Два взгляда на современность и традицию Почти любая книга к
advertisement
Два взгляда на современность и традицию Почти любая книга класса «введение в современное искусство» начинается с заявления автора о том, что сегодня искусство сильно изменилось. Там говорится о переломе в видении, который произошел в начале двадцатого века и о возникновении новых медиумов. Однако для среднего украинского (или русского) зрителя все куда проще – ничего не изменилось, просто группа отдельных людей сошла с ума. Другая группа, настоящие художники, продолжают писать маслом и слышать не хотят о каком‐то там современном искусстве. 1 На мастер‐классах, организованных «II мистецтвознавчим конкурсом» лекторы часто сокрушались, говоря, что тема «современное искусство vs. традиционное» слишком общая, слишком абстрактная. Однако, как мне кажется, абстрактность в данном случае – только плюс, потому что предполагает дистанцию от отдельных художников и течений, дает говорить об общей проблеме восприятия. Ведь тема до абсурда злободневная – и эта «злоба дня» актуальна исключительно в постсоветских странах, где современное искусство продолжать выступать в роли блаженного затейника, на проделки которого смотрят с любопытством и легким отвращением. Или просто с отвращением. Если почитать комментарии к любой статье о современном искусстве на сайтах вроде «Коммерсант» или bigmir.ua, то никакой рефлексии над темами, разрабатываемыми художником мы не увидим. Только злословие и припоминание сказки о голом короле. На этот контекст можно закрывать глаза, продолжая свое дело и вести дискуссии на высоком критическом уровне – однако все‐равно чаще всего постскриптумом этих статей будет спор об «абстрактной» теме борьбы современности и традиции. Об эту казалось бы затертую тему спотыкается почти любая дискуссия о современном искусстве в постсоветском интернет‐пространстве. Потому что перед тем, как начать думать об аспектах современного искусства – нужно научиться воспринимать его всерьез, а пока это не каждый может. Обычно при взгляде на современное искусство непосвященный человек говорит что‐то такое: «А то я тут зашел в Манеж, там еще не кончилась Московская биеннале. Я ходил и думал: почему никто не крикнет: «А король‐то голый»? Почему мы должны под современным искусством видеть что‐то абстрактно‐кубическое, корявое, в виде груды кирпича? Да еще за государственные деньги! Не говоря о том, что это непонятно абсолютному большинству жителей России». Это соображение принадлежит министру культуры РФ Владимиру Мединскому. Конечно, подобный ход мыслей характерен не только для наших дней. Вот несколько выдержек из критики современного искусства разных лет. 1. «…Ради блага мистера Уистлера, а также в целях защиты покупателей, сэр Котт Линдсей обязан не допускать в галерею работы малообразованного тщеславца, воображающего себя художником, который занимается откровенным надувательством. Я сталкивался лично, и много наслышан о наглости кокни, однако, я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике”. Джон Рескин о картине Джеймса Уистлера «Ноктюрн в черном и золотом: падающая ракета», 1877 год. 2. «Не станем же доверять этому сорту картин, относящихся к так называемому абстрактному искусству, а если не абстрактному, то к сюрреалистическому или экзистенциалистскому. Какой бы ни был их псевдофилософский ярлык, любой маляр способен вполне удовлетворительно скопировать эти полотна менее чем за полчаса». Сальвадор Дали о выставке абстракционистов, 1936. 3. «Последняя картина выставлена, конечно, с намерением, чтобы показать, до какого безобразия может дойти фантазия художника, который написал самую плоскую вещь и дал телу нимфы колорит пятидневного трупа. С другой стороны, женщина в нынешнем костюме в серьезную картину не идет, потому что кринолин и перетянутая талия ‐ верх безобразия, от которого отвернется с ужасом художник, который имеет претензию писать что‐нибудь долговечнее модной картинки». Федор Достоевский о картине Эдуарда Мане «Нимфа и сатир», 1861. Таких гневных отзывов современников можно набрать сколько угодно, однако тенденция прощупывается одна – современное искусство всегда ругают за кажущуюся легковыполнимость и отрыв от традиции. Причем, границы этого отрыва смутные и для каждого времени свои. Примером может служить шкала ценностей современного русского художника и писателя Максима Кантора. Стоит сказать, что Максим – человек, профессионально занимающийся написанием книг и статей на тему «современное искусство vs. традиционное». Его размышления по любому вопросу почти всегда обязательно перетекают в сравнения «было» и «стало». Максим раз за разом в каждом своем тексте отстаивает честь и гордость классического искусства. У него много поклонников – достаточно посмотреть его стену в Facebook, которая заполнена комментариями благодарных читателей. Вот один из характерных для него пассажей. «Инсталляции Бойса являют нам необычную фантазию мастера, но вряд ли оправданно будет сказать, что Бойс придумал более сложное устройство мира, нежели Данте, изобрел столь же виртуозные машины, как Леонардо, создал столь прихотливых существ, как Босх. Его фантазия, вероятно, иного свойства — можно