда стало кольцо. Но и это
пришло не сразу. Только в конце II века нашей эры супруги начали обмениваться
бронзовыми обручальными кольцами. В III веке нашей эры обручальные кольца стали
золотыми, а в IV веке их впервые начали использовать в церемонии бракосочетания. В
Нюрнбергском музее хранится кольцо XIII века, найденное при раскопках. Оно имеет
простой трехгранный профиль и надпись «Во мне верность». В те времена обручальные
кольца носили на безымянном пальце левой руки.
Высокого искусства достигли мастера Средних веков в оружейном деле. Особого
внимания заслуживают европейские мечи Средних Веков. Меч был ценным оружием в
течение всего раннего средневековья, особенно в Северной
Европе. Многие скандинавские мечи имеют богато украшенные рукояти, а исследование с
помощью рентгена позволило установить высокое качество их сварных клинков. В
противоположность этому, позднесредневековый меч, несмотря на свой высокий статус
рыцарского оружия, часто имеет простую крестовидную форму и простой железный
клинок; лишь навершие давало некоторый простор для фантазии мастера. С XIII в.
началось распространение узких клинков для колющего удара.
Главные формы живописи Средневековья - монументальная храмовая
живопись (мозаика и фреска), иконы, книжные миниатюры. Наиболее замечательны
безусловно византийские мозаики - самое характерное создание византийского гения.
Техника мозаик сложна и требует большого искусства. Мелкие разноцветные кубики
смальты (сплава стекла с минеральными красками), из которых выкладывается
изображение на стене, мерцают, вспыхивают, переливаются, отражая свет. Византийские
мозаичисты умели извлекать великолепные живописные эффекты из особенностей
смальты, очень точно рассчитывая угол падения света и делая поверхность мозаики не
совсем гладкой, а несколько шероховатой. Они учитывали также оптическое слияние
цветов в глазу зрителя, смотрящего на мозаику с большого расстояния. Время почти не
властно над мозаикой старинных мастеров: когда ее очищают от застарелой пыли и
копоти, она оказывается такой же сияющей и звучной по цвету, какой была много веков
назад.
Искусство рельефа также претерпевало существенные изменения. Объемные
фигуры, украшавшие ранние христианские саркофаги, исчезают. Рельеф становится
плоским, приобретая преимущественно орнаментально-декоративный характер. Особенно
часто встречаются мотивы плетения из лент и жгутов, сохранившиеся от
раннехристианского искусства побеги виноградных лоз, декоративные кресты, венки с
монограммой Христа, изображения птиц, клюющих гроздья или пьющих из чаши, а также
некоторые орнаментальные мотивы Древнего Востока.
Медленный процесс формирования монументальной каменной романской
скульптуры на протяжении почти всего 11 в. Со второй половины века наблюдается
постепенный переход к технике более высокого, уже собственно скульптурного рельефа.
Вместе с тем трактовка фигур приобретает монументальный характер, и они более точно
соответствуют ритму и очертаниям архитектурных форм. Понимание новых
художественных задач можно усмотреть в капителях храма Сен Бенуа сюр Луар (11 в.),
например в композиции «Бегство в Египет», а особенно в рельефах обходов хора в соборе
Сен Сернен в Тулузе (конец 11 в.). Так, апостола, поднявшего руку, отличает угловато
переданная торжественность жеста благословения, легко «читаемого» даже со
значительного расстояния. В дороманской скульптурной резьбе, отливке или чекану было
свойственно подчинять формы человеческого тела и характер^ его движений ритму и
формам орнамента, в который они вплетались. Существенная разница состояла в том, что
в романское время подчинение человеческой фигуры декоративному узору было либо
дополнено, либо заменено подчинением архитектурным формам и ритмам. Да и само это
подчинение носило менее абсолютный характер.
Монументальная живопись - живопись алтарей - больше развивалась в тех
странах, где готическая архитектура по тем или иным причинам сохраняла относительную
массивность и гладь стен. Отличительные черты живописи интернациональной готики:
красочность, изысканность и декоративность, экзальтированность, утонченность.
