Живопись конца 19 – начала 20 века в России

Живопись конца 19 – начала 20 века в России
В 1894 г. крупнейшие представители передвижников: Репин, Маковский, Шишкин,
Куинджи вошли в состав академической профессуры. Заметно
уменьшается
обличительная линия русской живописи, все чаще идет поиск идеалов гармонии. Красоты,
которая подвергается опасности в буржуазном мире.
В поисках нового языка художники нередко обращаются к сказочным, мифологическим
сюжетам.
Художники формулируют новую задачу. Не обличать, а сохранять чувство прекрасного,
учить красоте. Нести красоту даже в обыденный мир: в быт, в архитектуру, а предметы
повседневного пользования.
Постоянны выставки, издается масса журналов, альманахов, возникают и исчезают
различные художественные группировки.
Наряду со станковой
живописью активно развиваются декоративно-прикладное
искусство, книжная графика, театральная декорация. Появляется тип универсального
художника. Он может нарисовать картину, создать декоративное панно, виньетку для
книги, вылепить скульптуру, сочинить театральный костюм.
Таков М. А. Врубель, художники объединения «Мира искусств». Художники
группируются в Абрамцеве вокруг С. И. Мамонтова. Там культивируется развитие
театрально-декоративного и декоративно-прикладного творчества. Художников
абрамцевского кружка привлекают резьба по дереву, вышивка, лубок, игрушка.
Возрождаются народные промыслы.
Жанровая живопись 90-ых г.
В 90-е г. ведущие позиции утрачивает жанровая живопись. Художников привлекают уже
не обобщенные, монументальные образы русского крестьянина, природы, а те изменения,
которые происходят в русской жизни.
С. А, Коровин ( 1858 –1908)
Темы расслоения деревни, вражды кулаков и бедноты, раскол в общине.
«На миру» 1893 г ГТГ
С поразительной психологической
достоверностью передана сцена спора вконец
разорившегося, отчаявшегося бедняка и самодовольного кулака, знающего, что на его
стороне закон и сила денег. Нет идеальной общины, которую так ценили в 60-е годы.
Крестьянский мир отвергает бедняка, никто не придет ему на помощь. Автор находит
новые средства для изображения. Сцена подана как бы сверху, мы вдруг оказываемся в
тесном кругу людей. Крупные фигуры, их ощутимая телесность заставляют нас в упор
видеть жестокую драму, разыгрывающуюся в одной из деревень
А. Е Архипов (1862 – 1930)
Этот художник привнес в жанр достижения импрессионистической живописи: случайно
выхваченная из обыденности сцена, цветовые соотношения, пленэрная живопись.
«Прачки» 1901 г ГТГ
Перед нами словно эскиз мгновенно схваченной сцены. Изображаются не конкретные
события, а невыносимые условия труда прачек. Работа их представлена как отупляющее и
привычное дело. Мастерски передано ощущение сырого подвала, скользкого пола, груды
грязного белья, горячий пар, поднимающийся из горячего чана к холодному окну. Словно
скользкий мазок кисти погружает нас в застойную сырость влажного воздуха.
С. И. Иванов (1864 – 1910)
Этот художник значительно расширил темы жанра.
«В дороге. Смерть переселенца» 1889 г. ГТГ
Перед нами трагический финал кочевой жизни крестьянской семьи, отправившейся на
поиски лучшей доли. Поражает точность поз и деталей. Но главное – недосказанное.
Трагедия такова, что пересказать все ее последствия прямо художник не берется. Он
рисует полдневное солнцестояние, оцепенение природы и людей, однообразную
выжженную равнину. Поднятые вверх оглобли кибитки – символ остановившегося
движения. Все создает ощущение полной безысходности тех, кто потерял надежду.
«Расстрел» 1905 г
Одно из лучших произведений о революционных событиях. Слева – облака пороховых
выстрелов. Фон – темный массив солдатской шеренги. Справа – фрагмент толпы со
знаменами. Пустынная площадь залита солнцем. Поражает подлинностью поза убитого и
раненная, скорее всего вбок, собака, накренившаяся в беге. Тени домов – траурная кайма,
освещенные участки боковых стен – светлые клинья, словно бы указывающие на
притаившихся в тени убийц.