предположить, что в деятельности Бойса присутствует так много нового вещества «авангарда», что качество фантазии претерпело изменения. Квадратики Малевича и Мондриана несомненно обладают свойством необычности — однако не в той же степени, что «Каприччос» Гойи. Наверное, правильно будет сказать, что волшебная добавка «авангарда» перевела самую фантазию в иное качество». Казалось бы, Максима делит искусство исключительно на черное и белое – на «квадратики» и «ренессансную образность». Однако когда весной этого года Максим приезжал в Киев и читал лекцию, он в своих рассуждениях пришел к выводу, что нужен новый реализм. Я спросил: «Не есть ли живопись лондонской школы, Люсьена Фрейда и Фрэнсиса Бэкона тем самым новым реализмом?». И Максим ответил, что да, и Люсьен Фрейд художник равный Рембрандту, и Бэкон очень хорош. То есть при всех своих резких суждениях признал, что некоторых современных художников можно сравнить с мастерами прошлого. В своих книгах он предпочитает об этих пятнах на Луне не упоминать. Вопрос: почему? Не потому ли, что признав за некоторыми современными художники право на хорошее искусство, придется пересмотреть собственную понятную систему взглядов, придется делать оговорки? Фрэнсис Бэкон – художник неудобный, любимый в среде современного искусства и дорого ценящийся на рынке. Публично признать его – значит разделить ценности с ненавистным Максиму либеральным обществом. Наверное, поэтому Максим предпочитает любить Бэкона тихо, а разменной фигурой в многостраничных баталиях брать более однозначных художников – Микеланджело и Малевича, например. Его взгляды – хорошая иллюстрация первого типа отношения к искусству. Это разделение искусства на современное и традиционное, затем выбор стороны на которую стать и дальше втаптывание в грязь «неприятеля». Как в шахматах выбирают черные или белые фигуры, так и здесь предлагается занять одну из сторон и начать борьбу Геракла с гидрой. Это позиция самая распространенная. Однако есть и другая точка зрения. 2 В своих статьях 1960‐х годов американский теоретик Клемент Гринберг настаивал, что модернизм вышел из искусства прошлого без какого‐нибудь разрыва или скачка, что это звено в последовательном развитии искусства и следствие эволюции. Мнение спорное, однако, как мне кажется, в главном Гринберг был прав. Не стоит так резко разделять искусство на «старое» и «новое» ‐ ведь в самой эссенции оно не меняется. Еще в начале V века китаец Се Хэ в своем трактате «Записи о старой живописи» выделил шесть главных принципов мастерства живописца. Первый состоит из четырех иероглифов и звучит как «циюнь‐шэндун». Что переводится как «вибрация», звучание жизни, дыхание. И может быть «звучание жизни» и есть тот волшебный элемент, который крепко объединяет искусство старое и искусство новое? Ведь если разобраться, и жанровые картины малых голландцев, и шелкографии Энди Уорхола занимаются одним и тем же – говорят о пульсе своего времени. Джексон Поллок в одном из интервью сказал: «Мне кажется, что современный художник не может выразить свою эпоху, самолет, атомную бомбу, радио, прибегая к старым формам Ренессанса или какой‐либо другой культуры прошлого. Каждая эпоха обретает свою собственную технику». То есть Поллок пришел к своей технике разбрызгивания из тех же побуждений, из каких Мане написал «Завтрак на траве», а Рембрандт – свои поздние автопортреты. Он понял, что традиционная образность времени ему не подходит, что язык нужно менять, сблизить с его нынешним мировоззрением. Конечно, формально современное искусство очень отличается от классического. Изменились смыслы, стерлись традиционные критерии мастерства, возникло масса новых медиумов – перфоманс, фильмы, нерепрезентабельные объекты, интернет‐среда. Но при всем этом оно продолжает быть звучанием жизни здесь‐и‐сейчас. Вопросы те же, что и несколько веков назад: где границы любви и ненависти, когда исчезает человечность, есть ли Бог, а если нет – то что вместо него. Марк Ротко хотел, чтобы люди перед его картинами цепенели и плакали, ощущая сильнейшие душевные потрясения – и они плакали. В этом его работы не отличаются от работ Эль Греко. Леон Голуб в своей живописи говорит о человеческой жестокости, о зверствах над военнопленными – то есть о том же, о чем говорили Брейгель и Верещагин. Инсталляции братьев Чепмен – об утере человечности в условностях современного мира. Об этом Гойя. Отличаются лишь формы и способы рассказа истории – ведь художники жили в разное время, на разных континентах, разное видели и по‐разному мыслили. Но говорили они о том, что их волновало, о звучании жизни. Источники: Гесс Б., Абстрактный экспрессионизм// Tashen — 2008 Дали С., 50 магических секретов мастерства// Эксмо‐Пресс — 2002 Кантор М., Учебник рисования, Том 1// ОГИ — 2006 Се Хэ, Записи о классификации старой живописи, http://www.kulichki.ru/path/library/oldpaintingclassification.html#Rem2 Ведомости, В 2014 году государство всерьез возьмется за культуру http://www.vedomosti.ru/lifestyle/lifestyle‐friday/news/17373481/v‐2014‐godu‐gosudarstvo‐ vserez‐vozmetsya‐za‐kulturu Достоевский Ф., Выставка в Академии художеств за 1860 ‐ 61 год http://dostoevskii.karelia.ru/showarticle.phtml?id=20