Безудержная и беспорядочная экспрессия росписей, которые следуют традициям
дороманского искусства, отличается от строгой торжественности и возвышенной
идеализации собственно романских фресок, широко перерабатывавших византийские
традиции и отмеченных уравновешенностью и гармоничностью. Как завершающий,
финальный этап развития стиля, он отличается некоторым маньеризмом:
экспрессивностью форм, остротой, графичностью и гротеском. В архитектуре этому
стилю живописи будет соответствовать т. н. «пламенеющая готика», также
необыкновенно вычурная. Замечательной алтарной живописью обладала средневековая
Чехия. Живопись в высшей степени экспрессивна, драматична, полна деталей реального
мира. Наиболее известны работы неизвестных мастеров, расписывавших алтарь в
Тржебоне «Воскресение Христа» и Вышеброде «Моление о чаше», а также работа
мастеров краковской школы «Избиение младенцев». Произведение, насыщенное
готической «Мучительностью». В роли кровожадных наемников Ирода выступают
средневековые рыцари; занимавшиеся разбоем и грабежами, они были грозой мирных
жителей. Это произведение относится уже ко второй половине XV века, но это все еще
средневековье, еще готика.
Слово "миниатюра" происходит от латинского minium (красная краска,
применявшаяся в оформлении рукописных книг). Своими корнями искусство миниатюры
уходит в глубокую древность. Всюду, где существуют книги, существует и искусство
книжной иллюстрации. Книжная миниатюра - не просто дополнение к тексту, она
превращает рукопись в единое вербально-визуальное пространство. Иллюминированные
рукописи оказали существенное влияние на другие виды искусства: византийские и
западные раннесредневековые миниатюры, перенося из манускрипта в манускрипт
композиционные и иконографические решения, сыграли огромную роль в появлении
романской скульптуры. В мусульманском и иудейском искусстве только в миниатюре
было возможно фигуративное изображение человека - тем самым её культурологическая
ценность становится для нас неизмеримо высокой. Не отражая так непосредственно
общий подъем культуры, как архитектура, скульптура и литература, миниатюра тоже
является важным звеном общего прогресса того времени. В развитии средневековой
миниатюры значительную роль сыграло знакомство с искусством Византии, а также связь
с традициями каролингской миниатюры 8—9 вв. Большое влияние имели украшения
ирландских и англосаксонских рукописей, с которыми французские миниатюристы
познакомились очень рано. Французская миниатюра. В 10—12 вв. прошла сложный путь
развития, как и все средневековое искусство. Своеобразно влияние испанских
миниатюристов. Торжественность фризообразных миниатюр с многочисленными
фигурами святых и апостолов оживляется необычайной красочностью исполнения. В
конце 11 и начале 12 в. декоративное оформление инициалами и орнаментом ранних
рукописей сменилось композицией страницы в целом, созданием сюжетно выразительных
миниатюр, приближавшихся к иллюстрациям. В конце 13 столетия искусство книжной
миниатюры вступило во Франции в эпоху невиданного дотоле расцвета. Париж
превратился в главный европейский центр книжной иллюстрации. Самым знаменитым
миниатюристом той эпохи был мастер Оноре, в 1288 - 1291 годах управлявший одной из
лучших мастерских. Именно из этой мастерской вышел Ъревиарий Филиппа Красивого'.