Н. А. Касаткин (1859 – 1930)
Этот художник раскрыл впервые тему труда рабочего класса, выступающего на арену
истории.
«Углекопы. Смена» 1895 г ГТГ
Атмосфера мрачного помещения с уходящими вверх деревянными фермами и
сгрудившейся внизу толпой шахтеров. Все внушает мрачную торжественность. Лица
многих шахтеров в толпе отчужденно и враждебно смотрят на зрителя. Прямо на нас идет
углекоп со зловеще поблескивающими белками глаз на прокопченном лице. Он
воспринимается как исполненный ненависти парламентер от лица рабочей массы к
противнику. Будничная, по сути, сцена пересменки у шахтной клетки наделена такой
силой и значительностью, что передает растущий гнев в среде рабочего класса.
А. П. Рябушкин (1861 – 1904)
Соединение истории и бытового жанра приводит к рождению историко-бытовой картины
в произведениях этого художника. Лучшие его картины – «Московские женщины 17
века в церкви»1899 г, «Свадебный поезд в Москве 17 века» 1901 г
Перед нами сцены повседневного быта, только в далеком прошлом. Поэтому картины
лишены монументальности. История повернута не драматической стороной, как это было
у Сурикова или Репина, а эстетической. Художник любуется бытом прошлого, он
наслаждается колоритом московской жизни 17 века. Век выбран не случайно. Именно в 17
веке русское узорочье, полихромия достигли необыкновенной зрелищной силы. Рябушкин
проникся духом пестрого русского средневековья.
В более поздних картинах появляются черты гротеска, сатиры.
М. В. Нестеров (1862 – 1942)
Ученик Перова, начинавший в духе передвижников, этот художник входит в русскую
живопись картиной «Пустынник», в которой находит свою тему: монастырская,
церковная Русь, монашество. Никаких реалий определенного времени. Нестеров создает
идеальную картину слияния человека с природным миром вне рамок цивилизации.
Отсюда герои – монахи, Сергий Радонежский, пустынники. Его программная картина –
«Видение отроку Варфоломею» 1890 г ГТГ представляет момент, когда будущему
Сергию Радонежскому открывается истина, и душа мальчика наполняется
необыкновенным умилением перед каждой травинкой, сухим листочком, а одновременно
с этим чуткой настороженностью. Происходит духовный переворот. Все это раскрыто в
проникновенном осеннем пейзаже. Русский мир превращается в подобие «земного рая».
Русский импрессионист. К Коровин (1861 – 1939)
Как и Левитан, он учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у
Саврасова и Поленова. В картине «Пейзаж зимой» 1894 г он выступает продолжателем
Саврасова. Перед нами серенький зимний день, двор деревенской избы и запряженная в
сани лошадка у плетня. Но главная задача Коровина здесь – не пейзаж настроения, а чисто
живописная: нарисовать серое и черное на белом. За исключением нежно-золотистого
дерева и свежеструганных саней на картине нет чистых цветов. Замечательны оттенки
пепельно-серых, сизо-лиловых.После поездки во Францию и знакомства с живописью
импрессионистов Коровин обращается к теме большого города.
«Парижские огни» 1911г. ГТГ
Тема – жизнь большого города. Перед нами фрагмент его жизни, отсюда и
фрагментарность композиции. При этом необычна точка наблюдения – резко сверху,
динамичен мазок, контуры, словно размытые дождем, дрожат в уличном воздухе. Но
русский темперамент проявляется в повышенной интенсивности цвета, стихийности
мазка, эмоциональности.
Принципиальный новатор В. А. Серов (1865 – 1911)
Ученик Репина, наследник реалистической традиции русской живописи, он совершил
главный переворот в художественных исканиях эпохи. От критического реализма Серов
перешел к поэтическому реализму, к воплощению реалистическим методом красоты и
гармонии.