Жан Пюсель предположительно пользовался еще большим авторитетом, чем мастер
Оноре. Если мастер Оноре был склонен концентрировать внимание скорее на живописном
мотиве, чем на декоративных элементах, то Жан Пюсель изобретал и разрабатывал
разнообразные декоративные черты. Он стал украшать орнаментами поля книг и не
только инициалы, но и простые заглавные буквы в тексте; архитектурные мотивы и
персонажи включались у него в орнамент, образуя почти абстрактные узоры. Особый
интерес представляет его 'Декабрь' из Ъельвилльского бревиария', созданный около 1325
года. Искусство книжной миниатюры долгое время оставалось под его влиянием, что
очевидно при рассмотрении многих иллюстраций, вышедших из мастерских Бургундии и
Берри. Страсть к искусству, владевшая герцогами Бургундии, и в первую очередь
герцогом Жаном Беррийским, росла вместе с ростом их влияния на французскую
политику. Еще отчетливее фламандский темперамент очевиден в произведениях Жакмара
де Эсдена, прибывшего ко двору Жана Беррийского из Артуа (Фландрия) в 1384 году. Из
его мастерской вышли все часословы, принадлежавшие этому герцогу, в том числе и
знаменитый 'Прекрасный часослов Богоматери', хранящийся в парижской Национальной
библиотеке', и так называемый 'Брюссельский часослов', который ныне находится в
Королевской библиотеке Брюсселя. Помимо обязательных орнаментов и архитектурных
мотивов во фламандском духе, в этих миниатюрах привлекают внимание богемские
заимствования, заметные в оформлении лиц и драпировке одежд персонажей. Жакмар де
Эсден оставался на службе у герцога до 1409 года. А год спустя ко двору Жана
Беррийского в Меэн-сюр-Евр (близ Буржа) были приглашены братья Лимбург. Здесь они
создали уникальный шедевр - 'Роскошный часослов', который и по сей день привлекает
множество поклонников в музей Конде в Шантильи (к северу от Парижа). От герцогского
замка в Меэн-сюр-Евр ныне остались только руины, но в своей хронологии 1400 года
французский поэт Жан Фруассар превозносил этот замок как прекраснейший в мире.
Главными центрами итальянской книжной миниатюры были Милан и Павия - города, в
которых находились официальные резиденции миланских герцогов Висконти. Первым
известным художником стал Никколо ди Джакомо да Болонья. Типичными для него
мотивами являются золотые лозы аканта на заднем плане, тщательно прописанные
реалистичные фигуры и яркие краски. Здесь иллюстрировали, главным образом,
рыцарские романы ('Тристан', 'Ланселот Озерный' и др.). Джованни де Грасси украсил
Ъревиарий Амвросия' миниатюрами, близкими к бургундским образцам. Об утонченных
вкусах миланского двора свидетельствуют изящные готические крестоцветы и
изысканный орнаментальный бордюр, где между листьев и побегов скрываются
крохотные человеческие фигурки. Германия, Швейцария, Австрия и Богемия. В
немецких мастерских влияние романской миниатюры ощущалось вплоть до конца 13
столетия. В целом эстетический идеал немецких миниатюристов определялся
византийскими влияниями и в еще большей степени французскими вкусами. Знаменитый
манускрипт 'Миннезингеры', находившийся во владении швейцарского семейства
Манессе, - самая удивительная по своей красоте из книг, появившихся в этом регионе в
рассматриваемый период.
Архитектура. В X в. художественная культура Средневековья впервые смогла
создать единый общеевропейский стиль, который впоследствии получил название
«романский». Этот термин был введен в оборот в начале XIX в. французскими
археологами, которые, изучая останки зданий в европейских городах, пришли к выводу,
что эти сооружения напоминают постройки Древнего Рима. Именно отсюда происходит
термин «романский», т.е. римский. Каменные здания в период междоусобиц становились
крепостями и обеспечивали защиту людей. Эти сооружения имели массивные стены и
узкие окна. Главными типами сооружений в романскую эпоху были феодальный замок,
монастырский ансамбль и храм.
Романскую замковую архитектуру пронизывал дух воинственности и постоянной
потребности самозащиты. Поэтому, расположенный обычно на вершине скалистого
холма, замок служил зашитой во время осады и своеобразным организационным центром
в период подготовки к набегам. Средневековая Европа поэтому была покрыта замками.
Чаще всего замки состояли из широких круглых башен, соединенных могучими
каменными стенами с зубцами и круговыми ходами наверху. Они были окружены
широким рвом, имели подъемный мост и укрепленный портал. Замковый ансамбль также
включал в себя высокую круглую или прямоугольную сторожевую башню — донжон,
которая была меньше других объемом, но зато выше всех остальных. Там днем и ночью
находился караульный и наблюдал за окрестностями через слуховые окна башни, кроме
того, там находились набатные колокола, в которые били тревогу при приближении врага.
Таким был один из самых величественных и мощных замков Франции — замок Пьерфон.
С XII в. в Европе началось массовое возведение городов, центрами которых
органично становились городские площади с кафедральными городскими соборами.