«Девочка с персиками» 1887 г ГТГ
Юность – весна жизни – тема этой замечательной картины. Это красиво и в жизни, и в
живописи Серова. Перед нами дочка Саввы Ивановича Мамонтова – Вера Мамонтова.
Кажется, что она только что вбежала в дом и присела за стол. Это ощущение подвижной,
динамичной жизни сродни импрессионистической манере. Вся живопись картины словно
пронизана светлым, радостным чувством принятия жизни. Таковы и пейзаж за окном, и
интерьер – изображение комнаты, и натюрморт – персики на столе, и лицо девочки – все
дышит светом. Чувствуется импрессионистический мазок, мастерская передача
световоздушной среды, обилие фрагментарно изображенных предметов. Чтобы героиня
оказалась в центре, Серов создает почти квадратный формат картины. Для передачи
гармонии – обилие круглых предметов: персики на столе, круглая тарелка на стене. Все
это созвучно круглому овалу лица девочки. Картина стала принципиально новым
произведением в русской живописи конца 19 века.
«Девушка, освещенная солнцем» 1888 г
Чтобы отойти от импрессионистической манеры, Серов сгущает цвета в плотные массы.
Здесь снова ощущение световоздушной среды.
В 90-е г Серов создает целый ряд портретов писателей, артистов, художников: Шаляпин,
Горький, Ермолова. Все его герои – властители дум своего времени. У Серова они
предстают не как труженики мысли, а как «глашатаи истин вековых». Это гении в ореоле
исключительности.
Горький на портрете дан в сложном винтообразном развороте, лицо озарено мыслью,
виден внимательно-тревожный интерес к невидимому собеседнику.
Ермолова отрешена от всего будничного, житейского, предстает в героическом ракурсе,
взгляд пророчицы, лицо вылеплено мягко, озарено внутренним светом. Формат картины –
вертикаль подчеркивает царственную стройность фигуры великой актрисы. Цвет – черное
на сером, линейный контур, тишина, отрешенно-идеальный строй образа словно выносят
ее за пределы реальности. Отсюда ощущение. Что перед нами не масляная живопись.
Шаляпин нарисован уже просто углем на холсте. С тех пор Серов предпочитает чистую
темперу на матовом фоне.
Все портреты предстают перед нами, словно на пьедестале перед невидимой
многотысячной толпой. Портреты относятся к 1905 году.
Все приемы взяты как бы с парадного портрета: шествие, позирование, но личности этому
явно соразмерны.
Другой вариант парадного портрета Серова – создание характера портретируемого через
окружающую его обстановку.
«Портрет графини Орловой» 1911 г. ГРМ
Вычурная поза, игра острых угловатых линий силуэта, «изыск» и «шик» явно присущи
этой женщине, подлинной героине 10 –ых годов. Интерьер явно нежилой: редкие,
дорогие вещи, словно напоказ. И сама Орлова себя явно демонстрирует: на ней меха,
жемчужное ожерелье, гиперболически огромная шляпа. Словно героиня тоже дорогая
вещь. Орлова – модная дама в стиле модерн, написанная тоже в стиле модерн. Но в такой
позе нельзя находиться долго. Отсюда ощущение маскарадного спектакля.
Исторические композиции Серова.
Серия «царских охот»: увеселительные прогулки Елизаветы и Екатерины Великой,
охотничьи забавы молодого Петра II. Отсюда и самая значительная из исторических
картин – контрастная забавам –
«Петр Первый» 1907 г. ГТГ
Передан масштаб эпохи кризисов, перемен. Композиция картины о мотив шествия,
«поступи истории». Обобщенный образ воли и целеустремленности сродни эпохе первой
русской революции, когда было создано это полотно. Здесь уже ощутим поиск
обобщенной формы. Такой путь вел Серова от чисто реалистической манеры к
первоистокам бытия – к мифу. Так рождается замечательный античный цикл художника:
«Одиссей и Навзикая» и «Похищение Европы».