Города стали соперничать великолепием городских храмов, стараясь превзойти друг друга
их изяществом. Соборы строили с расчетом вместить в него все население города. В
убранстве интерьера значительное место отводилось фрескам и витражам, заполнявшим
оконные проемы. Многочисленные росписи покрывали пестрым ковром поверхности стен
и сводов. Нередко художники использовали экспрессивный, динамичный рисунок, чтобы
передать драматизм библейских сцен. Главной задачей художника было воплощение
библейского начала, а из всех человеческих чувств предпочтение отдавалось страданию,
ибо, по учению церкви, — это очищающий душу огонь. С необычайной яркостью
средневековые художники изображали картины страданий и бедствий. Архитектурные
памятники романского стиля разбросаны по всей Европе, но наиболее совершенными
образцами этого стиля являются три храма на Рейне: соборы в Вормсе, Шпейере и
Майнце.
Романский стиль нашел свое выражение не только в архитектуре, но также в
живописи и скульптуре. Сюжетами для живописных и скульптурных изображений
конечно же были темы величия и могущества Бога. Стилевая особенность этих
изображений состояла в том, что фигура Христа значительно превосходила по размерам
другие фигуры. Вообще реальные пропорции были не важны романским художникам: в
изображениях головы зачастую увеличены, тела схематичны, иногда вытянуты. В
Германии в XI в. все больше места в изобразительном искусстве начинает занимать тема
распятия, смерти и воскресения Христа. В дальнейшем этот мотив станет в католицизме
доминирующим и даже вытеснит образ Христа как Вседержителя.
В начале XII в. романский стиль, еще сохранивший в себе средневековую
суровость и замкнутость архитектурных форм,
экспрессивность и экстатичестую деформацию человеческих фигур в скульптуре и
живописи, сменяется новым стилем, получившим название готического.
Термины «готика» и «готический» возникли в Италии в среде художников
итальянского Возрождения XVI в. и заключали в себе первоначально отрицательный
смысл, так как готическое искусство рассматривалось ими как художественное наследие
разрушителей античного Рима — варваров-готов.
Наиболее ярко и очевидно новые тенденции проявились в архитектуре готического
стиля, в художественной выразительности готических соборов и их декоративном
украшении. Как и прежде, готические соборы были призваны отражать стройность
божественного миропорядка и олицетворять божественную Вселенную. Этот стиль
сформировался во Франции в XII в., затем перешел в Англию, в XIII в. был принят в
Германии и распространился по всей Европе.
Переход от романского стиля к готическому был отмечен целым рядом
технологических новшеств и новых стилистических элементов. Считалось, что в основе
перемен лежало введение стрельчатой арки, а появление последней связывалось с
влиянием арабской архитектуры. Готика перенимает у романского стиля базилику, но
перерабатывает ее в деталях. Готический храм в отличие от романского имеет новую
конструкцию свода, основой которого является строгая каркасная система. Готическая
система была разработана французскими зодчими: в ее основе лежит арка и свод.
Сущность готического зодчества состоит в соединении стрельчатого свода с целой
системой подпорок. Свод, по сути дела, покоится на столбах. Стены не несут тяжести.
Давление бокового свода главного нефа полностью переносится на контрфорсы при
помощи перекинутых через боковые нефы опорных арок.
Грандиозность и легкость готических соборов создают иллюзию оторванности от
земли, что, в свою очередь, достигается через особое строение готического свода. Он
покоится на каркасе каменных, остроконечных, сходящихся диагонально ребер. Благодаря
этому стало возможным сооружать огромные оконные проемы, которые заняли все
промежутки между опорами. Окна украшались цветными витражами. Витраж открыл
новые возможности для цветовых эффектов: свет во внутреннем пространстве храма
благодаря цветным стеклам окрашивался в разные цвета.
Грандиозная высота и обилие света преобразили интерьер собора. Своды, опоры,
стены словно утратили тяжесть. Ощущение легкости подчеркивалось декором. Гладкая
поверхность стен исчезла, а своды перерезала сеть нервюров (образующих свод арок);
везде, где было возможно, стена вытеснилась окнами, расчленилась нишами и арочками.