«Похищение Европы» 1910 г ГТГ
Картина решена как декоративное панно и стала итогом поездки Серова в Грецию. Это не
конкретный уголок природы, а обобщенная картина всех ее сил. Вздымающаяся волна
закрывает горизонт – отсюда ощущение беспредельности мира. Волны рисуют
правильную параболу, корпус быка – диагональ, фигура Европы – точно в центре.
Расходящиеся волны образуют смысловой центр картины – лицо Европы. Ее лицо
воспроизводит маску архаической коры, увиденную Серовым на Акрополе. Человек 20
века обратился в прошлое, увидел чарующую картину античности, но в центре ее –
загадочная архаическая маска. Серов стал одним из самых любимых педагогов
Московского училища.
Отход от реалистических тенденций
М. А. Врубель (1856 – 1910)
Его произведения всегда можно узнать по субъективной страстности, по драматической
экспрессии форм.
Сын военного юриста из Омска, учиться рисованию стал рано, но поступил на
юридический факультет Петербургского университета. После его окончания в 1880 г. –
Академия художеств. Брал уроки у Репина.
1884 г. Врубель получил приглашение приехать в Киев, чтобы выполнить росписи
Кирилловской церкви 12 века. Там он создал несколько композиций, среди которых
центральная – образ Богоматери. Он придал ей черты любимой им женщины. Эта работа
дала ему ощущение монументальности.
Затем поездка в Италию, знакомство с Венецией. Вернувшись в Киев, Врубель попал в
центр поисков большого национального стиля. Он решил найти собственный язык.
Врубель выработал свой неповторимый стиль. Господство пластически-скульптурного
объемного рисунка. Дробление поверхности формы на острые, колкие грани. Цвет
воспринимается как окрашенный свет (тип витража)
В 1889 г. Врубель жил в Абрамцеве, где увлекся майоликой (разновидность керамики).
Делал изразцовые камины с русалками, богатырями, фигуры «Садко», «Берендея» и
других героев.
Итогом поисков в Киеве стала картина «Демон».
«Демон» (сидящий) 1890 г. ГТГ
Журнал «Золотое руно» объявил конкурс на тему «Дьявол». Врубель искал решение
образа гордого вызова миру, персонаж буквально преследовал художника. «Демон»
Врубеля символичен и масштабен как церковная фреска. Здесь уже явно заметен отход от
реализма. Мир фантастически преображен. Взгляд на Демона через призму культуры.
Тело Демона вылеплено скульптурно и напоминает работы Микеланджело. В цветовом
решении явно заметно влияние венецианской школы. Некоторая «мозаичность» живописи
напоминает мозаику киевских церквей. Свет кажется идет изнутри. Это эффект витража.
Сам интерес к вечному образу Демона не случаен. Врубель предпочитает персонажей
«вечных тем»:Демон, Фауст, Кармен, античность.
«Демон поверженный» 1902 г.
Сравним его с предыдущей работой. Демон на данном полотне распластан в ущелье. Это
не мощный атлет, а резко деформированное в пропорциях, болезненно-хрупкое существо.
На лице
- гримаса обиженного самолюбия, оперно-красивое лицо напоминает
собирательный тип поэта-декадента.
Автопортреты и портреты.
Их тема – мир как пугающая загадка.
«Портрет С. И. Мамонтова» 1897 г. ГТ Г
Красноватый фон, сумрачный аккорд красок, из фона выступает надгробная стела с
фигурой плакальщицы. Русский «Лоренцо Великолепный» как бы играет сцену с
призраками. На его илце – душевное смятение, почти испуг. Кажется, что Врубель
предсказывает судьбу «Сильных мира сего» в России в 20 веке.
В произведениях Врубеля явно ощутим культ ночи.
«Сирень», «К ночи», «Пан», «Царевна-Лебедь». Во всех этих работах холодный
колорит преобладает, редки
вспышки красного. Интерес Врубеля к фольклору,
античности, мифологии, сказочному материалу, литературным сюжетам был в русле
поисков нового языка. Похожим путем шли Виктор Васнецов, Суриков, Серов.