Изменился по сравнению с романской эпохой и наружный вид храма. Это уже не
крепость, отгороженная от мира непробиваемыми стенами. Снаружи готический собор
обильно украшен скульптурой, где центром композиции становится скульптурное
распятие. Самыми выдающимися произведениями готического стиля стали соборы в
Шартре, Реймсе, Париже, Амьене и Брюгге.
Витражи. Поскольку конструкция готических соборов предполагала большие
оконные проемы, то место стенных росписей в них заняли витражи. Помимо композиций
на библейские и евангельские сюжеты, отдельных фигур Христа, Марии, апостолов на
них также помещались эпизоды из легенд о жизни святых, изображения исторических
событий. Никогда ранее цвет и свет не играли такой символической роли. Считалось, что
естественным цветом готики является фиолетовый — цвет молитвы и мистического
устремления души, как соединение красного цвета крови и синего неба. Синий цвет
считался также символом верности. Поэтому в витражах преобладали красные, синие и
фиолетовые краски. Наряду с ними особой любовью пользовались оранжевый, белый,
желтый, зеленый цвета. Едва переступив порог храма, верующий попадал в стихию
радужного мерцания окрашенного света, к которому добавлялись сияние свечей, блеск
золота, создающие ощущение ирреальности пространства.
Таким образом, средневековая культура была неоднозначной и многоликой, в чемто примитивной и одновременно утонченной. В ней органично сочетались религиозное
мировоззрение и жизнеутверждающее мироощущение, мистика и трезвый рационализм,
устремленность к Богу и любовь к земной жизни.
Средневековая Европа оставила великие памятники художественной культуры.
Многие европейские города украшают многочисленные памятники архитектуры
романского и готического стилей; замечательные произведения фресковой и станковой
живописи составляют славу многих музеев. В мировой культурный фонд вошли
великолепные образцы средневековой иконописи, витражного искусства, скульптуры,
книжной миниатюры. Культура средневековья была противоречивой, как и сама эпоха.
Поэтому ее нельзя оценить однозначно. Она несла в себе темные и светлые стороны,
прогрессивные и реакционные явления, но, безусловно, она была важной ступенью
развития мировой культуры.
5 (39). Истоки и условия зарождения русской культуры. Древнерусская
(языческая) культура.
Истоки культуры Древней Руси теряются в глубине веков, в тех этнических
процессах трехтысячелетней давности, которые развивались среди племен восточных
славян.
В VI-VIII вв. сформировалась группа восточнославянских племен, территория
расселения которых располагалась между Балтийским и черным морями. На их основе в
IX в. возникли ядро древнерусской народности и государственность с центром в Киеве,
оформилась соответствующая культура. Ее материальную часть составляли наземные
жилища и полуземлянки, глиняная посуда и простые орудия труда. Духовная культура
имела языческий характер и включала в себя земледельческие культы, поклонение солнцу
и природным стихиям.
Языческие культы у славян сопровождались жертвоприношениями, в том числе и
человеческими. Они происходили в особых ритуальных местах -капищах, где горели
священные костры и находились деревянные или каменные изображения богов (идолов).
Руководили обрядами волхвы, которые были знатоками древних преданий и традиций.
Древнерусская культура складывалась на основе славянского язычества под
воздействием христианской Византии, исламского Хазарского каганата (а через него и
арабов) и языческих варягов (норманнов). Византия сыграла огромную роль в развитии
древнерусской культуры.
Самым известным памятником язычества стал Збручский идол (IX—X вв.) —
четырехгранный каменный столб, установленный на холме над рекой Збруч. Грани столба
покрыты барельефами в несколько ярусов. В верхнем изображены боги и богини с
длинными волосами. Ниже идут еще три яруса, раскрывающие представления наших
предков о космосе, небе, земле и подземном царстве.
Христианство оказало влияние на все стороны жизни Руси. Церковь, занявшая
центральное место в обществе, способствовала созданию на Руси великолепной
архитектуры, искусства, распространению просвещения. Наибольшее влияние на русскую
культуру, безусловно, оказали культурные контакты с Византией. Наиболее зримым
следствием принятия христианства стало появление в русской культуре каменного
строительства. Начинается сооружение культовых зданий, церквей, монастырей.
Особенно бурно каменное строительство развивается в Киеве, который быстро растет и
начинает соперничать с Константинополем.
6 (46). Русская культура первой половины XIX в.
Живопись первой половины XIX века. Развитие романтизма, а затем и реализма в
изобразительном искусстве означало серьезные перемены в академической живописи В
30—50-е годы идейные основы академизма, основанные на иерархической ценности
жанров, все более устаревали.
Художественные установки академизма вступали в противоречие с требованиями жизни и
общественными задачами искусства. Все очевиднее становилась потребность в новых
выразительных средствах в живописи. В этих условиях еще сохранялся приоритет
исторического жанра, в то время как бытовой жанр в качестве самостоятельного еще не
получил признания. Утверждение романтических идей предопределило тогда быстрое
развитие портретного жанра в живописи.
Одним из наиболее ярких представителей романтизма в русской живописи начала
XIX в. являлся Орест Кипренский. Кипренский создал целую галерею портретов,
демонстрируя изумительную способность к видоизменению своей живописной манеры,
цветовых и световых эффектов, всего эмоционального строя портрета в каждом
конкретном случае. Но среди всех его произведений наиболее удались художнику
полотна, где были изображены яркие художественные персонажи. Безусловным шедевром
стал портрет Пушкина, считающийся и сегодня лучшим прижизненным портретом поэта.
В образе Пушкина художник сумел выделить романтическую задумчивость и
самоуглубленность, показав тем самым тонкий мир чувств поэта.
Нарастающий общественный интерес к национальным, народным мотивам нашел
свое выражение в творчестве замечательного живописца Алексея Венецианова. Этот
художник создал уникальный стиль, соединив в своих произведениях традиции
столичного академизма, русский романтизм начала XIX в. и идеализацию крестьянской
жизни. Он стал родоначальником русского бытового жанра в живописи. Венецианов
обратился к изображению крестьянской жизни и показал ее как мир, наполненный
гармонией, величием и красотой. Его картины бытового жанра («На пашне. Весна», «На
жатве. Лето», «Захарка» и т.д.) были открытием в русской живописи 20-х годов.
Художник изобразил повседневную жизнь крестьян, показывая их человеческое
достоинство и красоту труда.
Представления романтиков о человеке как герое исторических событий
воплощались в больших полотнах, становившихся выдающимися явлениями
художественной жизни. Самым знаменитым произведением такого рода стало
монументальное полотно Александра Иванова «Явление Христа народу», над которым
автор работал 20 лет. Художник показал, что происходит с людьми в переломные
моменты жизни, когда меняются пророки и появляется надежда на лучшую жизнь. В ходе
своего титанического двадцатилетнего груда художник все более убеждался в
ограниченности традиционных академических приемов композиции, рисунка, живописи и
стремился писать реальную жизнь. У Иванова не было последователей в России.
Изобразительное искусство пореформенного периода было тесно связано с
бурными процессами общественной жизни. В нем отразились споры о путях
преобразования России, жесткая критическая оценка социальной действительности,
народнические взгляды на крестьянство, извечный русский поиск нравственного идеала.
Общественная функция жив >писи этого периода коренным образом изменилась. Если
искусство классицизма подчинялось идее украшения жизни, то в искусстве 60—70-х
годов эстетический момент уже не считался главным. Художникам казалось гораздо более
важным правдиво отразить социальные проблемы, мысли и чувства представителей
разных сословий. Стремление отразить черты своего времени, просветительские
убеждения и иллюзии породили критическую живопись.
Русская архитектура XIX века. Русская архитектура до середины XIX в.
развивалась под знаком классицизма, т.е. тех же принципов, которые обусловили развитие
русской архитектуры во второй половине XVIII в. В первые десятилетия столетия
градостроительство приобретает небывалый размах, сосредоточившись прежде всего на
создании городских ансамблей. Развиваясь в формах позднего классицизма — ампира,
архитектура приобретает торжественный характер. В отличие от дворцовых и храмовых
построек предшествующей эпохи зодчие трудятся в основном над проектами зданий
общественного и утилитарного характера: театров, министерств, казарм и т.д. Иными
словами, облик архитектуры определяли постройки общегородского предназначения.