Стремление внести красоту в обыденную жизнь вело Врубеля к созданию не только
станковых кар ин, но и декоративных панно.
В 1896 г. на ярмарке в Нижнем Новгороде были выставленны два панно Врубеля:
«Микула Селянинович» на темы русских былин и «Принцесса Греза» по произведению
Эдмона Ростана. Копия этого произведения украсила фронтон гостиницы «Метрополь».
Еще ранее Врубель создал панно «Испания», «Венеция». Интересно решено последнее
панно. «Венеция» Врубеля – это то, что знает любой человек об этом городе: Мост
вздохов, пышный барочный картуш над карнизом палаццо, роскошь экзотических
нарядов, во всем – атмосфера итальянских карнавалов. «Испания» – таверна, хрупкая
женщина с цветком, поодаль двое мужчин, она к ним повернулась спиной. Это завязка
интриги, развязанной в новеллах Мериме. («Кармен»)
Во всем творчестве Врубеля чувствуется общая задача – охватить своей творческой
фантазией мир красоты, создать новое отношение к миру через пересмотр всех эпох и
культур.
В 1902 г. Врубель заболел душевной болезнью, с тех пор, все, что он рисовал, он
неизменно уничтожал. Это были портреты врачей, санитаров, его больничная кровать, вид
из окна больницы, углы комнат, диван, графин стакан воды. Незадолго до смерти зрение
отказало мастеру.
В. Борисов-Мусатов (1870 – 1905)
В основе его стилистики – импрессионизм с его вниманием к световоздушной среде,
неуловимым оттенкам состояний.
Родился он в Саратове, местный преподаватель убедил родителей отправить мальчика в
Москву. Он учился в Московском училище, а затем в Академии в петербурге. В конце 90ых Борисов-Мусатов побывал в Париже. Но тематика Борисова-Мусатова – чисто русская
ретроспекция: тоска по утраченной красоте, элегическая поэзия опустевших «дворянских
гнезд», парков, водоемов. Его мир пребывает вне конкретной исторической
действительности, и этим напоминает мир призраков. Герои облачены в камзолы, парики,
кринолины. Излюбленная техника – пастель и темпера.
«Водоем» 1902 г.
Это наиболее значительное произведение художника. Полотно напоминает декоративное
панно или гобелен. Линия горизонта необыкновенно высоко поднята, и плоскость земли с
зеркалом водоема оказывается почти параллельной плоскости холста. Голубое небо с
белыми облаками только отражается в зеркале воды. Водная гладь настолько спокойна,
что кажется в мире нет движения, время застыло, и ничего не происходит. В таком же
состоянии завороженности пребывают и героини художника. Девушка, сидящая на
возвышении, смотрит куда-то вдаль и погружена в мечтательное забытье. Другая фигура
с опущенными, словно во сне, веками, скользит по краю водоема.
Поверх бледно-сиреневого (цвет мечты) платья – белая кружевная накидка. Девушки не
видят друг друга, но они связаны музыкальным ритмом: округлыми контурами, созвучием
нежно-переливчатых красочных тонов. Внутреннее единство того, что внешне разобщено
- главная тема Борисова-Мусатова. Плавный ритм вибрирующего мазка объединяет все
предметы на полотнах художника. В его картинах нет
ничего мистического,
привнесенного извне, конкретных литературных ассоциаций. Господствует элегическая
грусть, словно разлитая в природе и объединяющая героев картин с вечным миром
природы.
«Призраки» (1903)
Ленты стелющегося по земле тумана сродни извилистым тропинкам старого парка.
Оживают статуи на ступенях классицистического особняка. И здание под куполом как бы
органически подвижно, текуче. При этом никакой мистики. Так видит глаз в сумерки.
Только в 1906г, уже после смерти художника С. Дягилев показал 50 его работ, устроив
ему посмертный апофеоз.