В царствование Атександра I в Петербурге была построена значительная часть
выдающихся архитектурных сооружений, ставших памятниками архитектуры той эпохи.
К ним относятся Казанский собор, Смольный институт, ансамбль Стрелки Васильевского
острова со зданием Биржи, с ростральными колоннами, а также Адмиралтейство. Роль
Александра в формировании классического образа Северной Пальмиры сравнивали с
ролью Перикла в строительстве Афинского Акрополя.
Первые черты позднего классицизма (ампира) в русской архитектуре того времени
выразили А. Воронихин и А. Захаров. Самым выдающимся произведением Андрея
Воронихина (1759—1814) стал Казанский собор в Петербурге. Еще при проектировании
собора по требованию Павла 1 архитектору была поставлена задача, чтобы собор размере
м и внешним видом походил на собор Св. Петра в Риме. Это требование и обусловило
наличие колоннады, отдаленно напоминающей колоннаду его римского прототипа: два ее
крыла, изогнутые в плане, состоят из семидесяти двух коринфских колонн, несущих
антаблемент с балюстрадой. В композиции Казанского собора впервые в Русской
архитектуре значительную роль в создании художественного образа здания стала играть
скульптура. Стремясь реализовать идею о военно-мемориальном назначении собора,
авторы по бокам установили бронзовые скульптуры князя Владимира, Александра Иоанна
Крестителя и Андрея Первозванного. А после победы над французами военномемориальный характер собора завершили памятники И. Кутузову и М.Б. Барклаю де
Толли, установленные перед боковыми портиками колоннады и органичен влившиеся в
архитектурно-скульптурный ансамбль собора.
Главным выразителем стиля ампир в русской архитектуре стал Карло Росси
(1775—1849), которому удалось реализовать главную идею Петра I при закладке новой
столицы — создать образ имперского города. Благодаря зданиям, построенным Росси,
Стасовым, Монферраном сложился тот величественный ансамбль центральных площадей
Петербурга, который нес в себе все черты мировой столицы. И первым таким ансамблем
стала Дворцовая площадь, спроектированная Росси, а также Александрийский театр,
комплекс Сената и Синода на Сенатской площади, Михайловским дворец.
К началу 30-х годов классицизм как ведущий стиль русской архитектуры
совершенно исчерпал себя: подъем национального чувства, гражданский пафос служения
отчизне, бывшие духовной основой классицизма первой четверти столетия, после
поражения декабристов практически утратили свое значение. Именно в этом заключалась
основная причина кризиса в архитектуре, который проявился во второй трети XIX в.
Внешне кризис проявил я в утрате гармонии архитектурных форм, их чрезмерной
геометричности, усложненности декоративных деталей. Наглядное представление тому
дают здания вошедшие в ансамбль Исаакиевской площади в Петербурге, главное место
среди которых занимает, безусловно, Исаакиевский собор, возведенный по проекту
Огюста Монферрана (1786-1858). Здание собора огромное, прямоугольное в плане. Оно
оформлено с четырех сторон одинаковыми многоколонными портиками с тяжелыми
фронтонами, украшенными горельефами. Долгое время собор считался самым высоким
зданием России, так как над собором на высоте 101 м находится золоченый купол,
который окружен колоннадой, увенчанной балю- страдой со статуями. Для облицовки
стен Монферран использовал светло- серый олонецкий мрамор, заменив им
традиционную штукатурную обли- цовку темных тонов. Необычным в соборе было также
применение гранитных колонн в композиции фасадов. Поэтому формы собора кажутся
тяже- ловесными, многочисленные декоративные украшения нарушают былую гармонию
архитектурных форм и скульптурных дополнений.
Литература
1.
Вагнер Г.К., Владышевская Т.Ф. Искусство древней Руси.- М.: Искусство. 1993.
2.
Винничук Л. Люди, нравы, обычаи Древней Греции и Рима. - М., 1988.
3.
Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры. -Тверь: Ком.
информпечати. 1993.
4.
Египет: земля фараонов. - М.. 1997.
5.
Столяр А.Д. Происхождение изобразительного искусства. - М.: Искусство. 1985.